© Alessandro Spedito & chorégraphe: Marlène Rostaing

Témoignage de Marlène Rostaing, chorégraphe, et de Mona-Lys Azan, chargée de production et de diffusion de la Compagnie Body don’t cry, qui ont suivi ensemble le programme Sur la route de la Fabrique de la Danse

« J’ai proposé à Mona-Lys de suivre le programme Sur la route avec moi parce que j’avais envie de solidifier notre relation de travail et de créer un cadre commun pour le développement de la compagnie. C’était important pour moi que nous puissions parler la même langue et partager une vision claire, à la fois artistique et stratégique.

Je tiens beaucoup à impliquer très concrètement mon équipe dans le développement de la compagnie. Le rôle des chargé·es de production et de diffusion est encore trop souvent sous-valorisé, alors qu’il est central. Il me semblait essentiel que Mona-Lys soit associée dès l’origine à la réflexion stratégique, et pas uniquement à sa mise en œuvre.

Avec plus de vingt ans d’expérience, je ne me sentais pas capable de transmettre seule tout ce que j’ai appris au fil du temps. Suivre la formation ensemble nous a permis de trouver un cadre pour cette transmission : un espace pour partager, s’aligner profondément et poser les choses de manière structurée. C’est un temps de respiration précieux, qui permet de prendre du recul sur le quotidien et d’affirmer une structuration plus avancée de la compagnie, ce qui est important autant pour les partenaires professionnels que pour l’avenir du projet.

Nous sommes venues suivre Sur la route à un moment charnière, avec plusieurs opportunités de développement à l’international, notamment en Belgique, en Roumanie et en Espagne. Il y avait déjà une première reconnaissance de notre travail, et nous avions envie de construire une véritable stratégie autour de ces perspectives. C’était aussi une manière de penser une forme d’émancipation vis-à-vis de notre région d’implantation, où les possibilités de développement nous semblaient limitées.

Plusieurs rencontres ont marqué notre temps de formation, notamment avec l’Institut français, avec Yohann Floch sur les dynamiques internationales et avec Jérôme Guyot de la compagnie Diptik, qui nous ont beaucoup aidées à affiner notre stratégie et à ouvrir notre réseau. La journée consacrée aux politiques culturelles, animée par Dorothée Alemany, nous a également permis de prendre conscience du contexte global du spectacle vivant.

Avec du recul, je ne peux que vivement recommander de suivre ce programme en binôme !  »

Sur la route est un programme d’accompagnement au développement d’un projet chorégraphique international, que ce soit la diffusion d’une pièce à l’étranger ou le montage d’un projet de coopération avec des partenaires du monde.

Ce parcours s’adresse aux chorégraphes, administrateur.ices, chargée.es de production ou de diffusion, basé.e.s en France, portant des projets de toute esthétique chorégraphique et souhaitant acquérir des outils et des compétences pour comprendre l’écosystème de la danse dans le monde et développer un projet international viable.

Les candidatures pour la promotion 2026 du programme « Sur la route » sont ouvertes du 5 au 29 janvier 2026 !

(c) Emmanuelle Stäuble & chorégraphe: Théo MW

L’ONDA – Office national de diffusion artistique – est un opérateur public du spectacle vivant, créé en 1975 et placé sous la tutelle du ministère de la Culture.

Sa mission principale est de favoriser la diffusion des œuvres et des artistes sur l’ensemble du territoire, et d’accompagner les dynamiques de circulation des spectacles, en France comme à l’international. L’ONDA intervient dans les champs de la danse, du théâtre, du cirque, des arts de la marionnette et des formes pluridisciplinaires.

L’ONDA ne finance pas directement les compagnies. L’organisme agit plutôt comme un outil de régulation et de structuration de la diffusion. Ses aides sont attribuées aux lieux de diffusion ou aux réseaux de programmation, afin soutenir la circulation des spectacles, à encourager la prise de risque artistique des programmateurs et à renforcer les dynamiques de coopération entre équipes artistiques et lieux de diffusion.

En France, l’ONDA accompagne les réseaux de diffusion en soutenant certaines représentations ou séries de représentations, notamment lorsque celles-ci présentent un risque économique ou artistique pour les lieux. Ce soutien permet, par exemple, de prolonger la vie d’un spectacle au-delà de sa création ou de favoriser sa reprise dans différents territoires.

