Biographie

Joséphine commence par fuir la danse avant d’y revenir par un besoin vital. Elle danse depuis toujours : un duo à 4 ans, puis un solo à 20 sur la rupture, la réappropriation. Elle passe un baccalauréat Arts-plastiques tout en étant en horaires aménagés gymnastique puis danse (AID, conservatoires). Elle poursuit ses etudes en Art du Spectacle théâtre et danse à l’université Paris-8 et aux Rencontres Internationales de Danse Contemporaine. Elle obtient ensuite le Certificat « Danse et Pratiques Chorégraphiques » délivré par Charleroi Danse, la Cambre l’INSAS et l’ULB à Bruxelles tout en suivant la formation de l' »incubateur de chorégraphes » de La Fabrique de la Danse. Elle multiplie les expériences avec les danses d’époque, le kalarippayatt et en dansant sans interruption en boite de nuit. Elle apprend aussi beaucoup auprès des chorégraphes qu’elle rencontre : Christine Bastin, Christine Gérard, Marco Berrettini, Mark Tompkins, Olga de Soto, Xavier Leroy… Actuellement, elle est interprète et performe dans Corbeaux de Bouchra Ouizguen et Hors Cadre de Claire Gerald.
Elle commence la mise en scène et la chorégraphie en répondant à des commandes et en collaboration avec des artistes, des comédiens et des musiciens. Elle cherche, croise, improvise avec des publics dans le cadre d’un CLEA, d’une résidence d’artiste et avec le programme 10 mois d’école. En 2019, elle fonde la structure vibrisses pour y développer ses projets. Son travail est à la lisière entre la performance et l’écriture chorégraphique. Il s’articule autour d’une recherche sur le mouvement avec des interprètes qui viennent de différentes disciplines artistiques. « A partir d’une matière-corps ou d’un lexique spécifique, je cherche à créer une fiction autour d’un sujet de société ». Elle crée Rosalie et est aujourd’hui en train de mettre en place son deuxième volet, Evila.

Création en cours

Rosalie est une pièce qui interroge nos rapports aux normes et critères esthétiques à travers deux corps féminins. Dans une fiction, relative à des questions sociales et culturelles, elles vont s’approprier, étirer des codes de séduction par le biais des danses d’hier et d’aujourd’hui. « Et les damoiselles avec une contenance humble, les yeulx baissez, regardant quelquesfois les assistans avec une pudeur virginale »
Orchesographie, Thoineau Arbeau
Dans un temps cyclique, entre relâchement et contraction du bassin, ces femmes grimaçantes proposent une superposition de mouvements. « J’apparaissais nue mais je dénonçais la gestuelle stéréotypée de la séduction féminine tels les déhanchements, la bouche en avant, les jeux avec les cheveux. Je créais des attitudes rebelles, inventives, expressives » Paris Match, Orlan

Biographie

Kadek a été formée depuis l’enfance aux danses indonésiennes (styles de Java-Bali- Sumatra). Elle est diplômée de l’institut des arts de Surakarta en Indonésie, où elle obtient un master en danse (spécialisation chorégraphie) en 2003.
En 2006, elle réalise la chorégraphie du rôle de Sinta pour le film-musical Opera Jawa (réalisation Garin Nugroho, production Peter Sellars), présenté à Vienne pour les 250 ans de l’anniversaire de la naissance de Wolfgang Amadeus Mozart. Remarquée par le directeur artistique Lin Hwai-Min, elle a suivi une formation professionnelle d’un mois au Cloud Gate Dance Theater de Taiwan en 2007. Elle a été invitée à plusieurs reprises dans le cadre de Asian young choregrapher à Singapour et Taiwan pour présenter ses chorégraphies.
Installée à Paris depuis 2009, ses chorégraphies ont été représentées dans divers festivals. Étant une des rares danseuses balinaise résidant à Paris et la seule dépositaire de la danse classique javanaise, Kadek est régulièrement sollicitée pour enseigner à la Philharmonie de Paris, à l’université de Paris 10 et via l’association Pantcha Indra. En 2017, elle est reçue comme stagiaire chorégraphe au programme prototype V, dirigé par Hervé Robbe à l’Abbaye de Royaumont.

