Savez-vous ce qu’est un PAR ? Une découpe ? Une platine de sol ? Emmanuelle Stäuble vous aide à déchiffrer certains de ces mots !

Vous êtes un jeune chorégraphe, vous travaillez sur votre premier spectacle, et vous êtes invité à présenter votre travail dans un festival. Comme vous êtes encore en process, la lumière n’est pas « faite », et vous n’avez pas encore travaillé avec un éclairagiste. Le régisseur du festival vous envoie son dossier technique et vous demande vos besoins.

Dans un premier temps, il faudra vous poser les bonnes questions :

• le visuel de ma pièce
• les directions de la lumière
• les couleurs
• le rapport au décor ou aux accessoires si vous en avez
• le rythme de la lumière

Les principales directions de lumières sont le contre-jour, la face et les latéraux. Ces directions « racontent » des histoires différentes au spectateur. Un contre-jour va mettre en valeur l’espace mais utilisé seul, les visages des danseurs seront dans l’obscurité ; une face va écraser l’image et effacer tout les reliefs ; un latéral va mettre en valeur le corps du danseur et si on positionne les projecteurs au sol – dans ce cas on les appelle des « rasants » – seul le danseur est éclairé, pas le sol, et la magie opère…

La création d’une image sera donc un choix esthétique de combinaisons de ces directions. Le dossier que vous avez reçu par le festival, comprend toutes les informations techniques du lieu d’accueil – l’emplacement des perches, le nombre de draperies, le son, les loges, etc. – mais surtout la liste du matériel lumière.

Comme ceci :

84 circuits au total dont :

• 60 X 3 kW
• 24 X 2 kW
• 1 Jeux d’orgue à mémoires AVAB Congo junior 2

Projecteurs :

• 22 PC 2 kW Juliat à lentilles peebles + volets
• 53 PC 1 kW Juliat à lentilles claires + 12 volets
• 11 Découpes Juliat 614 S (13/42°) (5 iris / 10 Portes gobos)
• 12 Découpes Juliat 613 SX (28/54°)
• 10 Découpes Juliat 714 SX2 (15/40°) + 6 iris
• 24 Cycliodes asymétriques 1 kW + volets
• 65 PAR 64 1kW (Lampes : 60 CP62 / 50 CP61 / 40CP60)
• 10 échelles pour projecteurs (H maxi 2.5m+3 tubes intermédiaires à hauteur modulable)
• 30 platines de sol
• Réglages : Nacelle Génie

Un PC (plano-convexe) à lentille claire ou à lentille peeble ne sera pas utilisé pour la même chose : le peeble est un PC équipé d’une lentille martelée qui donnera au faisceau un bord un peu flou. Pour un contre jour ce sera parfait, mais pour des rasants il est mieux de prendre des PC à lentilles claires.

Une découpe, comme son nom l’indique, est un projecteur avec lequel on peut « découper » la lumière, faire des lignes ou des carrés.

Les PAR sont les projecteurs les plus basiques mais néanmoins très intéressants à utiliser car ils ont la particularité d’avoir un faisceau non pas rond – comme tout les projecteurs – mais ovale. Ils sont parfaits pour des ambiances en latéral haut.

Tous ces choix seront l’identité visuelle de votre ballet. Si vous connaissez les différents processus de mise en place de la lumière, votre échange avec les régisseurs sera plus agréable, plus rapide et surtout vous emmènera plus loin dans votre création. C’est le but de la formation « Initiation à la lumière » : vous ne deviendrez pas éclairagiste, mais vous aurez les connaissances suffisantes pour vous exprimer et expliquer vos besoins techniques.

Pour ma part, je sais reconnaître une arabesque ou une attitude mais je suis incapable de danser… !

Pour approfondir vos connaissances, participez à la formation « Initiation à la lumière », du 19 au 21 Janvier 2025 !

Que ce soit pour un lancement, un événement ou encore l’annonce d’une actualité, la communication est un élément essentiel à ne pas négliger. Voici quelques conseils pour anticiper au mieux vos actions de communication.

