Lever des fonds ! Une étape incontournable et souvent redoutée pour réaliser un projet. Voici trois conseils pratiques pour mieux s’organiser.

Artiste : Valentina Cortese

Fixez vos objectifs de recherche de fonds et déclinez les en résultats clés

Par exemple, se fixer un objectif de Lever 50 000€ sur le trimestre et fixer comme résultats-clés d’Obtenir 20 k€ de subventions publiques, Collecter 10k€ de mécénat participatif et Signer 20k€ de mécénat financier

Identifiez des indicateurs opérationnels pour s’assurer que les moyens consacrés à la recherche de fonds sont en lien avec les objectifs

Parmi les exemples d’indicateurs : le nombre de RDV mensuels, le nombre de dossiers de financement réalisés ou encore le montant total des financements demandés.

Recensez et analysez les raisons des refus de financements pour réorienter vos recherches

Voici quelques exemples de typologies de refus :

• Ancrage territorial
• Bénéficiaires
• Nature des dépenses
• Taille du projet
• Impact difficile à évaluer

Pour en savoir sur comment maximiser vos chances de lever des fonds, participez à notre formation « Financer son projet artistique » !

Vous travaillez sur votre prochaine création chorégraphique, et au moment de vous lancer dans la réalisation du budget vous vous demandez : quelles sont donc les aides existantes ? Focus sur les dispositifs incontournables.

Aides publiques 

Aides du Ministère de la Culture via les DRAC (directions régionales)

Dispositif phare pour la création chorégraphique, l’aide au projet de création prend la forme d’un soutien ponctuel (à partir de 10 000 €) pour financer une nouvelle création. Les dossiers doivent être déposés auprès de la DRAC de votre région, avec une date de rendu souvent fin automne pour l’année suivante. 

Les conditions sont : 

• 5000€ de coproduction minimum
• 3 dates de représentations pour une première demande, 4 ensuite.

Aides locales et régionales

Plusieurs collectivités (Conseils régionaux, départements et communes) proposent des appels à projets ou subventions pour la diffusion et la création. Par exemple, en Île‑de‑France, le dispositif FoRTE porté par la Région peut aller jusqu’à 50 000 €, couvrant 80 % des dépenses admissibles pour des artistes de 18 à 30 ans. Également en Île de France, la Région attribue une aide à la création pouvant aller jusqu’à 40.000 euros et plafonnée à 40% du budget. Il est nécessaire d’avoir 4 représentations dont 2 en Ile-de-France et 2 coproducteurs dont 1 en Île de France pour être éligible à cette aide.

À noter que les aides municipales sont la plupart du temps plutôt des aides au fonctionnement apportées à la structure (association) au titre des actions menées sur le territoire. 

Aides privées 

Fonds de dotation Haplotès 

L’aide du fonds Haplotès est destinée à soutenir la création, la production et la diffusion d’une oeuvre portée par des compagnies en sortie d’émergence. L’aide est destinée aux projets non encore diffusés au moment du dépôt de candidature, mais prévus à être présentés au public en une à deux saisons. Les projets doivent déjà avoir des premiers financements publics ou privés. Il se destine à des équipes ayant déjà réalisé au moins 3 spectacles, dont 2 présentés au public au cours des trois dernières années .  

• Plus d’infos ici 

SPEDIDAM

Les aides de la SPEDIDAM sont destinées à favoriser l’emploi d’artistes interprètes de la musique, de la danse et du théâtre par un apport financier complémentaire pour boucler un budget de création (et non l’amorcer).

La demande d’aide doit porter sur des dates postérieures à la commission d’agrément (répétitions incluses) sur une période maximum de 6 mois et doit concerner au moins 4 dates de représentation.