Création en cours Panji’s uchrony est une recherche chorégraphique inspirée par la tradition orale et la littérature de Java et de Bali autour du mythe de Panji dans un contexte d’expression de danse contemporaine. Le travail chorégraphique interprète ce que cette histoire nous dit du corps et de notre relation à cette idée de corps physique. Le mythe de Panji est une épopée hindoue écrite aux environs du XIIIème siècle. Elle raconte de nombreuses aventures pouvant être lues à plusieurs niveaux : de la simple histoire narrative à une lecture spirituelle ou philosophique. Parmi les multiples histoires narrées dans le mythe, le projet Panji’s uchrony se concentre autour de trois personnages. La notion de personnages possède ici une définition différente de celle que nous connaissons habituellement : les personnages peuvent se métamorphoser, changer d’aspect, changer de sexe et même se métamorphoser en animal. Le personnage est davantage un caractère archétypal, comme un sol stable sur lequel peut venir se déposer des aspects et des formes variées. Le corps est un concept fluctuant. C’est ce que souhaite raconter ce projet : la fluctuation des corps en quête de stabilité.

Biographie

Louis Barreau est chorégraphe, danseur et musicien. Formé au conservatoire de la Roche-sur-Yon en musique, en théâtre et en danse classique et contemporaine, il poursuit ses études au Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance à Londres, où il obtient le prix d’excellence en composition chorégraphique (Simone Michelle Award for Outstanding Choreography Achievement), se spécialise en techniques classique, release, Graham, Cunningham et contact improvisation, et se forme aux choreological studies.
Dès sa sortie de l’école Laban en 2014, il crée à Nantes la compagnie danse louis barreau. Il entreprend conjointement un Master de recherche en danse à l’Université Paris 8 qu’il obtient deux années plus tard. Après un premier solo pour la compagnie, BOLERO BOLERO BOLERO pour 1 performeur (création avril 2016 au studio Le regard du Cygne), il poursuit et développe ses recherches chorégraphiques autour de la répétition et de la variation avec la construction d’un trio, BOLERO BOLERO BOLERO pour 3 performeurs (création novembre 2016 à L’étoile du nord – scène conventionnée danse de Paris).
À la suite de ces deux premières créations, la compagnie inaugure en 2017 le troisième volet du triptyque sur la répétition et la déclinaison, avec le projet KLISIS KLISEIS (création 23 septembre 2017 à micadanses).
Louis Barreau continue aujourd’hui de centrer ses réflexions et démarches artistiques autour de questions sur la composition chorégraphique, en mêlant dans son travail théorie et pratique. La précision, la présence et la transformation du corps dansant, dans sa musicalité, dans son rapport à l’espace et à l’autre sont au cœur de ses recherches actuelles.