Photo by Jason Rosewell on Unsplash

1. Définir vos objectifs de communication

Avant toute chose, posez-vous la question « Pourquoi je communique ? », et déterminer l’action que vous souhaitez voir accomplir. Quelques exemples : obtenir des likes sur votre page Instagram, faire découvrir votre site internet, faire acheter des places pour votre spectacle…

2. Définir vos cibles de communication

Ensuite, il vous faut cerner les personnes à qui vous allez vous adresser. Est-ce que vous communiquez auprès de votre plus proche communauté, ou bien est-ce qu’au contraire, vous allez chercher à toucher le plus grand nombre de personnes possible ?

3. Définir vos canaux de communication

Pour plus d’efficacité, il est préférable d’utiliser plusieurs canaux en simultané. Il vous faut donc les lister dans un premier temps, puis définir des priorités en fonction de ceux qui sont qui vont vous permettre d’atteindre vos cibles plus facilement.

4. Définir votre message

Que voulez-vous dire ? Quels sont les points-clés que vous souhaitez transmettre ? Choisissez des mots et des phrases simples. Utilisez des images comme supports visuels et jouez sur le ton de votre message.

5. Etablir un rétroplanning

En fonction de tous ces éléments, détaillez le rétroplanning de vos différentes actions, qui recense les canaux, les dates et les supports dont vous avez besoin. Attention, n’oubliez pas de prendre en compte le temps de production de tous ces supports !

Vous voulez en savoir plus sur l’élaboration de votre stratégie de communication ?

Participez à notre formation dédiée : Communiquer et diffuser son projet artistique

Nous avons le très grand plaisir de vous présenter la prochaine promotion du programme Manager de Projets Chorégraphiques et Artistiques. La 3ème promotion depuis le lancement du programme l’année dernière ! Le programme est composé de 6 porteurs de projets : 6 femmes, nourries de façon très diverse par la danse contemporaine, le jazz, les arts graphiques et plastiques, les claquettes, le théâtre… Nous sommes donc très heureux.ses de vous présenter : Soraya Bénac, Aurore d’Audiffret, Karima El Amrani, Julie Flogeac, Marion Fouquet et Eloïse Grastilleur. Nous les remercions infiniment de la confiance qu’elles nous font, et nous espérons que l’année à venir avec elles, sera plus clémente pour l’art, et pour notre bien-être à tous.

Soraya Bénac

Curieuse et ouverte, Soraya se forme à la danse jazz et au Tap Dance en France et à New-York. Elle n’a de cesse de se nourrir de formes artistiques éclectiques, trouve dans l’improvisation un leitmotiv vers de nouvelles inspirations. Actuellement formatrice (public pro et amateur), directrice artistique/chorégraphe de la compagnie Tempo Tiempo (création Tap Spirit) et co-créatrice des projets : Espace Invisible, création interactive visuelle et sonore, Parce que œuvre sur la notion d’enfermement.

Crédit photo : Alain Gillet

Aurore d’Audiffret

Aurore d’Audiffret est une danseuse basée entre Nantes et Stockholm. Sa recherche artistique s’articule principalement autour de l’improvisation sous de multiples formes. Elle est intéressée par le fait de créer des espaces faisant émerger un esprit de communauté et d’empathie dans ses créations, notamment grâce au potentiel du rituel et des danses sociales. Peu concernée par des formes prédéfinies du mouvement, Aurore cultive une danse sensitive et est intéressée par les notions de durabilité et d’écologie humaine dans le champ chorégraphique.

Crédit photo : Céline Gobillard

Karima El Amrani

Karima El Amrani a étudié la danse à Aurillac chez Vendetta Mathea puis au CNSMD de Paris. Elle a travaillé pour Hofesh Shechter, Clod Ensemble, Christoph Winkler, la Compagnie 7273, David Drouard, Damien Jalet, Thomas Lebrun et Myriam Gourfink. En 2018, elle crée la compagnie smitten, laboratoire aux multiples problématiques et désirs mouvementés. Album de chorégraphies (2020) en est la première création. En 2021, elle entame la co-création du duo Les figures de l’attention avec Anne-Sophie Lancelin.

