Face à l’urgence écologique, de plus en plus de chorégraphes interrogent les récits qu’ils proposent au plateau, mais aussi leurs pratiques, leurs modes de production et leurs liens au vivant. Mais où trouver des espaces pour expérimenter, chercher et créer autrement ?

Voici 5 dispositifs de résidence qui soutiennent des projets artistiques en lien avec la transition écologique, et qui peuvent constituer de véritables leviers pour développer une démarche engagée.

Danseuse : Marie Simon, Photographe : Matthieu Joffre @ la Nuit des Forêts

Résidences Vertes – Ministère de la Culture & Fondation Carasso

C’est aujourd’hui l’un des dispositifs les plus structurants en France sur ces enjeux. Les Résidences Vertes accompagnent des artistes sur des formats longs (6 à 12 mois), en intégrant directement un regard écologique dans le processus de création. Vous êtes accompagné à la fois par un lieu d’accueil et par un professionnel de la transition écologique.

Le dispositif vous permet de travailler en profondeur sur vos pratiques (mobilité, scénographie, production…) et de faire évoluer concrètement votre manière de créer.Un financement pouvant aller jusqu’à 20 000 € est prévu pour soutenir la résidence.

Le POLAU – pôle arts & urbanisme à Tours

Le POLAU développe des résidences à la croisée de la création artistique, des territoires et des enjeux écologiques.

Les projets accueillis interrogent les usages, les paysages et les transformations sociales, souvent dans des formats in situ. La danse y trouve toute sa place, notamment lorsqu’elle dialogue avec un territoire ou un contexte spécifique.

Le dispositif permet de sortir du plateau pour penser des formes situées, en lien direct avec les espaces et les habitants.

Programme Nomades – Nos lieux communs

Ce dispositif propose un format particulièrement intéressant pour les compagnies de danse. Vous êtes accueilli en résidence dans plusieurs lieux du réseau (le 6b à Saint-Denis, la Friche la Belle de Mai à Marseille, le POLAU à Tours, la Villa Belleville à Paris ou encore la Halle Tropisme à Montpellier), avec une phase d’immersion puis de création, avant une diffusion dans le réseau. Les projets doivent être pensés pour des contextes spécifiques, souvent en extérieur ou dans des espaces non dédiés.

Le programme permet d’éco-concevoir concrètement un projet de création pensé sur un territoire, et de le diffuser. Le dispositif privilégie des formes légères et un situ, et inclut une coproduction d’environ 20 000 € et une tournée associée. 

La Maison Germaine Tillion, Plouhinec, Bretagne

La Maison Germaine Tillion propose différents dispositifs de résidence, avec un thème annuel, qui s’inscrivent dans une approche écologique à la fois dans les contenus et dans les pratiques. La maison soutient des projets ancrés dans leur territoire, en lien avec le vivant et les acteurs locaux, tout en favorisant des modes de création sobres (mobilité, matériaux, production) et des formats de recherche et de transmission.

L’écologie y est pensée comme une démarche globale, qui questionne autant les imaginaires artistiques que les façons de produire et de diffuser.

Le dispositif STARTS EC(H)O, programme de la commission européenne

Ces 5 dispositifs montrent une évolution profonde du secteur : la transition écologique ne se limite plus aux contenus des œuvres, mais traverse désormais les manières de produire, de diffuser et de collaborer.

S’engager dans ce type de résidence, c’est à la fois nourrir son écriture et questionner son modèle de compagnie.

Vous souhaitez aller plus loin dans votre réflexion écologique ? Nous avons lancé le programme «Éco-concevoir un projet artistique». Pensé comme un véritable levier de transformation, ce programme sur 6 jours a pour objectif de faire émerger de nouveaux modes de production et de diffusion responsables au sein du secteur chorégraphique. Il permet à chaque porteur de projet de développer une vision stratégique et une méthodologie d’action concrète immédiatement applicables dans son quotidien. 

Prochaine session du 23 au 25 novembre puis du 7 au 9 décembre 2026.