L’ONDA joue également un rôle de médiateur entre les artistes et les programmateurs. À travers des rencontres professionnelles, des temps d’observation ou de mise en relation, il contribue à créer des espaces de dialogue propices à une meilleure compréhension mutuelle des enjeux artistiques, économiques et organisationnels de la diffusion.

Enfin, l’organisme développe une activité d’analyse et d’observation du secteur, permettant d’identifier les évolutions des pratiques de programmation et les freins à la circulation des œuvres.

À l’échelle internationale, l’ONDA accompagne la présence des artistes français à l’étranger en lien avec d’autres acteurs institutionnels et professionnels. Son intervention accompagne la construction de relations durables entre équipes artistiques et programmateurs internationaux.

Pour les compagnies chorégraphiques, l’ONDA constitue donc un partenaire indirect mais déterminant. Son action permet de sécuriser certaines diffusions, de crédibiliser un projet auprès des lieux et d’inscrire les œuvres dans des parcours de circulation plus cohérents.

En soutenant la prise de risque et en favorisant les mises en réseau, l’ONDA contribue à défendre la diversité des écritures chorégraphiques et à renforcer la place de la danse dans le paysage culturel.

Régis Plaud est le conseiller danse de l’Onda. Il rencontre chaque année les chorégraphes de notre programme Grand angle pour connaître leurs projets, comprendre et éventuellement accompagner leurs enjeux de diffusion. Pour plus d’informations sur ce programme de formation, rendez-vous sur notre site !

(c) Emmanuelle Stäuble & chorégraphe: Christine Bastin

Pendant huit journées, notre programme de formation « Éco-concevoir un projet artistique » a réuni des professionnelles de la danse aux parcours et pratiques variés, avec une ambition commune : repenser la manière dont elles conçoivent, produisent et diffusent des projets artistiques à l’heure des urgences écologiques.

Ce journal de bord retrace le cheminement collectif de cette première promotion. Il témoigne des prises de conscience, des outils transmis, des rencontres artistiques et des déplacements de regard opérés au fil des journées. Entre constats, expérimentations et projections concrètes, il esquisse les contours d’une transition écologique du secteur chorégraphique, pensée à la fois comme une transformation des pratiques et comme un engagement artistique et politique.

Les candidatures pour la promotion 2026 du programme « Éco-concevoir un projet artistique » débutent le 5 janvier 2026 !

(c) Emmanuelle Stäuble & chorégraphe: Perle Cayron

En tant que danseur interprète et chorégraphe, vous évoluez constamment au sein d’équipe constituée d’une multitude de profils et de métiers différents. Chacun, dans son rôle, travaille à la constitution d’un spectacle et il est important de savoir à qui on s’adresse ! 

Zoom sur ces métiers techniques:

Le directeur technique supervise l’ensemble des aspects techniques d’un lieu ou d’une structure : équipements scéniques, maintenance du bâtiment, conformité réglementaire et sécurité du public comme des équipes. Il planifie les interventions, encadre les équipes techniques permanentes et s’assure que les conditions sont réunies pour accueillir les spectacles dans de bonnes conditions. C’est la personne-ressource qui garantit que le lieu fonctionne efficacement, durablement et en toute sécurité.

Le régisseur général coordonne toute la partie opérationnelle. Il gère les plannings, les budgets, les équipes et le matériel. En tournée, c’est lui qui prépare chaque accueil technique et assure la liaison entre les besoins artistiques et les contraintes du plateau.

Le régisseur plateau s’occupe de ce qui se passe sur scène : montage, réglages, mouvements de décors, démontage. Il connaît le plateau dans ses moindres recoins et veille au respect de toutes les manipulations techniques. Sous sa responsabilité, les machinistes, cintriers, coursiers ou soutiers exécutent les changements et les opérations nécessaires dans la cage de scène.