Création en cours

« La relation entre la danse et la musique fonde l’existence de MONTAGNE DORÉE. Les Variations Goldberg (composées par J.S. Bach à la fin de sa vie en 1741) constituent un chef-d’oeuvre de l’histoire de l’art et de l’humanité que j’ai tenté d’analyser et de comprendre, avec lequel je me suis mis en dialogue. Les Variations, en dépit de leur complexité, ont surtout été pour moi une très riche source de créativité, de soutien et de clarté. Elles sont à mes yeux universelles, car elles s’adressent à tous les êtres.
Au fil des 30 variations, introduites et conclues par la même Aria, les deux danseurs restent toujours à l’unisson. À l’heure où tout nous pousse à être coupés de notre lien à nous-même et à autrui, la pièce invite les danseurs à être et à rester ensemble à deux, mais surtout à trois, avec le pianiste, ou encore à plusieurs – danseurs, pianiste et spectateurs -, portés par la danse et la musique qui nous relient les uns aux autres.
Dans la pièce, il n’y a ni montagne ni dorures, il y a trois corps qui avancent ensemble comme dans une longue marche vers le haut, rythmée par 30 danses à la fois singulières et reliées les unes aux autres. Au fil de la pièce, la traversée se transforme en une performance, performance du corps et de l’esprit, une ascension à trois vers des liens à chaque instant plus précis, plus attentifs, plus conscients. Les Variations sont la montagne qu’il faut arpenter pour se rapprocher, peut-être, de ce qu’il y a de lumineux et de doré dans la relation.
MONTAGNE DORÉE pourrait être pensée comme une pièce contemplative, un paysage de gestes, de musicalités, d’espaces et de présences. On peut la regarder comme on regarderait un paysage en restant assis longtemps sur une chaise. Ce paysage de formes et de qualités – peut-être un océan, un lever ou un coucher du soleil, une forêt ou un désert – ne change pas en tant que tel : il demeure identique, et pourtant, il ne cesse d’être transformé par la diversité des éléments qui le traverse. C’est cette conscience du changement permanent dans ce qui semble identique qui nous permet de gravir la montagne et de glisser lentement vers d’avantage de bonheur de nos vies. »

Biographie

Maxime approche la scène par le théâtre pendant plus de dix années lorsque, en 2010, à son arrivée sur Paris, il débute la pole dance qu’il enseigne désormais depuis plus de six ans et dont il détient le titre de champion de France 2016.

Souhaitant enrichir sa pratique acrobatique Maxime se forme à la danse contemporaine lors de nombreux stages en France et à l’étranger afin d’élargir ses moyens d’expressions corporels. Il suit en parallèle une formation universitaire de psychologie clinique à Paris VII dont la richesse théorique l’inspire continuellement dans sa pratique pédagogique et artistique. Soucieux de ré-introduire du travail collectif dans une discipline dont la pratique scénique majoritaire est la performance solitaire de compétition, il crée en 2016 avec Vanessa Mantoan la compagnie des Vivants Piliers, une compagnie qui associe la pole dance à la danse contemporaine. Rejoints de quatre danseuses ils réalisent un premier objet artistique chorégraphique et cinématographique, un court-métrage actuellement en tournée de festivals et ayant déjà remporté le prix du Best dance or choreography filmed au LogCinema MusicFilm festival de Miami. Professeur et organisateur du premier laboratoire de recherche artistique et chorégraphique autour de la pole dance, Maxime s’attache à promouvoir une ouverture des disciplines et à défendre la transmission du plaisir chorégraphique à des publics variés.

Création en cours

Leur projet en cours de création porte sur la question de la douleur et de la blessure dans la pratique du danseur et de l’acrobate. A partir du constat que la douleur physique est l’élément qui accompagne la carrière du danseur-acrobate, les Vivants Piliers souhaitent la rendre perceptible sur scène pour le public. Grâce à la dimension acrobatique de la pole dance et les possibilités de mise en scène de la danse contemporaine ainsi qu’au travail de composition sonore, le spectacle se veut être une expérience sensorielle singulière. La danse est une rencontre sans cesse renouvelée de l’artiste avec son corps, qui s’y essaye et qui s’y bute, le corps étant toujours impossible à maîtriser totalement. Ainsi comment faire entendre ce ratage du corps, ces douleurs, ces remous qui s’activent dans les muscles et organes du danseur-acrobate ? Leur projet mettra en lumière et en sons cette arrière-scène du corps, celle qu’on ne voit pas et qui pourtant s’exprime dans le corps du danseur-acrobate, dès le début de sa préparation jusqu’au soir de la représentation.