Aujourd’hui, développer un projet artistique implique de communiquer sur différents supports et d’adapter son discours à différents types d’interlocuteurs : programmateurs, partenaires, mécènes, une communauté de spectateurs… Cela permet de faire rayonner un projet, de le faire circuler, de le rendre visible. Pour les chorégraphes et les équipes des compagnies de danse, disposer d’outils simples et efficaces pour produire des supports visuels professionnels peut faire une vraie différence. C’est là que Canva s’impose comme un allié précieux.

Canva permet de produire rapidement des visuels pour les réseaux sociaux, d’harmoniser son identité graphique, de décliner une affiche en plusieurs formats ou encore de créer des bannières pour une newsletter de compagnie. Il est également très utile pour mettre en page un dossier artistique clair et élégant, facilement modifiable dès que le projet évolue. Cette souplesse évite de solliciter un·e graphiste pour chaque ajustement et permet de garder la main sur son document de diffusion au quotidien.

L’outil propose aussi un module de montage vidéo simple, suffisant pour assembler des extraits de répétition, créer un teaser court ou ajouter des titres à une captation. Il est possible de concevoir des affiches prêtes à imprimer avec un QR code intégré renvoyant directement vers une billetterie. Canva devient également pertinent pour réaliser des rapports d’impact soignés, utiles pour remercier des mécènes ou valoriser un projet auprès de partenaires financiers.

La version gratuite donne déjà accès à de nombreux modèles et fonctionnalités de base. La version payante, Canva Pro, coûte environ 12 euros par mois (ou environ 110 euros par an) et offre des options avancées : banque d’images premium, redimensionnement automatique des formats, kit de marque, suppression d’arrière-plan et outils d’intelligence artificielle. Cette IA permet notamment de générer des images, de suggérer des mises en page ou d’automatiser certaines tâches répétitives.

Sans remplacer le travail d’un graphiste pour une identité visuelle complète, Canva constitue un outil d’autonomie précieux. Pour un chorégraphe ou une compagnie, c’est un gain de temps, d’argent et de réactivité, au service d’une communication plus fluide et plus professionnelle.

Pour apprendre à utiliser les différents outils nécessaire à votre stratégie de communication participez à notre formation « Communiquer et diffuser son projet artistique » !

Comment calculer le prix de votre prochain spectacle ? Quelques bonnes pratiques à appliquer !

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Vous y êtes, un théâtre manifeste de l’intérêt pour programmer votre création. Vous devez désormais déterminer comment chiffrer ce que l’on appelle le prix de cession, à savoir le montant que le théâtre va payer à la compagnie pour diffuser votre création. Tout d’abord il est important de souligner qu’il n’existe pas un prix de cession unique et que chaque méthode de calcul est valide. Nous vous proposons ici une des méthodes possibles pour déterminer un tarif, il ne s’agit pas d’une règle absolue.

Pour calculer le prix de cession de votre spectacle, nous vous proposons donc de débuter par mettre à plat votre coût plateau. Le coût plateau qu’est-ce que c’est ? Il s’agit de la rémunération de l’ensemble des personnes nécessaires à la bonne réalisation du spectacle, couvrant donc les rémunérations du montage, des répétitions et de la représentation : danseurs, techniciens, metteur en scène, etc. Ici la rémunération = salaire brut + charges que la compagnie devra payer.

A l’ensemble des ces coûts viennent s’ajouter les coûts annexes liés au spectacle. Ici il s’agit notamment :

• Des enveloppes liées à la propriété intellectuelle, par exemple les droits d’auteur auprès de la SACD ou l’utilisation d’une musique auprès de la SACEM. A noter, ces frais sont, la plupart du temps, pris en charge par l’organisateur (le théâtre) dans le cadre d’un contrat de cession, ce qui n’est pas nécessairement le cas dans le cadre d’un contrat de co-réalisation. Pensez donc à vérifier avec votre interlocuteur ce qu’il en est. Notre conseil : essayez d’obtenir de leur part la réalisation des déclarations et du paiement, même si vous devez ensuite leur reverser votre part, cela allègera la gestion administrative sur ce sujet pour votre compagnie.
• Des frais de communication liés à cette diffusion : flyers, publicité sur les réseaux sociaux, etc.
• Le coût administratif lié à l’embauche des personnes nécessaires à la représentation, souvent calculé à partir du nombre de fiches de paie éditées pour la date.
• Une enveloppe permettant de prendre en charge les frais de coordination de la date (administration de production, diffusion).