Du côté de la lumière, plusieurs métiers collaborent. L’éclairagiste conçoit l’ambiance lumineuse du spectacle avec le metteur en scène ou le chorégraphe. Le régisseur lumière met en place cette création : montage, réglages, conduite en représentation, entretien du matériel et gestion du parc. Les électriciens l’assistent pour installer les projecteurs et assurer leur bon fonctionnement.

La création sonore repose elle aussi sur un binôme : le compositeur, qui écrit la musique ou conçoit les matières sonores, et le régisseur son, qui assure leur diffusion, les réglages et la qualité de l’écoute en salle.

Pour l’espace scénique, le scénographe imagine le décor et l’organisation visuelle du plateau. Le décorateur réalise concrètement cet univers. L’accessoiriste cherche, fabrique ou adapte les accessoires nécessaires au déroulement de la pièce.

Les costumes mobilisent deux métiers complémentaires : le costumier, qui conçoit et fabrique les tenues en accord avec la mise en scène, et l’habilleur, qui les entretient, prépare les changements rapides et accompagne les artistes pendant les représentations.

Enfin, les métiers du visage complètent la transformation : le maquilleur crée les maquillages nécessaires au rôle ou à l’esthétique, et le perruquier réalise et entretient les perruques ou postiches utilisés sur scène.

Du côté de l’accueil, le régisseur de salle supervise les espaces ouverts au public et veille au bon déroulement des entrées. L’ouvreur reçoit les spectateurs, les oriente et les installe, assurant le premier contact entre le public et le spectacle.

Chaque métier a sa fonction précise, et c’est leur coordination qui permet à un spectacle de se dérouler sans accroc.

Pour en savoir plus sur ces métiers : 

Découvrez la formation Initiation à la lumière de la Fabrique de la Danse, 3 jours pour acquérir des connaissances théoriques et techniques, expérimenter différents éclairages scéniques, vous approprier le langage technique, comprendre et interpréter les fiches techniques et les plans de feux et réaliser votre propre conduite lumières.

Découvrez également le programme Focus, qui guide les danseurs interprètes dans les premières années de leur carrière. Un module du programme est dédié aux métiers techniques et à leur vocabulaire. 

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(c) Emmanuelle Stäuble & chorégraphe: Théophile Bensusan

Depuis 10 ans , la formation Recherche et Création Chorégraphique propose un espace privilégié où le chorégraphe prend le temps de se ressourcer, d’affiner sa pensée et son écriture chorégraphique, tout en ouvrant de nouveaux horizons à sa créativité, dans un partage  stimulant avec ses pairs.

Atelier de Recherche et Création Chorégraphique

Une pédagogie créée par Christine Bastin 

autour de l’accompagnement artistique du chorégraphe.

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Vous êtes chorégraphe, vous avez un projet de création en cours ou à faire naitre, et vous ressentez le besoin d’être accompagné.e  pour le mettre à jour.

Alors je vous invite à un voyage du corps et de la pensée autour de ces 3 mots :

Le désir :

Votre désir est-il assez fort pour que cela en vaille la peine ? et est-il assez fort pour balayer la peur qui fait souvent obstacle à l’élan de création ? 

Un élan essentiel pour chercher, se risquer, se connecter à ses sources profondes, dans la joie comme dans la douleur (exquise), et laisser émerger quelque chose qui n’appartient qu’à soi.  

Le travail : 

Créer, c’est vivre la balance permanente entre les états de grâce et la réalité du travail artisanal. Car il s’agit de donner forme concrètement, physiquement, à un informe qui se dérobe sans cesse.

Pour cela, le corps se met pleinement à l’œuvre, à l’ouvrage… littéralement .

J’aime cette phrase de Picasso qui nous dit : Quand l’inspiration me visitera, elle me trouvera en train de travailler.

La jubilation :

Celle qui nous vient quand on touche à l’équilibre, juste à la lisière du dedans et du dehors, au point de rencontre de la pensée et du corps…

Quand l’acte chorégraphique est enfin posé dans l’espace et dans le temps…  Quand on se dit : c’est ça que je voulais, et même, c’est bien mieux que ce que je voulais !

Car le corps sait des choses que la pensée ignore, et toujours quelque chose en nous se passe, qui nous dépasse… 

Une danse entre l’obscur et l’air, ravie par le mystère …

Christine Bastin.

