Ilyana Koura, Auteur à La Fabrique de la Danse

5 dispositifs de résidence pour les projets de danse engagés sur la transition écologique

Ilyana Koura — Tue, 24 Mar 2026 20:22:04 +0000

Face à l’urgence écologique, de plus en plus de chorégraphes interrogent les récits qu’ils proposent au plateau, mais aussi leurs pratiques, leurs modes de production et leurs liens au vivant. Mais où trouver des espaces pour expérimenter, chercher et créer autrement ?

Voici 5 dispositifs de résidence qui soutiennent des projets artistiques en lien avec la transition écologique, et qui peuvent constituer de véritables leviers pour développer une démarche engagée.

Danseuse : Marie Simon, Photographe : Matthieu Joffre @ la Nuit des Forêts

Résidences Vertes – Ministère de la Culture & Fondation Carasso

C’est aujourd’hui l’un des dispositifs les plus structurants en France sur ces enjeux. Les Résidences Vertes accompagnent des artistes sur des formats longs (6 à 12 mois), en intégrant directement un regard écologique dans le processus de création. Vous êtes accompagné à la fois par un lieu d’accueil et par un professionnel de la transition écologique.

Le dispositif vous permet de travailler en profondeur sur vos pratiques (mobilité, scénographie, production…) et de faire évoluer concrètement votre manière de créer.Un financement pouvant aller jusqu’à 20 000 € est prévu pour soutenir la résidence.

Le POLAU – pôle arts & urbanisme à Tours

Le POLAU développe des résidences à la croisée de la création artistique, des territoires et des enjeux écologiques.

Les projets accueillis interrogent les usages, les paysages et les transformations sociales, souvent dans des formats in situ. La danse y trouve toute sa place, notamment lorsqu’elle dialogue avec un territoire ou un contexte spécifique.

Le dispositif permet de sortir du plateau pour penser des formes situées, en lien direct avec les espaces et les habitants.

Programme Nomades – Nos lieux communs

Ce dispositif propose un format particulièrement intéressant pour les compagnies de danse. Vous êtes accueilli en résidence dans plusieurs lieux du réseau (le 6b à Saint-Denis, la Friche la Belle de Mai à Marseille, le POLAU à Tours, la Villa Belleville à Paris ou encore la Halle Tropisme à Montpellier), avec une phase d’immersion puis de création, avant une diffusion dans le réseau. Les projets doivent être pensés pour des contextes spécifiques, souvent en extérieur ou dans des espaces non dédiés.

Le programme permet d’éco-concevoir concrètement un projet de création pensé sur un territoire, et de le diffuser. Le dispositif privilégie des formes légères et un situ, et inclut une coproduction d’environ 20 000 € et une tournée associée.

La Maison Germaine Tillion, Plouhinec, Bretagne

La Maison Germaine Tillion propose différents dispositifs de résidence, avec un thème annuel, qui s’inscrivent dans une approche écologique à la fois dans les contenus et dans les pratiques. La maison soutient des projets ancrés dans leur territoire, en lien avec le vivant et les acteurs locaux, tout en favorisant des modes de création sobres (mobilité, matériaux, production) et des formats de recherche et de transmission.

L’écologie y est pensée comme une démarche globale, qui questionne autant les imaginaires artistiques que les façons de produire et de diffuser.

Le dispositif STARTS EC(H)O, programme de la commission européenne

Le dispositif STARTS EC(H)O est un programme européen qui soutient des collaborations entre artistes, scientifiques et acteurs de l’innovation autour des enjeux environnementaux. Il propose des résidences permettant de développer des projets de recherche-création à l’intersection de l’art, des technologies et de l’écologie. Les chorégraphes peuvent y postuler dès lors que leur démarche s’inscrit dans une réflexion sur le vivant, les transformations environnementales ou les usages technologiques, et qu’ils souhaitent expérimenter de nouvelles formes en lien avec des partenaires issus d’autres disciplines.

Budget : 40 000 € par artiste pour un programme de 9 mois.

Ces 5 dispositifs montrent une évolution profonde du secteur : la transition écologique ne se limite plus aux contenus des œuvres, mais traverse désormais les manières de produire, de diffuser et de collaborer.

S’engager dans ce type de résidence, c’est à la fois nourrir son écriture et questionner son modèle de compagnie.

Vous souhaitez aller plus loin dans votre réflexion écologique ? Nous avons lancé le programme «Éco-concevoir un projet artistique». Pensé comme un véritable levier de transformation, ce programme sur 6 jours a pour objectif de faire émerger de nouveaux modes de production et de diffusion responsables au sein du secteur chorégraphique. Il permet à chaque porteur de projet de développer une vision stratégique et une méthodologie d’action concrète immédiatement applicables dans son quotidien.