Enfin la dernière étape, celle à ne pas oublier : appliquez une marge. Cette marge est communément comprise entre 15% et 30%. Cette marge sera l’élément à faire varier en fonction de plusieurs paramètres : durée du spectacle, lieu à qui se destine la cession du spectacle, etc. Il s’agit toutefois de ne pas la faire disparaître, cette enveloppe étant souvent ce qui permet aux compagnies de constituer un fond de roulement permettant notamment d’engager sereinement la prochaine création dans l’attente de ses financements.

Nous venons de déterminer ensemble combien coûte votre spectacle mais il peut vous arriver d’avoir à chiffrer d’autres éléments qu’il faudra penser à communiquer au théâtre si jamais vous êtes concernés. Nous vous conseillons de les présenter à part de l’enveloppe du prix de cession afin de détailler en toute transparence le coût réel de la venue de votre compagnie dans le théâtre. Voici deux exemples :

• Les frais de tournée : En effet, en tant qu’employeur la compagnie a l’obligation de prendre en charge les repas, le transport et le logement de son équipe artistique et technique présente dès lors qu’il y a un déplacement collectif en dehors du lieu de résidence, c’est ce que l’on appelle la tournée. Pour les chiffrer vous pouvez vous référer aux montants minimums mentionnés dans la convention collective dont la compagnie dépend.
• Les frais de rémunération liées aux ateliers ou actions de médiations que la compagnie anime le cas échéant dans le cas de son contrat avec le théâtre. Ici il suffit par exemple de chiffrer le salaire brut + les charges des personnes engagées dans ces activités.

Pour en savoir plus sur les techniques pour vendre un spectacle, participez à notre formation « Communiquer et diffuser son projet artistique » !

Le 27 novembre dernier, La Fabrique de la Danse accueillait Isabelle Ricquier, conseillère en assurance au sein du Pôle Associations & Collectivités de la MAIF, pour répondre aux questions des chorégraphes réunis pour le « Café Chorégraphes » traitant de l’assurance des compagnies qui s’est tenu au MAIF Social Club. Lucie Mariotto, directrice du développement à La Fabrique de La Danse, était présente et vous propose un memo des points d’attention à porter lors de la souscription de l’assurance pour votre compagnie.

Photo : Italiano sur Stockio

1. Type de contrat : attention aux trous dans la raquette !

Il existe 2 types de contrat en assurance. Le contrat à « Périls dénommés » et le contrat « tout sauf » ou plus communément appelé le contrat multirisques. Dans le premier cas, il s’agit d’être assuré pour une liste établie de risques, seuls les risques écrits au contrat sont pris en charge dans le cadre d’un sinistre. Ce contrat sera particulièrement pertinent pour couvrir des activités aux risques importants et réguliers. Dans le deuxième cas, comme son nom l’indique, il s’agit d’un contrat couvrant tous les risques sauf ceux exclus du contrat, souvent décrits dans les conditions générales. Ce contrat est souvent plus facile à lire et plus confortable si vous souhaitez assurer une structure. Si la compagnie d’assurance auprès de laquelle vous souhaitez souscrire votre contrat vous propose un contrat à « Périls dénommés » alors nous vous conseillons d’être particulièrement attentif lors du montage du contrat. Il vous faudra bien faire attention au sens des mots utilisés et à la définition qu’en fait votre assureur dans ce contrat. Mais il nécessite aussi que vous connaissiez bien les risques encourus par votre activité pour pouvoir les lister de manière exhaustive à votre assureur et ainsi établir un contrat qui puisse couvrir l’intégralité de ces risques.