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ADAMI

L’ADAMI, organisme de gestion des droits des artistes-interprètes, propose une aide automatique aux structures qui emploient des artistes-interprètes (associations, SARL, EURL titulaires d’une licence spectacle) pour la création ou la diffusion d’un spectacle de danse. Elle couvre 40 % des salaires bruts des artistes, plafonnés à 150 € par service, 300 € par cachet, ou 3000 € mensualisés, avec un plafond de 20 000 € par projet . 

Parmi les conditions : au moins 3 artistes-interprètes rémunérés sur scène à chaque représentation, un minimum de 6 représentations sur 9 mois, et 38 services de répétitions obligatoires avant la première représentation pour les créations.

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Bourse Beaumarchais SACD 

L’Association Beaumarchais‑SACD propose une bourse d’écriture “Danse” destinée aux chorégraphes émergents — ceux n’ayant pas plus d’une œuvre déjà produite professionnellement — pour les accompagner dans l’écriture de leur projet chorégraphique original. 

• Plus d’infos ici 

Besoin d’aide sur le financement de votre projet artistique ?

Participez à notre formation « Financer son projet artistique » !

Qu’est-ce que cela veut dire d’être manager ? Comment optimiser son recrutement ?

Comment assurer une collaboration fluide au sein de son équipe ? Comment déléguer pour être plus efficace ? 

Manager une équipe, c’est avant tout diriger et gérer des personnes réunies dans un objectif commun.

Ces personnes peuvent avoir des compétences similaires, complémentaires et parfois totalement éloignées des domaines de compétences du manager. Le manager n’est donc pas forcément un expert dans tous les champs couverts par son équipe, mais doit avant tout être un meneur.se d’équipe.

Afin de vous donner des premiers éléments de compréhension de ce que veut dire être un manager d’une équipe administrative et/ou artistique, nous avons sélectionné cinq règles d’or qui vous permettront peut-être de mieux comprendre votre rôle, et d’évoluer dans votre posture de leader

Photo par Emmanuelle Stäuble

1. Donner des objectifs

Le manager est garant de l’atteinte des objectifs collectifs du projet et de la structure. Il doit donc savoir les décliner pour chaque personne de son équipe et les formaliser pour les transmettre de manière compréhensible. Les objectifs qu’il fixe à son équipe doivent être « SMART » c’est à dire spécifique, mesurable, atteignable, réaliste et temporel. Par exemple : « Décrocher 2 rendez-vous avec des diffuseurs d’ici la fin de l’année ».

2. Faire confiance

Les objectifs étant clairement définis, partagés et intégrés par l’équipe, le “chorégraphe-manager” doit ensuite accélérer une délégation complète de la mission et ne pas chercher à maîtriser le « comment ». Des points d’étapes peuvent être nécessaires bien sûr pour s’assurer que chacun a bien les moyens d’atteindre ses objectifs et le manager retrouvé son rôle de guide pour identifier avec son équipe des solutions concrètes pour y parvenir. Par exemple, organiser un point mensuel avec la personne en charge de la diffusion, avec un retour sur les actions effectuées et une liste d’actions à suivre jusqu’à la prochaine échéance. Cela permet de détecter d’éventuels problèmes, et d’y apporter des solutions !

3. Récompenser les résultats

Lorsque les objectifs sont atteints il est très important de prendre le temps de féliciter et de célébrer bien sûr mais aussi d’analyser quels ont été les clés de ces succès, les bonnes recettes qui pourront être réutilisées par le reste de l’équipe. Un temps de transmission est donc idéal avec le reste de l’équipe. Par exemple, pourquoi ne pas instaurer un pot tous les mois avec votre équipe pour partager ces réussites ? Pendant ce temps, vous pouvez tous d’abord avoir ce moment de partage, et ensuite continuer sur un moment plus informel, souvent nécessaires dans une équipe !