Prochaine session du 23 au 25 novembre puis du 7 au 9 décembre 2026.

Plus d’infos ici !

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Lancement de la 2e promotion Grand angle !

Ilyana Koura — Fri, 10 Jan 2025 10:42:25 +0000

Les 11 chorégraphes de la promotion Grand Angle 2025 sont arrivés le 8 janvier 2025 !

Ils représentent 9 compagnies de danse de tout le territoire français. Leurs esthétiques chorégraphiques sont aussi variées que leurs parcours.

Jusqu’en juillet 2025, ils viendront se former 2 ou 3 jours par mois pour développer des compétences en management, en stratégie et en financement à long terme. Ils repartiront avec des outils pour solidifier leurs réseaux et éventuellement postuler à la direction d’un lieu.

Bienvenue à toutes et tous !

Antonin Rioche – Funny People

Antonin RIOCHE est né à Angers en 1994. Il est un metteur en scène français, réalisateur, chorégraphe et écrivain. Formé au Ballet Junior de Genève, il est ensuite devenu danseur freelance, interprétant et explorant le travail de chorégraphes renommés tels qu’Alexander Ekman, Crystal Pite, Hofesh Shechter, Olivier Dubois, Sasha Waltz et Sidi Larbi Cherkaoui au cours de sa carrière. Son premier solo, Ohboy!, créé lors de l’Eastman Summer Intensive 2017, marque une étape significative dans son parcours. Très rapidement devenu chorégraphe résident au Korzo Theater en 2018, Antonin a créé des œuvres acclamées telles que Glitter en 2021 et Ohgirl! en 2022, avec des tournées nationales et internationales. Son processus créatif débute par l’écriture, le dessin et la réflexion, émanant de ses expériences vécues et donnant naissance à des interprétations poétiques des sentiments humains. Parmi ses projets futurs, on compte son installation à venir à Paris pour développer ‘Funny People’.

Nadia Vadori-Gauthier – Compagnie le prix de l’essence

Formée à la danse et aux arts de l’image, Nadia Vadori-Gauthier est danseuse et chorégraphe. Ses propositions de recherche-création questionnent les frontières entre l’art et la vie, le visible et l’invisible, le mouvant et la forme, afin de produire un art qui permette de tisser de nouveaux agencements collectifs interconnectant humain et non-humain.
Avec sa Cie Le Prix de l’essence, elle développe des alternatives aux modes dominants de visibilité et de corporéité, envisageant la danse comme vecteur de connexion au vivant. La relation et la résonance sont à la source des processus de création.
Au fil du temps a créé une technique de danse interconnectant intériorité et extériorité, conscient et inconscient : Corps sismographe®.
Depuis 2015, elle mène un projet quotidien de résistance poétique : Une minute de danse par jour.

Camille Viale – Compagnie Ticotacam

Chorégraphe, pédagogue et danseuse interprète, Camille Viale a été formée plus particulièrement à la danse flamenca qu’elle pratique aujourd’hui dans une écriture contemporaine. Elle dirige la compagnie toulousaine TICOTACAM qui oriente son action autour de trois axes : la création de spectacle, la médiation culturelle et la recherche. Elle cherche à faire du lien, partout où les connexions sont possibles entre le flamenco et différents courants chorégraphiques et musicaux.
Camille Viale a créé la pièce MATERIA ainsi que sa formule performative MateriaMix, MODA FLAMENCA et la dernière pièce en cours de création PULSO ou j’aurais dû faire du stand up. En 2022 elle crée “Chez Pépé Mémé”, un incubateur artistique à Toulouse ainsi qu’une école de danse expérimentale LHD-Labo Hybridanse à Gragnague.

Maxime Freixas & Francesco Colaleo – Compagnie MF

Maxime Freixas (Béziers, 1989) est danseur freelance, chorégraphe, praticien en shiatsu et pédagogue diplômé du Centre National de la Danse de Lyon. Il se forme à la danse contemporaine au sein des centres Epsedanse de Montpellier et Mondap’ART de Saint-Dionisy.
En 2007, il débute sa carrière en collaborant avec Bruno Agati, puis intègre en 2010 le Ballet Junior de Genève pour approfondir sa formation. À partir de 2011, il collabore avec différentes compagnies et chorégraphes tel que Patrice Barthès / Patrice Barthès & Cie (FR), Nathalie Bard / Ballet Actuel (FR), Ron Howell (IT), Alain Gruttadauria / Compagnie Licorne (FR), Monica Casadei / Artemis Danza (IT), Manfredi Perego / MP Ideograms (IT), Daniela Clementina De Lauri / Elsewhere Company (FR), Justine Tourillon / Compagnie du Tourillon (FR) et Tiziana Arnaboldi (CH).
Parallèlement, Maxime Freixas s’investit dans la pédagogie. Il est professeur invité au CNSMD de Lyon, au CCNR sous la direction de Yuval Pick, au CND de Lyon, au CRR de Lyon, à l’Opéra d’Avignon, ainsi que dans divers centres de formation en France et à l’étranger.
En 2014, il cofonde avec Francesco Colaleo la Cie MF | Maxime & Francesco. Ensemble, ils explorent une recherche artistique mêlant humour, physicalité et engagement, tout en interrogeant la relation avec le public afin de rendre leurs créations accessibles à tous.tes.