Biographie

Thomas Ballevre se forme au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris de 2010 à 2012, puis rejoint le Centre National de Danse Contemporaine à Angers en 2013. Il se forme en travaillant auprès d’artistes comme Olivier Dubois et Jan Fabre. Suite à la présentation de sa première pièce personnelle en mars 2014, Quand la dent tomba, il enrichit son travail naissant par de nombreux stages et collaborations avec divers artistes tel que Bernard Baumgarten, François Stemmer, Anu Sistonen . Il collabore également avec des artistes issus de divers champs artistiques dont Mehryl Levisse, Emmanuel Eggermont, Pablo Albandea, le Collectif XXY. Il travail particulièrement avec la vidéo sur des clips, courts métrages et installations. Il se lance notamment dans la direction artistique/chorégraphique du projet Pléthore en janvier 2017. Il porte aussi son dévolu sur des œuvres In Situ comme sur le grand escalier aux Arts Décoratifs dans le cadre des Ddays en mai 2017. Il aime surtout sortir du cadre scène/public que ce soit par des installations, des performances In situ, ou la vidéo. Cela se ressent amplement dans sa création SUPER[P]OSER présenté au Centre de Création Chorégraphique Luxembourgeois en décembre 2014.

Création en cours

AUTOPILOT / Pilotage automatique – est une interprétation des réflexes archaïque en milieu festif. Une pléthore de mouvements automatiques. Une réflexion sur cet état de transe.
Vous êtes invités à explorer ce monde nocturne avec un regard singulier. Découvrir ces danses générées par les créatures de la nuit.

Biographie

Tudi Deligne est un danseur, un capoeiriste et un artiste plasticien franco suisse. Après une enfance passée entre les théâtres et sa table à dessin, il fait des études à l’ESAD (Ecole Supérieur des Arts Décoratif de Stras- bourg) dont il sort diplômé en 2009. En parallèle de sa pratique plastique il continue son activité théâtrale et découvre la danse et le butô en 2008, qui bouleverse son rapport à ses différentes pratiques artistiques. Dés lors il investit le champs de la performance et des arts corporels, et pendant près de 10 ans se forme en autodidacte auprès de nombreux danseurs butô de première et seconde génération. Ses professeurs les plus importants sont Moeno Wakamatsu et Masaki Iwana, avec qui il partage une certaine approche de la danse, du corps (influencé par la méthode Feldenkrais), de son rapport à l’espace et de sa temporalité, qu’on la nomme encore butô ou non. Tout en poursuivant sa pratique de dessin pour laquelle il reçoit différentes distinctions (prix de la Fondation Kiefer Hablitzel, Prix D-Dessin, 1er prix de dessin de l’Académie des Beaux-Art et de l’Institut de France), il commence à présenter ses premiers solos en 2014. « Under the planes » est sélectionné pour le festival « En chair et en son » en 2016. Il est également fort d’une décennie de pratique de la capoeira à haut niveau, des styles les plus lents et stratégiques aux plus martiaux et acrobatiques. Aujourd’hui curieux des bagages techniques propres aux danses académiques, il s’essaye à l’apprentissage du ballet classique et de la technique Martha Graham.

Création en cours

« Mon projet est de développer une danse défaite du geste, du mouvement, du pas, de la gure et de la tech- nique. Une danse en-deça du vocabulaire et avant même le langage, viscérale, délicate et absurde. Qui se place à la racine et à l’intersection du corps et de l’espace qui le contient: le système nerveux, grande inter- face avec l’océan d’informations qui nous façonne et qu’on appelle cosmos. Une infra-danse de l’invisible, de le dilatation et de la sculpture du temps, pour partager avec le specateur l’existence aveugle des choses, et se fondre avec lui dans la lumière d’un souvenir et la texture d’une éternité minérale. »