2. La notion de tiers

Dans un contrat d’assurance le tiers est celui qui a subi le dommage dont l’assuré (ici l’association) est responsable. Mais que se passe-t-il si au cours d’un atelier de danse l’un des enfants avec qui vous travaillez blesse un autre enfant ? Pour que l’assurance de l’association puisse prendre en charge en responsabilité civile cet accident survenu pendant une activité de l’association il faut au préalable s’assurer que dans le contrat d’assurance les participants soient considérés comme « tiers entre eux ». De manière générale, bien penser à vérifier la définition de Tiers dans le contrat d’assurance, qui sont les tiers couverts par le contrat. Cette définition intervient a priori dans la rubrique de responsabilité civile.

3. La responsabilité civile, une obligation pour une compagnie

L’objet du contrat d’assurance est de couvrir une structure en cas d’accident. La définition d’un accident est la suivante « événement soudain, involontaire, imprévisible et ayant une cause extérieure ». Ces conditions sont cumulatives, l’accident doit donc répondre aux 3 conditions pour pouvoir être pris en charge dans le cadre d’un contrat d’assurance. Dans le cadre d’une association, l’accident couvert par le contrat d’assurance peut avoir été provoqué par la structure, un de ses dirigeants ou ses bénéficiaires. Le contrat d’assurance obligatoire pour la compagnie structurée en association va être la « responsabilité civile ». L’objet de la responsabilité civile est de réparer le dommage causé par l’assuré dans le cadre d’un accident, qu’il soit financier ou physique. Il existe plusieurs types de responsabilités civiles, par exemple la responsabilité civile locative (obligatoire si l’association loue des espaces), la responsabilité civile employeur, la responsabilité civile d’organisateur de spectacle… La liste des responsabilités civiles couvertes par le contrat d’assurance choisi est mentionnée dans le contrat. Il est plus que conseillé de bien prendre connaissance de cette liste pour connaître les responsabilités couvertes par le contrat d’assurance.

4. Les garanties conseillées pour une compagnie

En dehors de la responsabilité civile obligatoire il est conseillé pour une structure de souscrire à d’autres garanties pouvant couvrir les activités et les biens de l’association. Par exemples :
>> La garantie dommages aux biens de l’association : L’association peut être propriétaire de biens immobiliers ou de matériels. Dans le cadre des activités le matériel peut être cassé ou volé. La garantie dommages aux biens matériels protège les biens qui sont utilisés par l’association dans le cadre de ses activités.
>> L’individuelle accident : l’individuelle accident est une garantie supplémentaire pour une personne qui se blesse toute seule dans le cadre des activités de l’association.
>> La garantie dommages aux biens des participants : Il s’agit par exemple de couvrir les effets personnels des artistes qui pourraient être volés dans un vestiaire ou une loge.
>> La garantie annulation spectacle : permet de se faire rembourser les frais engagés dans l’organisation du spectacle si celui-ci venait à être annulé. Les conditions d’annulation permettant le remboursement sera définit au contrat de l’annulation souscrit par l’association.
>> La garantie perte d’exploitation : Il s’agit de couvrir la compensation financière due à l’arrêt des activités de la structure par exemple suite à un dégât des eaux dans une salle de spectacle que l’on exploite. Alors l’assuré perçoit une indemnité pour couvrir la perte de revenus pendant la période d’inexploitation de la salle.
Cette liste de garanties est non exhaustive. Les garanties à mettre au contrat seront proposées par votre assureur suite à un échange sur les activités de la structure en amont de la souscription du contrat d’assurance.