Francesco Colaleo (Naples, 1988) est un danseur freelance, chorégraphe et pédagogue diplômé du CND de Lyon. Il se forme à la danse contemporaine au Labart T.C.S. de Naples avant de poursuivre sa carrière artistique à la Biennale de la danse de Venise, sous la direction d’Ismael Ivo. En 2010, Francesco rejoint l’Atelier MoDem de la Compagnie Zappalà Danza, intégrant officiellement la compagnie en 2011. Entre 2012 et 2018, il collabore avec plusieurs compagnies, dont la Cie Anou Skan (FR), la Cie Artemis Danza (IT), ainsi qu’avec les artistes Emma Cianchi et Antonello Tudisco. En 2021, il participe à un projet de la Maison Hermès avec Christian Rizzo et commence à travailler avec la Cie Aurelia (FR), dirigée par Rita Cioffi. Depuis 2014, il collabore avec la Cie Tiziana Arnaboldi (CH). En tant que pédagogue, Francesco est professeur invité au CCNR / Yuval Pick, au CNSMD de Lyon, au CND de Lyon, à l’Opéra d’Avignon, ainsi que dans divers centres de formation en France et à l’étranger. En 2014, il co-fonde la Cie MF | Maxime & Francesco avec Maxime Freixas. Ensemble, ils explorent une recherche corporelle qui allie humour, physicalité et engagement, tout en questionnant la relation avec le public afin de rendre le propos artistique accessible à tous.tes

Sarath Amarasingam – Advaïta L Company

Danseur, pédagogue et chorégraphe Franco – Sri Lankais, Sarath commence la danse hip hop en 1992. Il intègre dans sa recherche du mouvement la danse Kollywood et la pratique du Bharata-Natyam. Il étudie également le rythme de l’inde de sud, le Nattouvankam. En 2005, il obtient une licence en danse à l’Université Paris VIII et entreprend un Master sur la transmission de la danse hip hop. Depuis 2015, il se forme à l’éducation somatique par le mouvement (BMC). Il est titulaire du DE de danse contemporaine depuis 2017. Il a été interprète pour plusieurs chorégraphes tel que : Sébastien Laurent, Emmanuelle Vo-Dinh, Santiago Sempere, Jean Christophe Bleton, Michel Lestréhan, Marion Ruchti, En 2013, il rejoint Héla Fattoumi et Éric Lamoureux au CCN de Caen comme danseur puis au CCN de Belfort jusqu’à aujourd’hui. En 2018, il crée “Advaïta L Cie”, pour tenir une parole chorégraphique à partir des notions comme la transdisciplinarité et l’interculturalité.

Marco Chenevier – Compagnie Les 3 Plumes

Marco Augusto Chenevier vit et travaille entre la France et l’Italie. Chorégraphe, danseur, metteur en scène et acteur, il développe, en tant qu’auteur, une recherche qui traverse les codes linguistiques, explore leurs limites et remet en question forme et structure, créant des hybrides originaux nés de la fusion de la danse, du théâtre, du cirque, du cabaret, des jeux de société et de la technologie. Son travail vise à la fois à bouger et à stimuler la pensée, la surprise et le plaisir, en rejetant aussi bien l’élitisme culturel que le divertissement, le spectacle et la consommation. La recherche esthétique et la réflexion politique sont étroitement liées dans une analyse impitoyable des relations de pouvoir. Les processus de recherche et de création, fruit de pratiques rigoureuses, ont constitué un chemin caractérisé par la récupération d’archétypes et leur désacralisation dans la contemporanéité, conduisant au fil des ans à des résultats esthétiques hétérogènes, alternant humour, lyrisme, poésie et iconoclasme.
Marco travaille en binôme avec Alessia Pinto.