Crédit photo : Aude Arago

Julie Flogeac

Julie Flogeac est une artiste française pluridisciplinaire de 30 ans. Issue d’un parcours dans les arts graphiques et plastiques, diplômée de Gobelins Paris, elle se forme parallèlement en danse. À partir de 2014, elle exerce son activité de graphiste en freelance à Los Angeles puis à Paris, où elle travaille pour des artistes (musiciens, maquilleurs, photographes) et mène une pratique intensive du Tango. Sa compagnie, P(E-A)NSER, mêle le travail chorégraphique à la recherche plastique et graphique, en accordant une place particulière à la lumière, aux couleurs, et à l’humain.

Crédit photo : Florence Studio Madam

Marion Fouquet

Marion découvre le monde de la danse dès son plus jeune âge. A l’âge de 18 ans, elle commence des études d’Arts du spectacle à l’Université de Caen. Elle terminera son cursus universitaire à l’Université de Strasbourg en 2020. Dès son arrivée à Strasbourg en septembre 2018, elle intègre rapidement le réseau théâtral et chorégraphique du Grand Est en travaillant avec de nombreuses structures culturelles et équipes artistiques. En juillet 2020, elle fonde la Compagnie Marino Vanna et devient administratrice pour diverses compagnies chorégraphiques.

Crédit photo : Lucie Bojarski

Eloïse Grastilleur

Sa musicalité et son approche du mouvement tout en rondeur font d’Eloïse une artiste versatile et pleine de surprises. Très vite, Eloïse a eu envie de partager sa passion et ses connaissances, et c’est en passant « derrière les coulisses » qu’elle aime faire vivre la Duck-Billed Company, sa compagnie co-fondée avec Grégoire Manhes en 2020. Elle travaille actuellement au sein de la compagnie thaïlandaise 18 Monkeys Dance Theatre, en tant qu’interprète.

Crédit photo : Tzuyin Chiu

Rencontre avec Vinicius Carvalho, de la promotion 2021 de l’incubateur.

Quel est ton univers chorégraphique ?

Je m’intéresse au croisement entre le théâtre et la danse, plus particulièrement au travail chorégraphique basé sur l’expressivité corporelle, le jeu sur scène, l’écoute et la précision du geste. Mon parcours commence par le théâtre, passant par le clown, par le mime et le théâtre-physique et, enfin, par la danse. Dans mes spectacles, j’aborde souvent des thèmes universels autour des relations ou de la condition humaine, comme l’attachement, la résilience, la liberté, la solitude, etc. La chorégraphie est créée en collaboration avec les interprètes, dans un processus d’écriture de plateau.
Dernièrement, les découvertes de la philosophie védique, de la méditation et du yoga sont venues enrichir mon univers chorégraphique à travers des pratiques douces sur la respiration et l’énergie.

Peux-tu nous dire quelques mots sur ta création en cours ?

Pour la création de mon spectacle plus récent Attachés, je me suis intéressé au dialogue entre le théâtre gestuel et la danse. Je ne suis pas parti d’un thème, d’une histoire, ou d’une musique, mais d’éléments de mouvement comme le rythme, l’articulation et le poids (qui font les éléments de base de la technique du mime corporel). Je cherchais un processus créatif qui partait d’un mouvement intuitif, d’une réponse physique immédiate aux consignes, où le sens du mouvement se révélait au fur et à mesure que le corps bougeait. Partant d’une série d’improvisations, nous sommes arrivés au thème du spectacle : l’attachement. De façon similaire, et inspirée de la technique des six viewpoints, ma nouvelle creation part d’un principe simple : « se positionner dans l’espace ». L’acte de « se positionner » crée la possibilité de la rencontre et du rapport à l’autre, soit en accord, soit en opposition. Cette action première et politique donne naissance à toutes autres actions qui s’ensuivent dans un dialogue dansé de cause et conséquence.

Pourquoi avoir rejoint l’incubateur de chorégraphes ?