4. Assumer les erreurs

Si le succès doit revenir au membre de l’equipe qui en avait la responsabilité, les échecs doivent toujours être assumés par le manager… Objectifs mal fixés, moyens insuffisants, manque d’accompagnement… les raisons peuvent être nombreuses mais c’est à vous de les assumer. Et surtout, le fait de les réaliser vous permet d’éviter de les refaire ! Donc pas d’auto-flagellation, mais des pistes de progression.

5. Développer son équipe

On parle aussi de développer les talents. Car ce sont les compétences et la performance de votre équipe qui vous permettra de réaliser vos différents projets. Il est donc important de leur donner le maximum d’informations, de clés de compréhension des enjeux, de leur offrir les moyens de se former, de se nourrir d’autres pratiques et surtout d’avoir à cœur de les aider à réaliser leur potentiel.

Envie d’en savoir plus sur le management ? Participez à notre formation « Développer ses compétences managériales et diversifier le modèle économique de sa compagnie » !

Après l’Assemblée Générale, petit zoom sur le Bureau et le Conseil d’Administration de votre Association !

Le conseil d’administration

Le Conseil d’administration d’une Association est composé d’administrateurs élus par l’Assemblée générale et choisis parmi ses membres. En général un Conseil d’Administration compte de trois à douze membres. La durée de leur mandat est fixée dans vos statuts : pour assurer un minimum de stabilité dans votre gouvernance, un mandat de trois ans semble idéal.

Le Conseil d’Administration dispose des pouvoirs les plus étendus pour administrer et diriger l’association. L’ensemble de ses pouvoirs est défini dans les statuts. De manière générale, le Conseil d’Administration définit les orientations stratégiques et les actions de l’association, il décide l’exclusion de membres de l’Association, il arrête les budgets prévisionnels, il établit le règlement intérieur de l’association, examine les propositions des membres de l’association et statue sur les suites à y donner, il autorise l’embauche de ressources humaines, etc.

En principe, les administrateurs exercent leurs fonctions bénévolement, seuls des remboursements de frais sont possibles. Ils se réunissent aussi régulièrement que l’activité et les projets de l’Association le nécessitent.

Le Bureau

Le Bureau a notamment pour mission d’assurer la mise en œuvre des délibérations du Conseil d’Administration ou de l’Assemblée Générale.

Le Bureau est élu parmi les administrateurs et comprend au moins deux membres. Il est composé en général d’un Président, d’un Vice-président, d’un Trésorier, d’un Secrétaire qui disposent de pouvoirs différents, à nouveau définis dans les statuts ! Vous êtes libres de choisir la composition qui vous convient le mieux, en conservant a minima les postes de la présidence et de la trésorerie.

Le Président représente l’association et dispose du pouvoir de l’engager vis-à-vis des tiers. Il prend les décisions nécessaires à la gestion courante de l’Association et veille à son bon fonctionnement. Le Vice-président assiste le Président dans ses fonctions et peut exercer les pouvoirs du Président sur délégation de celui-ci. Le Secrétaire établit en général les procès-verbaux des réunions et délibérations des Assemblées générales. Quant au Trésorier il réalise les comptes de l’exercice de l’association.

Les questions les plus fréquentes

Dois-je mettre en place un Bureau et / ou un CA ? De manière générale, le Bureau est une émanation exécutive du Conseil d’Administration. Instance réunissant moins de membres, elle est plus facile à réunir et est donc conseillée pour les Associations qui ont fait le choix d’un Conseil d’Administration. Les Associations qui décident de créer un Conseil d’Administration le font de manière générale pour disposer d’un conseil stratégique réunissant plus de compétences différents avis. Pour démarrer votre compagnie, un bureau suffit largement mais lorsque vos projets prendront de l’ampleur, n’hésitez pas à repenser la question !

Quelles sont les formalités administratives nécessaires à la tenue d’un CA ? Il faut distinguer les réunions de travail du Conseil d’Administration des réunions de délibérations. Dans ces dernières des décisions engageants sont prises, qu’il convient de consigner dans un Procès Verbal.