5. Appeler son assureur : un automatisme à prendre

La couverture du contrat d’assurance doit prendre en compte toutes les formes d’activités de la compagnie sans oublier les ateliers donnés, les manifestations exceptionnelles, les trajets, etc. Au fil du temps il peut y avoir des changements dans les activités de votre compagnie et il est donc nécessaire de penser à faire un point avec son assureur pour vérifier que les activités de la compagnie sont bien couvertes. Ce point peut être fait une fois par an, au moment par exemple de la réception de l’avis d’échéance de son contrat d’assurance.
Enfin, si vous avez une question ou un doute sur votre assurance par rapport à une activité exceptionnelle que vous organisez (tournage avec matériel prêté, etc.) n’hésitez pas à appeler votre assureur en amont pour signaler cet événement et éventuellement adapter un avenant pour pouvoir couvrir cette activité.

Vous manquez de ressources nécessaires sur les aspects administratifs et financiers pour assurer votre compagnie ? Participez à notre formation «Financer son projet artistique» !

La Fabrique de la Danse a analysé pour vous 4 outils en ligne vous permettant d’envoyer des emails afin de vous guider dans le choix à faire pour votre compagnie. Gratuité, limitation, options, vous saurez tout et n’aurez plus qu’à choisir. Dès lors que vous avez à envoyer des emails à un certains nombres de personnes, que vous souhaitez qu’ils soient esthétiques et que vous puissiez suivre la performance de vos envois, il est conseillé d’utiliser des outils dédiés à l’envoi d’emails. Nous avons choisi de vous présenter 4 outils, disponibles en ligne et pour la majorité d’entre eux gratuits, qui vous permettront de réaliser ces envois professionnels en toute simplicité.

Photo by Jon Tyson on Unsplash

MailChimp

MailChimp est souvent cité comme LA référence en terme d’outil d’envoi d’email, et c’est pour de bonnes raisons. Tout comme les autres outils cités dans l’article, MailChimp permet de créer vos newsletters et emails professionnels à l’aide de modèles de mails, de programmer et d’automatiser vos envois, de suivre les statistiques d’envois, de clics et d’ouvertures de vos emails et également de regrouper et gérer vos contacts par groupes. L’outil est facile à prendre en main et très intuitif.

Et en terme de tarification ? En plus d’être un outil complet et facile d’utilisation, MailChimp est gratuit ; l’outil se différencie des autres plateformes car la version gratuite ne limite pas le nombre de mails envoyés par jour. Attention toutefois, car l’accès gratuit à la plateforme est limité à 500 contacts et le prix qui augmente vite avec la taille de liste. Ainsi, si vous prévoyez dans les prochaines années de dépasser ce quota de contacts, réfléchissez bien à la plateforme que vous allez choisir au départ. Ce tarif est déterminé en fonction du nombre de contacts que vous atteignez.

• En synthèse : Mailchimp est l’outil utilisé par un grand nombre de petites structures et c’est pour une bonne raison. Son utilisation est simple, l’outil est complet et l’accès gratuit à la plateforme convient très bien aux besoins des petites structures. A vous de voir ce qu’il en est !

Brevo

Brevo est un outil développé par une équipe française. Il est souvent cité comme alternative à MailChimp pour les personnes mal à l’aise avec l’anglais, et est également facile à prendre en main. En terme de fonctionnalités, l’outil propose les mêmes options que MailChimp et la plateforme bénéficie d’une bonne réputation en terme de taux de délivrabilité (le fait que le mail n’arrive pas dans les spams de votre correspondant). Il vous offre jusqu’à 300 mails par jours avec contacts illimités, une tarification basée sur le volume d’emails plutôt que le nombre de contacts (très pratique pour listes grandes mais peu actives). En bref, ce CRM est idéal pour une compagnie qui envoie régulièrement des newsletters à une base de contacts grandissante sans exploser le budget.

MailerLite

MailerLite est un outil d’emailing particulièrement adapté aux compagnies artistiques qui recherchent une solution facile à prendre en main. Son éditeur en glisser-déposer permet de créer des newsletters esthétiques sans compétences techniques, et il propose les fonctions essentielles : automatisations simples, segmentation, formulaires d’inscription et pages d’atterrissage. Le plan gratuit couvre jusqu’à environ 1 000 contacts, ce qui convient bien pour démarrer, tandis que les abonnements payants restent abordables. Une solution idéale pour communiquer régulièrement avec son public sans complexité.