Biographie

Après avoir traversé différentes pratiques artistiques comme le dessin ou encore le théâtre, Simon commence la danse à l’âge de 16 ans. Il étudie au conservatoire national de danse de Strasbourg et parfait sa formation au jeune ballet de l’ESDC Rosella Hightower.
En 2010, à l’issu du Monaco Dance Forum, il est engagé dans la compagnie américaine Alonzo King Lines ballet où il danse de nombreuses pièces du chorégraphe.
Il rejoint le ballet de l’opéra de Lyon en janvier 2011 et s’essaie alors à un repertoire plus large. Il interprète les pièces des chorégraphes tels que William Forsythe, Jiri Kylian, Merce Cunningham, Trisha Brown, Benjamin Millepied, George Balanchine, Ohad Naharin, Christian Rizzo et fait également partie des créations de Maguy Marin, Faces, et de Rachid Ouramdane, Tout autour.
Il quitte la compagnie fin 2015 et co-écrit le duo Phase avec Karline Marion qui sera joué dans différents théâtres et festivals en France et à l’étranger.
En 2017, il crée Entre Deux rives, pièce basée sur le thème de l’euthanasie qui sera également donnée à l’échelle nationale et internationale. La même année il signe la chorégraphie du vidéo clip Les Rois de l’artiste musical Nosfell. Son prochain travail de création, Abyme, est présenté pour la première fois au printemps 2018.
En parallèle, Simon continue son parcours d’interprète en tant qu’artiste free lance. Depuis 2016, il a participé aux productions de chorégraphes et metteurs en scène tels que Roméo Castellucci dans L’Orestea, Rachid Ouramdane dans Tout Autour, Geisha Fontaine et Pierre Cottereau dans Saltare. Il fait également partie de la nouvelle création 2018 de Maud le Pladec.

Création en cours

Comme un besoin vital de ne pas finir aussi lisse que son écran, une femme, jusqu’alors prise au piège de sa propre image, tentera de se détacher du support dans lequel elle se reflète. Afin de ne pas se transformer en un produit qu’on exposerait sous une vitrine elle devra s’en défaire, reprendre possession de son corps et de ses possibles, de l’espace et de sa voix : replonger en elle.

Abyme représente cette lutte pour que la surface  ne soit pas un frein à la profondeur, mais un intermédiaire qui nous relie au monde qui nous entoure.

Biographie

David Llari est chorégraphe de la compagnie Sun Of Shade qu’il fonde en 2003. il crée sa première création à la Maison des Métallos avant de devenir l’assistant chorégraphe de la compagnie Franck 2 Louise (2005-2009), avec laquelle il s’enrichira d’une grande expérience. Il fonde en 2006 la Maison du Hip-Hop à Paris. Après plusieurs années de tournées en France comme à l‘international et d’organisation d’évènements hip hop (Paris hip hop, Block party, Festival Original Old School…), il se consacre à nouveau à sa compagnie qu’il installe à Marseille où il signe en 2008 la chorégraphie des Caprices de Marianne, mise en scène par la compagnie Chatôt Voyoucas. Depuis il ne cesse au travers de ses créations de questionner la société et la condition Humaine. Sa dernière création SLAVE remporte le prix de la critique au concours international d’Hanovre en 2016. En 2017 il crée le jeune ballet urbain de Marseille avec des danseurs de 7 à 17 ans. Aujourd’hui, toujours artiste en collaboration avec le ballet national de Marseille, il continue de développer des projets atypiques et protéiformes avec pour objectif de s’inscrire toujours plus dans le territoire marseillais.