Quelle est finalement la différence entre un Bureau et un CA ? Le bureau est un organe exécutif et non un organe collégial de décisions. Chaque membre du Bureau assiste le Président dans ses fonctions et ce dernier doit assurer la bonne exécution des décisions prises en CA ou en Assemblée Générale.

Et pour en savoir plus sur les différentes étapes de création de votre compagnie et de son administration au quotidien, participez à notre formation « Lancer son projet artistique » !

Combien de temps passez-vous en réunion ? La réponse est en générale assez simple : “trop” ! Et si on se remettait à aimer la réunion ? Voici comment reclarifier les différents objectifs de vos réunions, réparties en 6 typologies.

Artiste : Compagnie Lu2 – Extrait : En Vie – Photo : Emmanuelle Stäuble

Alignement

A distinguer de la réunion d’information, totalement déconseillée ! Une information se partage par mail, s’affiche éventuellement. C’est bien plus efficace… La réunion d‘alignement a pour objectif de s’assurer que tout le monde est bien alignés, de redonner du sens aux changements, de remobiliser l’équipe sur les priorités. Très utile en temps de crise ou de transformation !

Connexion

Un temps dédié aux retrouvailles, à la connexion individuelle et collective entre les membres de l’équipe. Pas d’ordre du jour à part celui de passer du temps ensemble !

Brainstorming

Si les objectifs de cette typologie de réunion sont en général très bien compris, ce sont plutôt les méthodes pour faire émerger puis converger des idées qui manquent aux managers. Ca tombe bien, nous avons inventé un workshop sur ce thème !

Prise de décisions

En amont de la réunion, l’organisateur partage différents scénarios et les éléments dont il faut prendre connaissance pour arbitrer. Les objectifs de cette typologie de réunion sont donc atteints si les décisions annoncées ont bien été prises.

Planification

Dans cette réunion, l’objectif est d’organiser le travail. Cela peut signifier identifier des plans d’actions, définir des échéances, se répartir les tâches, etc.

Production

Il s’agit d’une réunion de travail, ou l’objectif est de produire un “livrable”, par exemple un planning, une plaquette, un reporting, etc.

Pas facile de gérer un projet… Alors rendez-vous à notre prochaine formation « Recruter et manager des équipes » !

Vos statuts sont fin prêts, encore un dernier effort avant que votre compagnie prenne vie… C’est la déclaration de création de l’Association au greffe des associations qui vous permettra d’acquérir une personnalité morale et une capacité juridique. Petit kit de survie pour obtenir dans les meilleurs délais votre immatriculation.

1. Assemblée générale constitutive

Mettez le champagne au frais et réunissez vos co-fondateurs : il est l’heure de tenir votre Assemblée Générale constitutive ! Ensemble vous allez voter la création de votre Association de loi 1901, adopter ses statuts (en les signant) et élire son premier bureau parmi les membres réunis.

2. Procès-verbal (PV) d’Assemblée générale (AG)

A l’issue de cette belle fête, n’oubliez pas de réaliser le procès-verbal de l’Assemblée générale. Ce dernier doit détailler les résolutions approuvées notamment les suivantes : adoption de statuts, fixation du siège social, membres élus au Conseil d’Administration (CA) ou au Bureau, montant de la cotisation et pouvoirs donnés au Bureau pour réaliser toutes les formalités administratives liées à la création.

3. Préparation des documents

Pour déclarer votre association, munissez-vous :

• du procès-verbal de l’assemblée constitutive signé par au moins une personne du Bureau/CA et comportant les nom et prénom du signataire
• d’un exemplaire des statuts daté et signé par au moins 2 personnes du bureau/CA et comportant leur nom, prénom et fonction au sein de l’association
• la liste des dirigeants avec nom, prénom et fonction au sein de l’association

Attention ! Ne faites figurer aucune date de naissance sur les documents joints sous peine de rejet de la déclaration.