HubSpot

HubSpot combine un outil d’email marketing avec un CRM intégré, ce qui permet de centraliser la gestion des contacts (public, partenaires, prospects) et les campagnes emails. L’éditeur est intuitif et les statistiques détaillées, mais l’intérêt principal réside dans la possibilité de relier emails, formulaires et suivi des relations au même endroit. Le plan gratuit suffit pour des besoins basiques, tandis que les fonctionnalités d’automatisation avancées se trouvent dans les offres payantes. Pertinent pour les structures qui souhaitent structurer leur communication sur le long terme, mais le prix augmente vite avec les fonctionnalités supplémentaires !

Besoin d’aide sur la prospection ? Participez à notre formation « Communiquer & Diffuser votre projet artistique » !

Vous avez bientôt une représentation prévue pour votre spectacle ? Voici quelques premiers conseils pour bien préparer son travail avec les régisseurs.

Photo by Paul Green on Unsplash

Connaître la salle

D’abord il faut déterminer les caractéristiques de la salle :

• les dimensions de la scène : quelle est l’espace occupable/visible ?
• la jauge : combien de personnes peuvent être accueillies dans le public ?
• les possibilités techniques : lumières, son, vidéo, etc.

Si vous en avez la possibilité, n’hésitez pas à visiter la salle en amont et à vérifier si le grill lumière à disposition est bien adapté à vos besoins et à rencontrer les équipes techniques.

Etablir et transmettre vos intentions

En amont de toute répétition avec les techniciens ou régisseurs, il vous faudra penser à produire et à envoyer :

• le plan feu
• la conduite son
• la liste des besoins scénographiques

Cela permettra aux régisseurs de s’organiser et de lever des points d’alerte pour ne pas vous retrouver face à un imprévu le jour J ! Réalisez également une feuille de route pour l’équipe technique et une pour l’équipe artistique à bien transmettre à chaque personne en oubliant pas de bien communiquer aux régisseurs les dates, horaires et lieux auxquels ils sont attendus, à imprimer en plusieurs exemplaires ! N’hésitez pas à y ajouter les coordonnées des personnes à joindre en cas de besoin.

Même si vous n’êtes pas au clair sur vos tops sons ou lumières, imprimez plusieurs exemplaires de “préconduite” qui pourront servir de support au régisseur.

Répéter votre déroulé

Si vous en avez la possibilité, demandez un temps juste avant la représentation (sinon plus tôt en amont, lors de votre visite de la salle par exemple) pour répéter votre travail technique et être au clair sur le planning de temps plateau avec les régisseurs. Cela permettra aux régisseurs de mieux caler leurs tops son et lumière et de bien connaître votre spectacle. N’hésitez pas à insister sur les points où vous auriez pu avoir des incompréhensions sur de précédents spectacles.

Vous préparer votre première ? Participez à notre formation « Initiation à la lumière » !

Savez-vous ce qu’est un PAR ? Une découpe ? Une platine de sol ? Emmanuelle Stäuble vous aide à déchiffrer certains de ces mots !

Vous êtes un jeune chorégraphe, vous travaillez sur votre premier spectacle, et vous êtes invité à présenter votre travail dans un festival. Comme vous êtes encore en process, la lumière n’est pas « faite », et vous n’avez pas encore travaillé avec un éclairagiste. Le régisseur du festival vous envoie son dossier technique et vous demande vos besoins.