Portée par Christine Bastin, cette formation a accompagné une centaine  de chorégraphes dans leur cheminement créatif, entre exigence et liberté. Pour les prochaines sessions de formation RCC à la carte,  Christine transmet  sa pédagogie à Tess Blanchard, chorégraphe issue de la première promotion de l’incubateur de La Fabrique de la Danse, qui en partage l’histoire et l’esprit depuis dix ans. Ensemble, elles incarnent ce désir de continuité, précieux dans l’accompagnement pédagogique, et qui est très cher à la Fabrique de la Danse!

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Pour apprendre à développer votre singularité chorégraphique, ou à la réinventer, découvrez notre formation « Recherche et Création chorégraphique » !

(c) Valentin Izzo

Zoom sur l’intermittence 

Le régime de l’intermittence est un régime spécifique au secteur du spectacle et des médias. Ce régime unique et protecteur des personnels artistiques et techniques soulève de nombreuses questions lorsque l’on débute ! Voyons ensemble ce qui le distingue du régime général et les premières subtilités qui se cachent derrière la fameuse barre des 507 heures de travail

Qui peut être embauché en tant qu’intermittent dans le monde du spectacle? 

Le régime de l’intermittence a été crée pour protéger les travailleur·se dont l’emploi est par définition sujet à de grosses variations comme lors de répétitions, le montage d’un spectacle, une tournée. Il vise donc des métiers alternants par usage entre des périodes chômées et des périodes d’activité.

Ainsi pour le monde du spectacle seules les professions définies dans le code du travail et dans les conventions collectives (voir article conventions collectives) peuvent faire l’objet de contrats d’intermittence. On distingue deux catégories principales, les métiers artistiques et les métiers de la technique et de la production. Ces catégories sont définies par le code du travail pour les artistes et l’assurance chômage pour les techniciens.

Et le statut d’intermittent ? 

Une fois cumulé l’équivalent de 507 heures de travail au régime de l’intermittence (les heures de régime général ne sont pas comptabilisés) sur une période de 12 mois, le salarié peut alors faire valoir vos droits au régime de l’intermittence auprès de France Travail et ainsi accéder à une indemnisation pour les périodes non travaillés sur les 12 mois à venir, ce qui sécurise grandement votre parcours. Il accède au statut d’intermittent du spectacle.

A noter France Travail valorise pour les artistes les cachets à hauteur de l’équivalent de 12h de travail, des services de répétition à hauteur de 4 heures de travail. Les techniciens voient leurs contrats comptabilisés à l’heure près.

Qu’est ce qui compte dans les 507 heures de travail ? 

Seuls les contrats relevant du régime de l’intermittence sont comptabilisés. Le régime de l’intermittence du spectacle est un régime spécifique des contrats de travail propre au secteur du spectacle et des médias, il diffère du régime dit “général”. Le régime général comprend la majeure partie des contrats de travail en CDD, en CDI pour l’ensemble des secteurs d’activités, le régime de l’intermittence est spécifique au secteur et intègre les contrats en CDDU auquel un employeur aura recours pour un certain type de professions, et dans certaines conditions. 

Si les contrats relevant de ce régime général sont soumis à cotisations, ils n’intègrent pas toutes les cotisations salariales ou patronales en lien avec le régime spécifique de l’intermittence comme l’assurance chômage intermittent. 

Ainsi seuls les contrats relevant du régime de l’intermittence seront comptabilisés puisque salariés et employeurs cotisent au régime de l’intermittence.

L’intermittence pour l’artiste-interprète et les techniciens du spectacle

Il est tout à fait possible de cumuler à la fois des heures sous le statut de technicien et d’artiste afin d’accéder au statut de l’intermittence en ayant cumulé l’équivalent de 507 heures de travail sur 12 mois. A noter, les régimes d’indemnisation et les droits n’étant pas tout à fait les mêmes pour les techniciens et les artistes, France Travail vous affecte à l’un ou l’autre des statuts en fonction de si vous avez réalisé une majorité d’heures pour des professions relevant de l’un ou l’autre.

Pour en savoir plus sur le statut d’intermittent et sur le lancement de sa carrière d’interprète, découvrez notre programme “FOCUS” !