Né au Brésil, j’ai déménagé en France il y a trois ans et je crée mes propres spectacles depuis cinq ans. En ce moment, j’ai besoin d’un accompagnement technique et spécialisé autour de la création et de la gestion de projets en France. L’incubateur signifie pour moi un espace sécurisé pour développer mes recherches. C’est aussi une plateforme de rencontre entre artistes de différentes disciplines ainsi que la possibilité de rencontrer un nouveau public et des professionnels du spectacle.

Comment financer un projet d’éducation artistique et culturelle sur trois années consécutives ? Nous avons posé la question à Orianne Vilmer, qui nous explique la genèse du projet Touche le ciel et les défis liés à son financement.

Photo : Emmanuelle Stäuble

Commençons par un retour en arrière… Comment a été lancé le projet ? Quelles étaient les ambitions et les premières pistes de financement ?

Tout a commencé en 2016, à la suite d’un échange avec le directeur de l’école élémentaire des Amandiers, le principal du collège Robert Doisneau, le directeur du conservatoire municipal du 20ème arrondissement et le Regard du Cygne. L’idée du parcours Danse y est née, et les rôles de chacun se sont dessinés peu à peu. Côté Fabrique de la Danse, nous avons pris connaissance des besoins de l’école élémentaire des Amandiers et des attentes de son directeur. C’était important pour nous de mettre en place une action pertinente et ambitieuse, quels que soient les moyens que nous avions à disposition. Nous nous sommes mobilisés assez rapidement pour rechercher des fonds, et avons réussi à obtenir le dispositif ‘Résidence artistique et territoriale” de la DRAC IdF et du Rectorat de Paris. Ce dispositif a pour ambition de “participer au développement de l’éducation artistique et culturelle, de construire une collaboration entre des professionnels des métiers artistiques et culturels, des équipes éducatives et des élèves, et d’approfondir les partenariats sur un territoire”. Ce dispositif était tout à fait adapté à notre histoire puisque nous développons des projets chorégraphiques au coeur des Amandiers depuis 2011. Cependant, le projet ayant l’ambition de toucher tous les élèves de l’école de manière quasiment hebdomadaire, ce premier financement ne permettait pas de financer l’ensemble des interventions artistiques et des sorties culturelles. Nous avons fait le tour de différentes fondations privées avons convaincu de premiers partenaires, touchés par l’histoire de ce partenariat, l’ambition du parcours danse, ou encore l’intégration des nouvelles technologies dans le parcours éducatif des élèves.

Quelles sont les spécificités du financement d’un projet comme Touche le Ciel ? Y a-t-il des challenges particuliers ?

Les différentes éditions de Touche le Ciel ont été soutenues par divers acteurs publics comme la mairie du 20ème arrondissement, le dispositif Politique de la Ville, la DRAC IdF, le Rectorat de Paris et le FDVA. Sur la dernière édition les financements publics représentent 15 % des sources de financements du projet, quand les financements privés en représentent plus de 60% : c’est une des spécificités du projet.
Autre particularité du projet : la nécessité de repartir en recherche de fonds tous les ans. En effet, la majorité des financements que nous avons obtenus sont attribués à une édition spécifique, donc à une année scolaire. Nous repartons quasiment de zéro tous les ans… La visibilité financière est donc très réduite et c’est le challenge principal ! Cette logique de financement au projet, très présente dans le champ culturel, ne facilite pas la réalisation d’initiatives dont l’impact est étroitement lié à la durée de réalisation. Ainsi, constituer une même équipe artistique qui va suivre les mêmes élèves sur plusieurs années sont des choix audacieux que nous défendons au quotidien. Le projet ne change pas chaque année, il se précise, il évolue dans ses objectifs, mais s’appuie toujours sur une même méthodologie, éprouvée depuis 3 ans, que chaque binôme chorégraphe-enseignant peut s’approprier et décliner. C’est la présence durable de l’équipe et les relations de confiance développées avec les enseignants, les élèves et les familles des élèves qui sont des facteurs clés du succès du projet.

Et pour la suite ?