Dans un premier temps, il faudra vous poser les bonnes questions :

• le visuel de ma pièce
• les directions de la lumière
• les couleurs
• le rapport au décor ou aux accessoires si vous en avez
• le rythme de la lumière

Les principales directions de lumières sont le contre-jour, la face et les latéraux. Ces directions « racontent » des histoires différentes au spectateur. Un contre-jour va mettre en valeur l’espace mais utilisé seul, les visages des danseurs seront dans l’obscurité ; une face va écraser l’image et effacer tout les reliefs ; un latéral va mettre en valeur le corps du danseur et si on positionne les projecteurs au sol – dans ce cas on les appelle des « rasants » – seul le danseur est éclairé, pas le sol, et la magie opère…

La création d’une image sera donc un choix esthétique de combinaisons de ces directions. Le dossier que vous avez reçu par le festival, comprend toutes les informations techniques du lieu d’accueil – l’emplacement des perches, le nombre de draperies, le son, les loges, etc. – mais surtout la liste du matériel lumière.

Comme ceci :

84 circuits au total dont :

• 60 X 3 kW
• 24 X 2 kW
• 1 Jeux d’orgue à mémoires AVAB Congo junior 2

Projecteurs :

• 22 PC 2 kW Juliat à lentilles peebles + volets
• 53 PC 1 kW Juliat à lentilles claires + 12 volets
• 11 Découpes Juliat 614 S (13/42°) (5 iris / 10 Portes gobos)
• 12 Découpes Juliat 613 SX (28/54°)
• 10 Découpes Juliat 714 SX2 (15/40°) + 6 iris
• 24 Cycliodes asymétriques 1 kW + volets
• 65 PAR 64 1kW (Lampes : 60 CP62 / 50 CP61 / 40CP60)
• 10 échelles pour projecteurs (H maxi 2.5m+3 tubes intermédiaires à hauteur modulable)
• 30 platines de sol
• Réglages : Nacelle Génie

Un PC (plano-convexe) à lentille claire ou à lentille peeble ne sera pas utilisé pour la même chose : le peeble est un PC équipé d’une lentille martelée qui donnera au faisceau un bord un peu flou. Pour un contre jour ce sera parfait, mais pour des rasants il est mieux de prendre des PC à lentilles claires.

Une découpe, comme son nom l’indique, est un projecteur avec lequel on peut « découper » la lumière, faire des lignes ou des carrés.

Les PAR sont les projecteurs les plus basiques mais néanmoins très intéressants à utiliser car ils ont la particularité d’avoir un faisceau non pas rond – comme tout les projecteurs – mais ovale. Ils sont parfaits pour des ambiances en latéral haut.

Tous ces choix seront l’identité visuelle de votre ballet. Si vous connaissez les différents processus de mise en place de la lumière, votre échange avec les régisseurs sera plus agréable, plus rapide et surtout vous emmènera plus loin dans votre création. C’est le but de la formation « Initiation à la lumière » : vous ne deviendrez pas éclairagiste, mais vous aurez les connaissances suffisantes pour vous exprimer et expliquer vos besoins techniques.

Pour ma part, je sais reconnaître une arabesque ou une attitude mais je suis incapable de danser… !

Pour approfondir vos connaissances, participez à la formation « Initiation à la lumière », du 19 au 21 Janvier 2025 !

Lever des fonds ! Une étape incontournable et souvent redoutée pour réaliser un projet. Voici trois conseils pratiques pour mieux s’organiser.

Artiste : Valentina Cortese

Fixez vos objectifs de recherche de fonds et déclinez les en résultats clés

Par exemple, se fixer un objectif de Lever 50 000€ sur le trimestre et fixer comme résultats-clés d’Obtenir 20 k€ de subventions publiques, Collecter 10k€ de mécénat participatif et Signer 20k€ de mécénat financier

Identifiez des indicateurs opérationnels pour s’assurer que les moyens consacrés à la recherche de fonds sont en lien avec les objectifs

Parmi les exemples d’indicateurs : le nombre de RDV mensuels, le nombre de dossiers de financement réalisés ou encore le montant total des financements demandés.