Balkis Moutashar – Compagnie Balkis Moutashar

Balkis Moutashar est chorégraphe et danseuse. Elle a étudié la philosophie, la danse contemporaine et différentes danses du monde, pratiqué le music-hall, et aime visiter des différents territoires esthétiques. Installée à Marseille, elle crée des pièces qui interrogent les nos gestes et leurs origines. D’où viennent les gestes que l’on regarde sur un plateau, et à quoi sont-ils reliés ? Quelle est leur histoire ? Sa danse s’adresse à un large public, à la fois expérimentale et populaire.
Elle a créé une dizaine de pièces depuis la création de sa compagnie en 2009 : des pièces pour le plateau (de 2 à 9 danseurs), pour des musées ou des monuments historiques, une pièce jeune public… qui sont diffusées sur tout le territoire dans différentes scènes nationales, scènes conventionnées, CCN, CDCN et festivals.

Laura Lamy & Tristan Robilliard – Resodancer company

Diplômée du CNSMD de Lyon en 2010, Laura Lamy commence sa carrière en tant que danseuse au sein du Staatstheater de Chemnitz en Allemagne. En 2011, elle décide de poursuivre en tant que danseuse free-lance, et collabore avec de nombreuses compagnies en Europe.

Diplômé du CNSMD de Lyon en 2010, Tristan Robilliard commence sa carrière en tant que danseur free-lance en travaillant sur différents projets avec les chorégraphes Michel Kéléménis, Davy Brun, Julien Ficely. En 2012, il élargit son réseau à l’international et travaille au sein de la Cie Focus Dance en Suède, puis avec l’écossais M. Shuterland.

En 2016, avec Tristan Robilliard, ils créent Resodancer Company, avec une volonté de départ de créer une compagnie de répertoire, avec un système d’auto-financement basé sur l’organisation de workshops. En 2019, ils créent une pièce pour le ballet de l’Opéra de Metz, et à partir de là, poursuivent leur travail en tant que chorégraphes. Depuis, ils ont créé plusieurs pièces pour la compagnie et ont été invités dans différentes structures pour des commandes.
En parallèle, Laura et Tristan sont invités partout en Europe à donner des workshops de Spiral Training, technique de cours qu’ils ont développé.

Christina Towle – Kivuko Compagnie

Franco-Américaine, Christina Towle s’est formée chez Merce Cunningham à New-York avant de s’implanter en France. Elle a travaillé avec Jean-Claude Gallotta en tant qu’interprète et répétitrice,avant de concevoir ses propres projets chorégraphiques. Elle a suivi la formation TRANSFORME à la Fondation Royaumont, sous la tutelle de Myriam Gourfink et a commencé à explorer le mouvement respiratoire et les dynamiques qui s’y associent.
À partir de 2015, elle fonde la Kivuko Compagnie avec Djino Alolo Sabin, dans le but de créer des pièces chorégraphiques viscérales et sensorielles à travers une écriture de danse contemporaine riche des influences du sport et la musique. La première création de la Compagnie, Debout – Se Relever (octobre 2016), est finaliste de la compétition Danse Élargie au Théâtre de la Ville. Depuis 2017 elle dirige seule la compagnie et en parallèle de recherches chorégraphiques autour du sport et la danse, elle développe un axe de création pour le jeune public.
Bounce Back (2021) – basket, musique et danse – a été créé grâce au soutien du Théâtre & Cinéma Georges Simenon – Scène Conventionné (93), le Conseil Départemental de Seine-Saint-Denis, la DRAC/Île-de-France/Aide au Projet, et l’aide à la création de la Région Île-de-France. Ses recherches sur le sport se poursuivent avec la création de Hors-Piste (2025) et Woods sur l’œuvre Music for pieces of wood de Steve Reich (2026).
Au sein de la Kivuko Compagnie, elle affirme le désir de créer pour petits et grands, et de développer des projets qui puissent être diffusés autant sur le plateau qu’en dehors des cadres traditionnels de représentation. Un fil conducteur traverse ses créations pour les petits comme pour les grands : l’identité, sa construction et l’altérité.

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4 conseils essentiels pour réussir le lancement de son projet artistique

Ilyana Koura — Mon, 13 May 2024 15:51:26 +0000

Vous êtes porteur·se d’un projet artistique et culturel, danseur·se, chorégraphe, artiste pluridisciplinaire… Vous souhaitez vous consacrez à son lancement, mais par où commencer ? A quoi faut-il absolument penser ? Comment se structurer et s’organiser ? Voici les grandes étapes à ne pas manquer dans le développer de votre projet artistique.

Vous êtes à l’aube du lancement de votre projet artistique et de nombreuses thématiques se bousculent : Comment construire mon dossier artistique ? Quelles lois s’appliquent à ma structure ou à mon projet ? Comment appréhender la construction de budget de création ?…

Voici 4 grandes étapes de réflexion et d’apprentissage qui vont rythmer le lancement de votre projet :

Première étape : Communiquer sur son projet artistique

Il est important de savoir parler de votre projet pour le structurer et le valoriser. C’est tout l’intérêt de la note d’intention et la réalisation de votre dossier artistique. Ces deux éléments sont la vitrine de votre travail et de votre univers. Prenez donc le temps de les constituer car elles représentent les fondations de votre projet. Vous pourrez vous y référer à tout moment pour améliorer ou alimenter votre projet. Elle vous permettront également de clarifier l’idée de votre projet auprès des acteurs à qui vous le présenterez.