Nous rêvons depuis deux ans à une duplication de Touche le ciel sur l’ensemble du territoire pour toucher toujours plus de jeunes, dans différents établissement scolaires partout en France. Notre méthodologie est tout à fait adaptée à ce type de développement et nous disposons aujourd’hui d’un réseau de 70 chorégraphes, dont une dizaine d’entre eux a directement été impliquée dans les premières éditions de Touche le ciel. Par ailleurs, nous réfléchissons actuellement à un nouvel usage de notre outil DanceNote qui permettrait de combiner du présentiel et du distanciel et donc de maximiser l’impact du projet en ayant une présence artistique presque permanente dans l’année scolaire. Un excellent levier dans ces rêves de duplication ! Mais la situation sanitaire actuelle et les réorientations des missions des fondations privées ne nous permettent pas encore de nous lancer dans ces nouveaux développements…

L’équipe de La Fabrique de la Danse remercie chaleureusement l’école élémentaire des Amandiers et le collège Robert Doisneau, toutes les équipes pédagogiques, et les partenaires du projet, Le Regard du Cygne, le conservatoire municipal du 20ème arrondissement, la compagnie Danse en Seine, ainsi que le réseau Fedora.
L’édition 2017 – 2018 a été réalisée avec le soutien de la DRAC Ile-de-France, du Rectorat de Paris, de la mairie du 20ème arrondissement, du Centre National de la Danse, de la Fondation d’entreprise AG2R LA MONDIALE et de la fondation Seligmann.
L’édition 2018 – 2019 a été réalisée grâce au soutien de la DRAC Ile- de-France, du Rectorat de Paris, de la mairie du 20ème arrondissement, de la Fondation de France, du fonds de dotation Autosphère, de la fondation AFNIC, de la fondation Orange et de la fondation Ronald McDonald.
L’édition 2019 – 2020 a été réalisée grâce au soutien du Fonds pour le Développement de la Vie Associative, de la mairie du 20ème arrondissement, de l’Agence Nationale de la Cohésion des Territoires, de la fondation AG2R – La Mondiale, de la Fondation AFNIC pour la solidarité numérique, de la Fondation de France, du fonds de dotation Autosphère, de la fondation d’entreprise FDJ, de la fondation Strego Oratio, de la fondation Ronald McDonald et de la fondation Orange.
L’édition 2020 – 2021 sera réalisée grâce au soutien de La Caisse des dépôts, la fondation d’entreprise Le Conservateur et la fondation Berger-Levrault.

Depuis 3 ans, Emmanuelle Stäuble suit le projet Touche le Ciel avec son appareil photo… Voici sa sélection de clichés !

La Fabrique de la Danse vient de lancer un tout nouveau cycle de formation en ligne “Explorer et manager la créativité”. Interview avec Valentine Malan et Emmanuelle Simon, qui ont conçu ce programme.

Pourquoi avoir créé ce nouveau format ?

V. M. : La créativité est encore une notion mystérieuse… Pourtant, c’est une alliée dans toutes les activités, et plus que jamais elle peut aider ! Pour cela, elle nécessite d’être explorée et travaillée pour pouvoir en faire un réel atout ! Ce nouveau format à distance, permet de continuer à développer les compétences comportementales et managériales des participants. Ils pourront ainsi développer leur créativité et l’insuffler dans toutes leurs activités, aussi bien professionnelle que personnelle. Le contexte actuel empêche pour l’instant de se réunir et de travailler ses compétences en présentiel, alors nous avons conçu ce nouveau cycle pour répondre aux besoins du moment ! La créativité, et les soft skills en général, sont les clés pour faire face à la crise actuelle sur le long terme et être agile face à l’incertitude de la situation.

Qu’est-ce que La Fabrique de la Danse peut apporter de plus sur ce sujet ?

E. S. : La Fabrique de la Danse apporte une double vision de la créativité : la créativité artistique et la créativité au service de son activité professionnelle (que ce soit pour les ingénieurs, les commerciaux, les graphistes, les administratifs…). C’est un sujet au coeur de notre savoir-faire : l’équipe possède une double expertise danse et entreprise, elle a créé un modèle économique innovant, mais aussi une méthodologie innovante par le mouvement. La mise en mouvement est un levier essentiel dans le processus créatif et un outil essentiel pour travailler en profondeur et développer ses soft skills.