4. Déclaration en ligne

La déclaration se fait sur le site Servicepublic.fr.
Elle doit indiquer :

• le titre de l’association
• son objet tel que les fondateurs souhaitent qu’il soit publié au Journal officiel des associations
• l’adresse du siège social
• la date de l’assemblée constitutive
• les noms, professions, domiciles et nationalités des personnes du bureau/CA avec leur fonction

Pour vous assurer d’avoir toutes les informations nécessaires en amont vous pouvez pré-remplir le CERFA.

L’administration vous délivrera un récépissé dans les 5 jours suivant la remise du dossier complet avec votre numéro RNA, composé de la lettre W suivie de 9 chiffres. Conservez-le !

5. Journal Officiel

Lors de votre déclaration en ligne, n’oubliez pas de cocher la demande de publication au Journal officiel des associations et fondations d’entreprise (JOAFE).

N’hésitez pas à surveiller la publication de l’annonce sur ce site et à télécharger une copie de l’insertion. C’est le seul document qui prouve l’existence juridique de l’association, il vous sera demandé dans l’étape d’après.

6. Et ensuite ?

Bravo ! Votre structure existe ! Vous pouvez désormais vous immatriculer auprès des différents organismes sociaux : URSSAF, Pôle Emploi, AFDAS, AUDIENS, etc.

Encore besoin de plus d’infos ? Participez à notre formation « Lancer son projet artistique » !

Petit exercice de style : observer les styles de leadership dans un studio. Par Orianne Vilmer, directrice générale de La Fabrique de la Danse.

Crédit photo : Emmanuelle Stäuble – Artiste : Justine Tourillon

Quel leader êtes-vous ?

La littérature spécialisée fait état de nombreux styles de leadership : autant de méthodes qui, appliquées dans un contexte adapté, permettent aux leaders d’atteindre leurs objectifs.

Parmi tous les modèles de leadership existant, j’adhère particulièrement à celui de Daniel Goleman, l’un des pères fondateurs de l’intelligence émotionnelle. Alors, à partir de ce modèle, j’avais envie de transposer les types de leadership au milieu chorégraphique, et à ce qui peut se passer en studio. Une manière ludique et originale d’illustrer de grands concepts !

Imaginons…

Le chorégraphe directif

Les danseurs arrivent en studio déjà échauffés. Le chorégraphe est déjà là depuis une heure à préparer les éléments de décor, et à choisir les costumes de ses interprètes. Cela fait plusieurs mois qu’il pense à sa création, seul. Il répartit les danseurs dans l’espace, à la place qu’il a choisie pour eux, puis il transmet de manière chronologique sa chorégraphie en l’expliquant oralement. Tout y est fixé, précisément, le geste, le tempo, l’intention. A l’issue de la répétition, il distribue aux danseurs leur partition et sa note d’intention finalisée.

Le chorégraphe chef de file

Quand les danseurs arrivent en studio, le chorégraphe est déjà là bien sûr, en train de s’étirer, de préparer son corps avec toutes sortes d’accessoires. Progressivement, les danseurs le rejoignent en discutant. Puis, tranquillement, il se met en mouvement, sans un mot, et démarre l’échauffement, rejoint par l’ensemble de la troupe. Sans transition marquée, le chorégraphe leur indique qu’ils vont travailler ce matin sur le dernier tableau de la création. Il se met en mouvement, suivi de ses interprètes qui découvrent la chorégraphie en l’exécutant. Après 20 itérations, l’ensemble du groupe a imprimé dans son corps la chorégraphie. Le chorégraphe peut enfin leur faire des premiers retours.

Le chorégraphe participatif

Le chorégraphe arrive en studio en covoiturage avec un de ses danseurs. En chemin, ils discutaient de la répétition de la veille, de ce que chacun en avait pensé. Une fois en studio, le chorégraphe propose à un volontaire de choisir le premier exercice, puis de passer le relai à un collègue. A l’issue de cet échauffement, il leur demande sur quoi ils aimeraient avancer aujourd’hui, puis une fois le choix effectué collectivement, il leur propose une improvisation guidée. Il fera ses choix chorégraphiques sur la base de leurs propositions.