Recensez et analysez les raisons des refus de financements pour réorienter vos recherches

Voici quelques exemples de typologies de refus :

• Ancrage territorial
• Bénéficiaires
• Nature des dépenses
• Taille du projet
• Impact difficile à évaluer

Pour en savoir sur comment maximiser vos chances de lever des fonds, participez à notre formation « Financer son projet artistique » !

Vous travaillez sur votre prochaine création chorégraphique, et au moment de vous lancer dans la réalisation du budget vous vous demandez : quelles sont donc les aides existantes ? Focus sur les dispositifs incontournables.

Aides publiques 

Aides du Ministère de la Culture via les DRAC (directions régionales)

Dispositif phare pour la création chorégraphique, l’aide au projet de création prend la forme d’un soutien ponctuel (à partir de 10 000 €) pour financer une nouvelle création. Les dossiers doivent être déposés auprès de la DRAC de votre région, avec une date de rendu souvent fin automne pour l’année suivante. 

Les conditions sont : 

• 5000€ de coproduction minimum
• 3 dates de représentations pour une première demande, 4 ensuite.

Aides locales et régionales

Plusieurs collectivités (Conseils régionaux, départements et communes) proposent des appels à projets ou subventions pour la diffusion et la création. Par exemple, en Île‑de‑France, le dispositif FoRTE porté par la Région peut aller jusqu’à 50 000 €, couvrant 80 % des dépenses admissibles pour des artistes de 18 à 30 ans. Également en Île de France, la Région attribue une aide à la création pouvant aller jusqu’à 40.000 euros et plafonnée à 40% du budget. Il est nécessaire d’avoir 4 représentations dont 2 en Ile-de-France et 2 coproducteurs dont 1 en Île de France pour être éligible à cette aide.

À noter que les aides municipales sont la plupart du temps plutôt des aides au fonctionnement apportées à la structure (association) au titre des actions menées sur le territoire. 

Aides privées 

Fonds de dotation Haplotès 

L’aide du fonds Haplotès est destinée à soutenir la création, la production et la diffusion d’une oeuvre portée par des compagnies en sortie d’émergence. L’aide est destinée aux projets non encore diffusés au moment du dépôt de candidature, mais prévus à être présentés au public en une à deux saisons. Les projets doivent déjà avoir des premiers financements publics ou privés. Il se destine à des équipes ayant déjà réalisé au moins 3 spectacles, dont 2 présentés au public au cours des trois dernières années .  

• Plus d’infos ici 

SPEDIDAM

Les aides de la SPEDIDAM sont destinées à favoriser l’emploi d’artistes interprètes de la musique, de la danse et du théâtre par un apport financier complémentaire pour boucler un budget de création (et non l’amorcer).

La demande d’aide doit porter sur des dates postérieures à la commission d’agrément (répétitions incluses) sur une période maximum de 6 mois et doit concerner au moins 4 dates de représentation.

• Plus d’infos ici

ADAMI

L’ADAMI, organisme de gestion des droits des artistes-interprètes, propose une aide automatique aux structures qui emploient des artistes-interprètes (associations, SARL, EURL titulaires d’une licence spectacle) pour la création ou la diffusion d’un spectacle de danse. Elle couvre 40 % des salaires bruts des artistes, plafonnés à 150 € par service, 300 € par cachet, ou 3000 € mensualisés, avec un plafond de 20 000 € par projet . 

Parmi les conditions : au moins 3 artistes-interprètes rémunérés sur scène à chaque représentation, un minimum de 6 représentations sur 9 mois, et 38 services de répétitions obligatoires avant la première représentation pour les créations.

• Plus d’infos ici

Bourse Beaumarchais SACD 

L’Association Beaumarchais‑SACD propose une bourse d’écriture “Danse” destinée aux chorégraphes émergents — ceux n’ayant pas plus d’une œuvre déjà produite professionnellement — pour les accompagner dans l’écriture de leur projet chorégraphique original. 

• Plus d’infos ici 

Besoin d’aide sur le financement de votre projet artistique ?

Participez à notre formation « Financer son projet artistique » !