Comment s’articule ce cycle ? Est-on obligé de le suivre en entier ?

V. M. : Le cycle peut être suivi dans son intégralité avec les 5 workshops complémentaires pour explorer et développer sa créativité individuelle et également comprendre les principes essentiels pour manager la créativité collective. En les suivant dans leur ensemble, cela permet une vision à 360° de ce thème, avec des angle de vue très différents et complémentaires ! Mais, pour plus de flexibilité, il est également possible de suivre un ou plusieurs workshops à la carte en fonction des thématiques que l’on souhaite creuser.

Les apprentissages sont-ils théoriques ou pratiques ?

E. S. : Ces workshops allient plusieurs éléments : un apprentissage théorique sur les notions clés pour comprendre ce qu’est la créativité, comment elle fonctionne et comment la développer ; des cas pratiques pour découvrir des méthodes et outils concrets pour développer la créativité et la manager ; des exercices par le mouvement pour explorer en profondeur la créativité et s’approprier des méthodes abordées.

Quelles sont les inspirations théoriques ?

V. M. : Les apprentissages sont issus des théories sur le management de la créativité, des dernières connaissances en neurosciences et leurs nombreuses expériences cognitives qui prouvent les bienfait de l’incubation par exemple ! La Fabrique de la Danse s’appuie sur les recherches neuroscientifiques récentes pour décrypter la notion de créativité et le rôle de la mise en mouvement dans son développement. Si les participants ressortent de ce cycle en étant convaincu que le champs des possibles de la créativité est immense, et qu’il n’y a plus qu’à progresser pour affûter un chemin vers la création individuelle et collective, on aura gagné notre pari !

A qui s’adresse ce cycle ?

E. S. : A tout le monde ! Les métiers dits créatifs, comme les graphistes, stylistes, créateurs, etc. tout autant que les médecins, les avocats, les chefs de projet, les chefs de produit, les directeurs marketing, les analystes… La liste est infinie ! Les artistes viendront pour comprendre les notions qui se cachent derrière leur instinct créatif et renforcer leurs méthodes pour développer la créativité. Les managers ont eux besoin de créativité dans leur fonction managériale et ils trouveront dans ce cycle des outils pour insuffler la créativité dans leurs équipes. On ne se rend pas toujours compte à quel point manager la créativité est un incontournable du Management aujourd’hui ! Et puis, ce cycle s’adresse aussi à tous ceux qui se sentent créatifs dans leur vie personnelle, mais qui ne savent pas quel rôle pourrait jouer la créativité dans leur quotidien professionnel, ou ceux qui doutent encore d’être créatif et qui seront surpris de voir que la créativité peut être accessible avec des méthodes et outils concrets !

Qui sont les intervenants ?

V. M. : Nous serons deux intervenantes : je suis moi-même responsable des programmes Leadership & Soft Skills à La Fabrique de la Danse. J’ai travaillé au sein de grands groupes dans les domaines de l’aéronautique, des cosmétiques et du Luxe avant de rejoindre l’aventure entrepreneuriale. Diplômée en Danse au Conservatoire National de Région de Toulouse, je suis également interprète et administratrice d’une compagnie de danse. La danse et la formation sont mes terrains de jeux de ma créativité ! Je serai accompagnée d’Emmanuelle, qui apporte ses compétences de pédagogue en entreprise et d’entrepreneuse. Formée en danse et diplômée de Centrale Supélec elle s’est d’abord spécialisée dans l’énergie avant de se lancer dans l’aventure La Fabrique de la Danse. Elle a ainsi mêlé les deux mondes qui lui sont chers, pour favoriser le partage de compétences, le développement des talents, où qu’ils soient pour permettre aux chorégraphes et aux managers d’innover, pour créer de la valeur pour le monde de demain.

Vous aussi, vous souhaitez développer votre propre créativité ? Participez au cycle « Explorer et manager la créativité » à partir du 3 juin !

Rencontre avec Jehane Hamm, de la promotion 2020 de l’incubateur.

Photo : Léa Sallustro

Quel est ton univers chorégraphique ?