Deuxième étape : Connaitre le système juridique du spectacle vivant

Lorsque vous êtes acteur d’un environnement artistique, vous devez connaitre vos droits ! Surtout quand vous êtes à la tête de votre propre projet, vous aurez une responsabilité beaucoup plus importante vis à vis de celui-ci et des parties prenantes. Il est donc important d’avoir des notions de base sur ce qui régit et délimite juridiquement et administrativement votre projet. Cela passe par la compréhension des outils juridiques comme les contrats de cession, de co-réalisation et de co-production, les licences liés au spectacle, les droits d’auteurs, etc. Bien connaitre ses droits, c’est aussi un moyen d’assurer un environnement stable et pérenne à la construction, à la réalisation et à l’évolution de votre projet artistique.

Troisième étape : Identifier et connaître son environnement professionnel

Soyez toujours conscient de l’environnement et des acteurs avec qui vous travaillez et à qui vous vous adressez. Ces personnes sont vos potentiels collaborateurs ou financeurs ! En tant qu’artiste, vous devez avoir une vision globale des acteurs du spectacle vivant, des structures existantes ou émergeantes car cela va impacter de près ou de loin votre projet actuel et vos projets futurs. Le secteur du spectacle vivant est en constante évolution, pensez à rester à l’affût de son actualité, c’est la clé !

Quatrième étape : Maitriser l’aspect budgétaire de la création

Le financement n’est pas la partie la plus ludique dans le lancement de votre projet artistique et pourtant elle est incontournable ! Pour commencer, il est important de savoir mesurer les besoins humains, financiers, administratifs, de création et de production que requiert votre projet. Identifier vos besoins vous permettra ensuite de vous projeter et de vous poser la question des financements nécessaires à votre projet. Vous pourrez structurer cette réflexion en réalisant un budget prévisionnel et en identifiant et chiffrant les coûts de votre projet. Pour mener votre recherche de financement, il est important que vous identifiez toutes les sources existantes (financements publics, privés, le mécénat, le financement participatif, les demandes de subvention…). Une fois vos financeurs repérés, vous pouvez vous consacrez aux démarches qui structureront et feront avancer vos demandes (construire son plan de financement, réaliser ses dossiers de demande de subvention ou de mécénat, répondre à des appels d’offres…).

Le financement de projet est une notion complexe aux nombreux défis. Pour mieux comprendre, participez notre formation « Financer son projet artistique » et devenez incollable sur le sujet !

Ces étapes vous ont été utiles ? Pour aller plus loin, découvrez notre formation « Lancer son projet artistique » dans laquelle nous vous accompagnons pas à pas pour vous aider sereinement à développer votre projet artistique à chaque étape de sa structuration.

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Grand angle – journal de printemps

Ilyana Koura — Mon, 29 Apr 2024 15:14:18 +0000

Depuis janvier 2024, la Fabrique de la Danse accompagne sept chorégraphes avancés à travers le programme Grand Angle. Leurs compagnies ont pris de l’ampleur et leurs enjeux quotidiens évoluent, ils ont besoin d’outils et d’accompagnement pour passer de nouveaux caps de développement.

Grand angle s’articule autour de 3 volets : structuration financière, management et rencontre avec des professionnels clés du secteur. Les chorégraphes sont mobilisés 2 à 3 jours par mois pour rencontrer des intervenants à Paris, au Havre, à Bordeaux ou à Avignon.

Session de travail avec Carolyn Occelli et son équipe au Théâtre de Suresnes
3 avril 2024

Carnet de bord de printemps

Retour sur la session d’avril

Au mois d’avril, la promotion Grand angle a été accueillie chez des partenaires de choix ! Le 3 avril au Théâtre de Suresnes, le 4 à l’étoile du Nord, le 5 à la Cité Internationale des Arts.
Emmanuelle de Varax, ancienne directrice de production du Théâtre de Chaillot, et responsable des projets Danse Contemporaine du Fonds Haplotès est venue parler de stratégie et montage de coproductions. Elle a partagé ses conseils pour optimiser un rendez-vous avec un financeur potentiel.
Carolyn Occelli, Directrice du Théâtre de Suresnes a mobilisé ses équipes RP pour parler EAC et liens avec des habitants – le Théâtre de Suresnes étant un bel exemple d’ancrage territorial.
Jean-François Munnier, Directeur de l’Etoile du Nord, a dévoilé toutes les facettes de son théâtre et de sa programmation, puis a parlé d’un sujet qu’il maîtrise comme personne : celui des réseaux professionnels chorégraphiques. Paris réseau danse, Petites scènes ouvertes… Il a tout passé en revue et donné de précieux conseils pour se faire repérer.
Orianne Vilmer, cofondatrice et présidente de la Fabrique de la Danse, a proposé une journée de travail sur le management. Chacun a pu identifier son style de management, appréhender le fonctionnement des autres, en bénéficiant d’outils très concrets pour maîtriser l’art de déléguer les bons sujets aux bonnes personnes.