Le chorégraphe coach

Les danseurs sont déjà en studio lorsqu’il arrive : chacun était libre de se préparer à sa manière durant l’heure précédant le début de la répétition. Pendant la fin de leur échauffement, le chorégraphe prend le temps d’aller voir chacun d’entre eux pour savoir sur quelle partie de la création il a besoin de retravailler pour se sentir plus performant et juste. A partir de tous leurs besoins, il constitue un plan de travail pour la journée. A l’issue de la répétition, il fait des retours collectifs puis individuels et vérifie avec chacun de ses interprètes que leurs objectifs ont été atteints. Les danseurs sont invités à exprimer leurs besoins pour la suite de la résidence avant de rentrer chez eux.

Le chorégraphe collaboratif

Lorsque l’équipe arrive dans le lieu de résidence, un petit déjeuner l’attend. La résidence démarre toujours ainsi, avec un temps collectif où chacun prend le temps de se reconnecter aux autres. Puis le chorégraphe prend la parole et explique comment la semaine se déroulera et prend le temps de répondre à toutes les questions. L’échauffement démarre par des exercices de proprioception effectués en binôme. Tout le monde participe : compositeur, scénographe, créateur lumière, costumier, régisseur, et interprètes bien sûr. Puis tout le monde se met en place : les danseurs se mettent en mouvement, le compositeur propose sa création sonore, le costumier en profite pour associer les costumes qu’il a dessinés à chaque interprète… On prend le temps de débrieffer et on avance.

Le chorégraphe visionnaire

Les danseurs sont très nombreux aujourd’hui pour cette audition. Le chorégraphe les accueille, souriant et charismatique. Il explique son projet, et raconte ce qu’il projette dans sa prochaine création. Il évoque les partenaires avec qui il discute déjà, est transparent sur les difficultés qu’il rencontre actuellement et annonce clairement ses attentes envers son équipe artistique et l’engagement qu’il attend d’eux. Il rappelle ses valeurs professionnelles et demande à tous les participants qui ne sentiraient pas alignés de renoncer à l’audition, il a besoin de travailler avec des personnes qui adhèrent à sa vision.

Pour expérimenter et vous approprier pleinement les différents styles de leadership et découvrir leur potentiel en fonction des contextes, inscrivez-vous au programme « Développer son leadership par le mouvement » !

« Je crois que j’aimerais monter ma compagnie… » Ca vous est certainement passé par la tête… Ca veut dire quoi finalement monter un compagnie ? Et dans quel ordre s’y prendre ? Prenez connaissance des étapes clés avant de vous lancer !

1. Réfléchir à votre projet chorégraphique

Première étape incontournable : pourquoi créer sa structure ? Pourquoi monter une compagnie ? Quels types de projets artistiques et culturels souhaitez-vous y développer ? Avec quels genres de partenaires ? Sur quel territoire ? Vous êtes le seul à le savoir, personne ne pourra le décider à votre place, alors prenez un peu de temps pour définir ce projet de compagnie de danse.

2. Choisir la forme juridique adaptée à votre compagnie

C’est souvent une évidence pour les habitués du milieu chorégraphique, monter sa compagnie signifie, dans 99% des cas, créer une association de loi 1901. L’Association est en effet la forme la plus rapide à créer, qui ne nécessite aucun apport financier obligatoire. Elle nécessite une gestion administrative plus légère qu’une société et surtout l’Association peut offrir un cadre fiscal très intéressant : elle est en général non fiscalisée, c’est à dire exonérée de taxes et d’impôts et dans le secteur de la création chorégraphique, elle est aussi d’intérêt général (plus d’infos ici)

3.  Fédérer un bureau adapté à votre activité de chorégraphe

La forme Associative nécessite la création d’instance de gouvernance, appelées bureau ou CA. Il est très important de bien choisir les personnes qui vont vous entourer, et de décider par la même occasion si vous ferez partie ou non de cette instance dirigeante. Quelques détails sur le bureau et le CA et une réflexion sur le statut du chorégraphe dans sa compagnie.