Création en cours

Thanatos pose la question de la place de l’homme dans la société et de ce que celle-ci peut encore, ou ne peut plus lui offrir. La rupture du lien social, aujourd’hui, pousse l’être humain vers une fascination du monde virtuel. Cette fascination est, comme une  forme de « suicide » : on retire son corps du monde réel pour se propulser dans le monde virtuel. « En ce qui concerne le virtuel , je souhaite évoquer la poupée robotisée, inventée pour satisfaire les besoins quotidiens de l’homme, dont les besoins sexuels.» Aujourd’hui, des hommes et femmes préfèrent vivre avec des poupées robotisées, suite à la rupture du lien social. Le monde virtuel répond à ce manque de lien social dans la société, en offrant à l’homme une seconde chance avec une vie virtuelle. Ainsi, l’homme meurt à lui-même, pour retrouver un nouvel espoir dans le virtuel. Ce serait le début d’un nouveau cycle. Le danger, c’est que, si l’homme se tourne vers des machines plus que vers des êtres humains, on risque de voir l’humanité s’éteindre. Si l’un des actes les plus naturels de l’espèce humaine comme l’accouplement pour la reproduction devient mécanique, c’est toute l’espèce humaine qui est en danger. L’homme, dans sa quête technologique et sa course au progrès se meurt tout doucement . Il rompt avec le réel pour laisser volontairement place à un monde virtuel, détaché de la réalité de l’humanité. C’est un « suicide numérique » où le monde 2.0 devient la valeur de référence. Qu’est-ce que veulent dire la mort et la vie dans cette nouvelle donne ?

Biographie

Fu LE est un chorégraphe autodidacte, plasticien et vidéaste récompensé par plusieurs prix internationaux. Né en Bretagne. Il arrive à Paris à 17 ans et intègre les Arts Appliqués dont il sort diplômé en sculpture, puis travaille plusieurs années dans divers ateliers de scénographie, où il est fasciné par la répétition des gestes artisanaux. Rapidement son intérêt se détache du résultat final pour questionner le processus de création. Il voyage alors en Afrique de l’Ouest à la découverte de nouvelles méthodes d’utilisation du bronze.

Parallèlement, Fu LE se forme aux arts scéniques, se consacrant tout d’abord à la marionnette, dans le but de mettre en scène ses propres sculptures. Il part vivre à Buenos Aires où il continue à se former au théâtre corporel puis, suivant son intérêt pour le mouvement, il intègre la compagnie junior en danse contemporaine Le Marchepied à Lausanne. De retour en France, il revisite alors sa pratique de plasticien à travers l’expérience sensible du corps dansant et de son action sur la matière. Il découvre la vidéo qui lui permet de témoigner de sa recherche chorégraphique, à travers diverses expositions, notamment au Centre National Chorégraphique d’Orléans – Josef Nadj. Il se spécialise également en danse verticale et sur différentes pratiques en relation avec un partenaire (aïkido, tango, contact improvisation).

Fu LE évolue actuellement à la lisière entre danse et sculpture. Il poursuit récemment sa recherche à Taïwan, questionnant les transformations sociales liées à l’urbanisation. Il mène alors un travail sociologique et politiquement engagé. Son objectif a toujours été d’unir ses acquis plastiques et les matériaux bruts à l’intimité du corps, en d’autres termes de chorégraphier le geste sculptural.

Création en cours

Co-Pulation est un trio chorégraphique pour deux danseurs et une marionnette à taille humaine, mêlant danse contemporaine et aérienne à la manipulation d’objets. La pièce s’attaque au désir d’absolu et de véracité qui mène ou perd chaque individu, en s’appuyant sur certains écrits de Borges qui, à travers une recherche littéraire d’authenticité, évoquent de vains artifices – miroirs, masques ou encore la copulation – pour approcher l’idée de reproduction à l’identique. Autant de tentatives échouées qui renvoient les personnages à leur propre solitude.

Il se crée donc une danse concrète, rythmique et mimétique, à partir de manipulations, lovages et déplacements de cordes qui incarnent cette quête d’authenticité, parsemée de doutes, de nœuds et de frustrations. Le travail en aérien amène une respiration et le désir onirique d’élévation vers un absolu utopique.

“Les miroirs et la copulation sont abominables, parce qu’ils multiplient le nombre des hommes.” (Jorge-Luis Borges)