Perspectives pour mai

Le mois de mai ouvre un nouveau champ d’expérimentation : la négociation ! Rien de moins que la méthode Harvard pour nos chorégraphes. Un temps de formation par l’improvisation théâtrale proposé par Scène Expériences.

Les formations de printemps seront clôturées par une rencontre avec le chorégraphe Farid Berki, sur les financements pluriannuels et les aides au fonctionnement ! Après 30 ans de compagnie, il souhaite partager ses conseils, raconter ses écueils et partager son expérience pour arriver à une vraie stabilité financière.

Le programme Grand angle ne s’arrête pas la ! Rendez-vous dans quelques semaines pour le journal de bord d’été.

Mais qui sont les 7 chorégraphes de la promo Grand angle 2024 ?
–> Julien Rossin – compagnie Les Oiseaux Perchés
–> Johana Malédon – compagnie Mâle
–> Claire Durand Drouhin – Compagnie Traction, Le Ballet Brut
–> Sandra Français – compagnie Elephante
–> Quelen Lamouroux – Compagnie Qalis
–> Stéphanie Bonnetot – Compagnie Paracosm
–> Yohan Vallée – compagnie Appel d’air

En savoir plus sur le programme Grand angle

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PROGRAMME GRAND ANGLE – la fusée est lancée

Ilyana Koura — Mon, 15 Jan 2024 11:43:46 +0000

Première édition !

Mercredi 10 janvier 2024, 7 chorégraphes venus des Bouches-du-Rhône, d’Occitanie, de Nouvelle Aquitaine ou encore d’île de France ont convergé vers la Fabrique de la Danse pour démarrer la première édition du programme Grand angle.

Ce programme s’adresse à des chorégraphes de toutes les esthétiques dont la compagnie est déjà bien structurée. Il se déroule sur 7 mois et a pour but d’aider les participants à passer des caps stratégiques de développement. Au programme, un volet management, un volet structuration financière et une série de rencontres professionnelles avec des directeurs et directrices d’institutions culturelles du paysage chorégraphique français.

Le programme se déroule entre Paris, Bordeaux, le Havre et Avignon chez nos différents partenaires : le Théâtre de Suresnes Jean Vilar, le Centquatre-Paris, l’OARA, la Manufacture CDCN, le Théâtre de l’Etoile du Nord, la Cité Internationale des Arts de Paris, et le Phare – Centre chorégraphique national du Havre Normandie.

Grand angle – promo 2024

Promo 2024

Pour cette première édition, prévue de janvier à juillet 2024, nous accueillons un groupe d’artistes aux profils et talents variés :

Claire Durand-Drouhin, le Ballet Brut. Son travail fait naître des corps à corps entre des virtuoses de la danse et du cirque et des personnes en situation de handicap.
Yohan Vallée, compagnie Appel d’Air. Toutes ses pièces sont nourries de son travail profond avec des publics dits « empêchés ». Sa dernière création, Abwarten, porte sur l’attente.
Quelen Lamouroux, compagnie Qalis. Son travail est transdisciplinaire à dominante danse. Sa compagnie explore depuis 2014 les rapports entre les corps et les sons dans des pièces hybrides et immersives pour les salles et les lieux non-dédiés.
Johana Maledon, compagnie Mâle. Une compagnie de danse aux corps ancrés et aux esprits mouvants. C’est au cœur de l’être vivant, et tout ce qui peut cultiver sa différence que la compagnie puise son inspiration. Tantôt porteur d’histoires, médiateur ou encore matière brute, le corps est mis au centre de notre réflexion.
Julien Rossin, compagnie les Oiseaux Perchés. La compagnie est un espace dédié à la recherche et à l’expression du mouvement à travers différentes pratiques artistiques, corporelles ou plastiques.
Sandra Français, compagnie Éléphante. Sa démarche s’inscrit dans une recherche du mouvement infime, du détail et de la sensation. Inspirée par des faits scientifiques et par notre représentation du réel, elle applique au travers des corps, des théories qui deviennent des moteurs pour la créativité.
Stéphanie Bonnetot, compagnie Paracosm. Le travail de création de la Compagnie, plutôt orienté jeune public, aborde des thèmes tel que l’enfance, le lien à la famille, la féminité, le rapport au corps. Stéphanie explore l’intime et les rapports humains, par le biais d’un langage doux et poétique pour cultiver l’imaginaire, créer du lien et éveiller la réflexion et l’empathie.