4. Ecrire vos statuts de compagnie de danse

Hormis le nom de votre compagnie, il faut définir les principes directeurs de votre association : mission, moyens d’actions, typologie de membres, organisation des Assemblée Générales etc. Quelques conseils pratiques ici.

5. Organiser votre Assemblée Générale

Réunissez les membres fondateurs, votez pour vos statuts, élisez votre bureau. C’est fait, la compagnie de danse dont vous avez tant rêvé existe enfin ! Quelques rappels sur le fonctionnement d’une Assemblée Générale.

6. Déclarer votre Association

Il est temps de dire au monde entier que vous avez « monté votre compagnie » ! Ca se passe en ligne, c’est très simple, tout est rappelé dans cet article.

Envie d’accélérer le développement de votre compagnie et d’être accompagné sur votre projet ?

Participez à la prochaine session de la formation « Lancer son projet artistique », ouverte à tous les porteurs de projets !

Le Ministère de la Culture a instauré un ultime allongement des dispositifs du FONPEPS, avec des mesures exécutables jusqu’au 30 septembre 2019.

Après une première prolongation jusqu’au 31 mai 2019, les dispositifs du FONPEPS sont applicables jusqu’au 30 septembre 2019 avant leur restructuration. Annoncé en avril 2016, c’est le premier fonds créé pour soutenir activement l’emploi pérenne dans le spectacle vivant, dans le secteur public comme dans le secteur privé. Destiné aux entreprises du spectacle vivant, aux artistes et techniciens qu’elles emploient, le fonds encourage la création d’emplois durables.

Les trois premiers décrets ont été publiés en décembre :

• Aide à l’embauche du premier salarié en CDI

Il s’agit d’une aide à l’embauche d’un premier salarié, dont le salaire est inférieur à trois SMIC, en CDI pour les entreprises du spectacle. Elle est versée à raison de 1 000 € par trimestre (4 000 € par an) pendant deux ans. En savoir plus ici.

• Prime à l’embauche en CDI de salariés du spectacle

Cette aide concerne les entreprises du spectacle vivant pour toute embauche en CDI d’un artiste, ouvrier ou technicien  dont le salaire est inférieur à trois SMIC. Cette aide est la mesure phare du fonds avec un montant est dégressif sur quatre ans (10 000 € en année 1, 8 000 € en année 2, 6 000 € en année 3 et 4 000 € en année 4). En savoir plus ici.

• Aide à la durée des contrats

Il s’agit d’une aide à l’embauche en CDD de longue durée. L’aide est renouvelable et est versée à raison de 500 € pour tout contrat de deux mois, 800 € pour tout contrat de trois mois, 1 800 € pour tout contrat de six mois et 4 000 € pour tout contrat d’un an. En savoir plus ici.

Les six autres dispositifs du FONPEPS :

• Aide à l’insertion sur le marché du travail des jeunes artistes diplômés
• Aide à la garde d’enfant d’artistes et techniciens intermittents
• Fonds assurantiel pour les groupements d’entreprises de la culture
• Dispositif de soutien à l’emploi dans les secteurs fragiles cafés-culture
• Dispositif de soutien à l’emploi dans les secteurs fragiles /petits lieux de diffusion de musique / théâtre / danse
• Dispositif de soutien à l’emploi dans les secteurs fragiles / éditions phonographiques

En savoir plus :
– La page dédiée du Ministère de la Culture et de la Communication

Besoin d’aide sur le financement de votre compagnie ? Participez à notre formation « Financer son projet » !