Le travail de notre compagnie à Léa Sallustro (cinéaste et régisseuse générale de la cie) et à moi (chorégraphe et danseuse) s’articule autour de l’hybridation du mouvement et de l’image. En allant de la photo, au spectacle, jusqu’au film nous cherchons tous les possibles dialogues entre ces deux univers. Nous collaborons également avec une musicienne et compositrice Salomé Perli.

Peux-tu nous dire quelques mots sur ta création en cours ?

Echine est la deuxième création de la compagnie. Après La Ramée, spectacle de « cinéma vivant », qui a reçu le soutient de la Spedidam et un apport en coproduction du Théâtre Jules Julien de Toulouse, nous avons commencé l’écriture d’un nouveau projet, Echine, qui sera également un seul en scène accompagné d’une création vidéo de Léa Sallustro. J’ai voulu explorer à partir de l’échine des imaginaires et poétiques différentes.Pour cette nouvelle création, j’ai laissé la parole au dos, à l’arrière, à ce qui n’est pas toujours visible, à ce qui se cache aux tréfonds de notre essence et de notre moelle osseuse. Dans Echine se mêle différents voyages dans la structure osseuse de la colonne vertébrale.

Cette prise de parole de la colonne, fait naître une forme d’étrangeté et de déraison. L’échine évoque le dos, à la fois de l’être humain mais aussi de l’animal. Elle évoque aussi le labeur. Des allers-retours incessants dans différentes matières permettent au dos de prendre la parole. Une frénésie apparaît nécessaire dans l’écriture du projet pour permettre l’infusion d’une folie animale dans un corps humain, comme une incantation pour convoquer un corps libre.

Pourquoi avoir rejoint l’incubateur de chorégraphes ?

Pour rendre concret le travail que j’ai commencé toute seule. Pour avoir des réponses, pour ne plus être seule. Pour donner de la qualité à mon travail. Pour donner une forme réelle à mon envie de créer.

Pour vous accompagner pendant cette période de confinement, nous avons recensé quelques ressources peut-être utiles pour vous ! Des cours, des spectacles, des podcasts… A très vite, de la part de toute l’équipe de La Fabrique de la Danse.

Photo : Romain Sanchez

Notre sélection de cours en ligne

• L’entraînement régulier du danseur par Micadanses
• La barre inspiration technique Cunningham par Anna Chirescu, les mardi et vendredi à 10h
• Les cours de danse proposés par Dancefloor Paris

Notre sélection de podcasts sur la danse

• Le podcast Tous Danseurs
• Laurence Louppe, une pensée qui danse
• L’entre deux, le podcast d’Elsa Lyczko (promotion 2017 de l’incubateur de chorégraphes) ; en savoir plus dans son interview ici.

Notre sélection de spectacles à découvrir de votre canapé

• Le Lac des Cygnes, Opéra de Paris, jusqu’au 5 avril
• Giselle, Opéra de Paris, jusqu’au 5 août
• Les Indes Galantes, Opéra de Paris, jusqu’au 9 octobre
• MOLIÈRE ou la vie d’un honnête homme, Ariane Mnouchkine avec le Théâtre du Soleil
• Les spectacles et les workshops en ligne du Sadler’s Wells
• Clinamen, court-métrage d’Hugo Arcier pour la 3e Scène de l’Opéra de Paris (et chorégraphié par La Fabrique de la Danse)

Et puis aussi…

• Le fil d’information et de soutien au secteur chorégraphique par le CN D
• #GESTEZCHEZVOUS, une création participative de la Compagnie Hippocampe et du Théâtre Victor Hugo – Scène des Arts du Geste
• Les Radioguidages d’intérieur, par la Compagnie A Propos
• Le Journal de confinement de Wajdi Mouawad, directeur de La Colline
• Danser sa peine, le documentaire sur le projet d’Angelin Preljocaj en prison, jusqu’au 26 avril
• 12 biographies de danse indispensables, une sélection de Danse avec la Plume
• Le kiosque des acteurs culturels (La Lettre du Spectacle, La Scène, etc.) disponible gratuitement

Cet article sera mis à jour au fur et à mesure des initiatives que nous trouvons