Brainstorming
« Identification des freins au développement des compagnies et propositions de solutions d’améliorations »

Un pannel d’intervenants de haut vol

De nombreux professionnels de la culture ont répondu présents pour accompagner ces artistes dans le développement de leurs projets. Régis Plaud de l’ONDA, Eva Daviaud du Centre Pompidou, Laurence Drake, ancienne déléguée générale de FACE, Soraya Kavoussian de l’agence So, Fanny Bannet, ancienne directrice de Manifesto Studio, Anaïs Atamian du festival Kalypso, Julie Sanerot du Centquatre Paris, Carolyn Occelli du Théâtre de Suresnes, Doriane Foix de l’OARA, Lise Saladain de la Manufacture CDCN, Emmanuelle de Varax, ancienne Directrice de production du Théâtre de Chaillot, Jean-François Munnier, directeur de l’Etoile du Nord, Orianne Vilmer de la Fabrique de la Danse, l’équipe de Scène Expériences, Fouad Boussouf et Marie Chénard du CCN du Havre.

Transmission et solidarité entre artistes

Enfin, chaque stagiaire est accompagné par un parrain ou une marraine. Un ou une chorégraphe plus avancé.e qui donne de son temps pour guider un paire plus émergent. Pour cette édition, les parrains et marraines sont Mourad Merzouki, Ambra Senatore, Marc Lacourt et Camille Decourtye.

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Première édition du programme « Sur la route »

Ilyana Koura — Tue, 17 Oct 2023 09:06:53 +0000

La première édition de ce programme riche sur la coopération artistique internationale a eu lieu du 2 au 13 octobre 2023. Huit chorégraphes aux profils éclectiques ont été sélectionnés pour travailler sur le développement de leurs projets chorégraphiques internationaux.

Sur la route – promotion 2023

Marion Parinello, chorégraphe contemporaine qui développe depuis 10 ans des liens avec le Québec et qui travaille sur une création musicale, chorégraphique et technologique avec des artistes canadiens.
Maïlée Mouttou, chorégraphe contemporaine qui revient de 9 ans en Espagne et qui cherche à développer sa compagnie à la fois sur les territoires espagnols, français et plus largement européens.
Kévin Briot, chorégraphe hip-hop du Grand-Est, qui souhaite développer des liens avec les pays frontaliers de sa région (Allemagne, Belgique) et porte également un gros projet de coopération avec la Guyane.
Alexia Traoré, artiste issue des danses traditionnelles qui porte des projets de coopération entre le Congo-Brazzaville, la Côte d’Ivoire et la France.
Julia Ortola, chorégraphe hip-hop ayant beaucoup tourné à l’international en tant qu’interprète, qui développe un gros projet de coopération avec l’île de la Réunion et souhaite également tourner ses autres créations à l’international.
Maud Vallée, qui a déjà chorégraphié une pièce au Japon et travaille désormais sur un projet autour des sportifs de haut niveau et leur rapport au risque. Un travail de recherche et de création autour du monde qu’elle commence à structurer.
Solen Athanassopoulos, qui développe un projet multifacette de coopération et de création entre la Grèce, le Congo et la France, à la recherche de ses racines.
Solène Bossu, qui prépare une résidence itinérante en train entre les alliance françaises de l’Ouest du Canada et qui souhaite également pérenniser des relations avec d’autres pays d’Afrique et d’Europe avec lesquels elle a déjà travaillé.

L’équivalent de 5 ans de travail en 2 semaines !

Kevin Briot - promotion 2023, Compagnie Tempor'air

Les stagiaires du programme ont été accueillis 3 jours au CENTQUATRE-Paris

Entre la Petite Fabrique (Paris 20e), le Centquatre (Paris 19e) et le Théâtre de la Ville – Espace Cardin (Paris 8e), ces 8 artistes ont bénéficié d’un cadre de travail idéal pour mûrir leurs projets. Au programme de la 1ère semaine, un travail approfondi sur les stratégies de développement de projets chorégraphiques internationaux.