Avec la diminution des financements publics, les compagnies chorégraphiques et les établissements culturels sont contraints de diversifier leurs modes de financement. Le mécénat est résolument une source alternative de financement ! Encore faut-il cibler les fondations qui soutiennent la danse… Aujourd’hui on estime à 1 million d’euros le mécénat en faveur de la danse, intéressons-nous aux principaux acteurs en la matière !

Photo : Rémi Walle sur Unsplash

De manière générale, La Fondation de France soutient des actions en faveur de la danse, attribue des aides à des danseurs, à des corps de ballets, etc. La fondation de France est notamment à l’origine de IADU (initiatives d’artistes en danses urbaines), un programme créé en 1998 proposant un accompagnement et un soutien à la jeune création en danse hip hop. Sous l’égide de la Fondation de France, d’autres fondations soutiennent financièrement la danse, c’est le cas de la Fondation Cléo Thiberge-Edrom qui souhaite encourager l’enseignement de la danse, le développement de sa pratique et la création artistique.

La danse à l’ère des nouvelles technologies et la Fondation BNP Paribas

La fondation BNP Paribas soutient un ensemble de projets qui interrogent les possibilités qu’offrent le numérique à la création et à la transmission des arts chorégraphique. Elle a notamment mis en place le Dansathon, un événement qui croise la danse et les nouvelles technologies pour tenter d’imaginer de nouvelles formes artistiques. Elle  soutient également la plateforme Numeridanse.TV, et le Dance Archive Project. Ce dernier transmet grâce aux nouvelles technologies, le Butoh, une danse japonaise. Le Dance Archive Project a, entre autres, mis en place un programme qui permet d’enregistrer les gestes des danseurs grâce à des capteurs de mouvement et de les partager via des vidéos artistiques et pédagogiques.

Un soutien à la création artistique ?

Les fondations soutenant directement la création artistique sont très rares… Parmi elles, la fondation BNP Paribas, qui soutient la danse contemporaine et accompagne des chorégraphes dans le développement de leurs projets, ainsi que la fondation Hermès qui propose deux programmes : New Settings offre un soutien à la production tandis que Artistes dans la Cité accompagne des artistes en devenir. Il existe aussi le fonds de dotation Agnès b., dont la fondatrice est aujourd’hui présidente de « la Place », lieu dédié au hip hop. La Caisse des Dépôts développe également depuis quelques années des actions de mécénat pour soutenir l’émergence de jeunes talents de la danse dans toutes ses esthétiques. Enfin, comment ne pas citer Paprec, mécène principal du Ballet de l’Opéra de Paris ?

Éducation artistique et art citoyen

De nombreuses fondations financent les actions et projets qui utilisent la danse comme outil d’éducation ou de renforcement du lien social… Ainsi, la fondation Daniel et Nina Carasso, la Fondation Danse pour la Vie (Repetto), la Fondation Culture & Diversité, la Fondation Total, le fonds de dotation inPACT ou encore la Fondation Groupe RATP, soutiennent les programmes éducatifs et culturels et les projets qui favorisent l’accès à la culture et à la pratique artistique du plus grand nombre.

Soutien aux danseurs

Il existe également des structure qui récompensent les artistes interprètes, comme les Prix Fedora à destination des jeunes danseurs classiques. Depuis 2019, la plateforme Fedora décerne également un Prix à des projets d’éducation artistique et culturelle dans la danse ou l’opéra. Le Programme Rolex de mentorat artistique propose quant à lui à de jeunes artistes, une année de mentoring par un grand maître de sa discipline. C’est ainsi que la danseuse néoclassique et contemporaine sud-africaine Londiwe Khoza est accompagnée par Ohad Naharin.

Besoin d’aide pour construire votre plan de financement ? Participez à notre formation « Produire et financer des projets artistiques et chorégraphiques » !