Yohann Floch a ouvert le bal en questionnant les motivations des chorégraphes. Il a invité chacun à analyser ses motivations profondes et à réfléchir sur les enjeux internationaux post-pandémiques. Patrick-Germain Thomas a ensuite proposé une analyse du modèle exceptionnel de politique culturelle français en comparaison avec les modèles allemands, américains et anglais. Lucien Ammar-Arino, directeur délégué du CCN de Belfort, a partagé son expérience du montage de deux projets: AKZAK, une pièce avec des danseurs du Burkina Faso, d’Egypte, de France, du Maroc et de Tunisie et un projet pluriannuel de coopération culturelle France-Egypte : VIAMISR. Sandrina Martins, directrice du Carreau du Temple, a donné des clefs stratégiques sur la diffusion, nationale et internationale. Victor Leclère, co-directeur du bureau de production “la Magnanerie”, a rappelé le rôle des bureaux de production dans la diffusion internationale et a aidé les chorégraphes à cartographier leurs réseaux. Anaïs Nguyen Khac, responsable de production et diffusion de la compagnie Par Terre / Anne Nguyen a partagé les clefs de réussite de cette compagnie à l’international. Marie le Sourd,secrétaire générale du réseau On the Move a partagé des ressources pour financer des projets de mobilité. Enfin, Julie Sanerot, directrice de la production et adjointe à la programmation du CENTQUATRE-Paris a partagé son expérience du montage de tournées et a partagé de nombreux conseils pour optimiser la diffusion de projets sur différentes régions géographiques.

Rencontre avec Gaëlle Massicot-Bitty
Responsable du pôle spectacle vivant de l’Institut Français

La seconde semaine, Gaëlle Massicot-Bitty, responsable du pôle spectacle vivant de l’Institut Français est venue présenter toute l’offre de service de l’IF. Elisabetta Bisaro a présenté le réseau Aerowaves, qui repère des compagnies chorégraphiques émergentes pour les diffuser à l’international, suivie de Margherita Petti qui a présenté l’ITEM, un réseau de networking international. Gwendolenn Sharp, fondatrice de “The Green Room” a proposé une réflexion poussée sur les enjeux écologiques dans les questions de mobilité suivie de Pierre Brini qui a expliqué la logique des financements européens. Il a notamment décortiqué le nébuleux programme “Europe créative”. Emmanuelle Staüble, régisseuse, a proposé une matinée de travail sur la logistique d’une tournée, ponctuée d’anecdotes sur les chocs culturels rencontrés lors de ses tournées. Lucie Mariotto a aidé les chorégraphes à restructurer leurs dossiers artistiques pour l’international. Enfin, Antoine Roux-Briffaud, danseur élu au Syndicat des Artistes Interprètes a répondu à de très nombreuses questions juridiques sur les projets internationaux : contrats, impôts, légalité, risques etc.. Elizabeth Gahl, chorégraphe américaine, a relu des dossiers artistiques en anglais et a proposé un coaching sur les “pitchs” de projets en anglais, au désarrois de certains stagiaires – qui ont tout de même accepté de se prêter au jeu avec humour. Le programme s’est clôturé avec Charline Bruhat sur son expérience dans les services culturels diplomatiques au Brésil et celui d’Alice Magdelénat sur le montage d’un vaste projet de coopération entre 12 pays : les consultations poétiques au Théâtre de la Ville.

Entre les deux semaines de stage, pause en studio
pour se dégourdir les jambes et découvrir les univers chorégraphiques de chacun

L’une des plus belle réussite de cette première édition est la cohésion du groupe. Chaque stagiaire s’est intéressé aux projets des autres, chacun a partagé son expérience et s’est nourri de celle des autres. Les intervenants ont également fait preuve d’une bienveillance particulière et nous les remercions chaleureusement pour cela.

Matinée de travail sur la logistique technique d’une tournée
sous la Pergola du Théâtre de la Ville – Espace Cardin

A tous les chorégraphes qui développent ou veulent développer leurs créations à l’international, je recommande sans réserves la formation SUR LA ROUTE de La Fabrique de la Danse. Un cycle d’apprentissage qui intègre avec succès tous les aspects de ce vaste champ de réflexion. La formation m’a aidée à y voir plus clair dans mes projets, à précise leur mise en oeuvre. Rencontrer d’autres artistes porteurs de projets crée une dynamique de groupe qui donne confiance en ce qu’on porte.

Alexia Traoré, Compagnie Dayma

La prochaine édition du programme aura lieu du lundi 5 au vendredi 16 octobre 2026.

Le programme se déroule en présentiel dans 2 lieux franciliens :

La Fabrique de la Danse (Pantin)

L’Institut Français (Paris)

Pré-requis

Avoir déjà créé deux pièces chorégraphiques ou participé au montage de leur production
Porter un projet de diffusion internationale ou de coopération avec un ou plusieurs pays étrangers.
Les projets avec les départements et territoires d’outre mers peuvent être considérés comme des projets internationaux car leur développement requiert souvent des compétences liées à la mobilité internationale

Les candidatures pour la promotion 2026 sont ouvertes du 5 au 29 janvier 2026

Plus d’informations sur le programme ici

Consulter la plaquette du programme

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