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La retraite des chorégraphes : 3 questions que vous vous posez sûrement !

Doriane Foix — Mon, 27 May 2019 16:02:36 +0000

Après avoir fait un tour d’horizon des principaux sujets qui concernent la profession de chorégraphe, il est à présent temps de clôturer ce dossier par une question pratique souvent centrale dans la carrière : la retraite. Compte-tenu des particularités du métier de chorégraphe, que peut-on dire de la retraite des chorégraphes et comment la préparer au mieux ? Pour aborder ce sujet technique, nous avons posé trois questions à Pascal Foy, responsable de la mission entreprises chez Audiens. Son expertise vous aidera à vous y retrouver dans ce sujet complexe !

Artiste : Smaïl Kanouté – Photo : Emmanuelle Stäuble

Quels sont les droits des chorégraphes à la retraite ?

Les chorégraphes ont une particularité, leur métier est à cheval sur deux régimes sociaux : le régime des travailleurs salariés et le régime des artistes auteurs. Ils ont donc des droits à la retraite issus de ces deux régimes. En tant que salarié d’abord, lors de « l’exécution matérielle de leur conception artistique » (comme le stipule l’article L.7121-2 du Code du travail), les chorégraphes acquièrent des trimestres au titre du régime de base (le régime de retraite de la Sécurité sociale) et des points retraite au titre du régime de retraite complémentaire (le régime Agirc-Arrco). Sur le site d’Audiens, il est possible de consulter une page très bien faite qui s’intitule « Comprendre et anticiper votre future retraite« . Il y est rappelé des informations essentielles pour mieux comprendre les particularités des droits à la retraite pour les professionnels du spectacle vivant.

[thrive_lead_lock id=’17464′] Les chorégraphes ont aussi des droits en tant qu’auteurs. A l’occasion de la rémunération de leur conception intellectuelle, les chorégraphes peuvent également acquérir des trimestres au titre du régime de base (toujours celui de la Sécurité sociale) et des points retraite au titre du régime complémentaire géré par l’Ircec (Institution de retraite complémentaire compétente pour la gestion du régime de retraite complémentaire des auteurs). Il est possible d’obtenir plus d’informations sur ce régime en se rendant sur le site de la Sécurité sociale des artistes auteurs. Par ailleurs, il est possible de poser toutes ses questions pratiques et spécifiques sur les droits à la retraite des chorégraphes en appelant les conseillers du Groupe Audiens du lundi au vendredi de 9h à 18h au 0 173 173 755.

Comment est calculée la retraite des chorégraphes ?

Au titre de la retraite de base, les droits sont acquis selon ce calcul :

Montant de la pension = Salaire annuel moyen déterminé sur les 25 meilleures années (le salaire pris en compte est limité au plafond de la Sécurité sociale) x Taux (taux plein = 50%) x [nombre de trimestres acquis/nombre de trimestres requis]

Le nombre de trimestres requis varie selon votre année de naissance. Pour mieux comprendre comment obtenir le nombre de trimestres requis, il est ainsi plus facile de se référer à ce tableau, selon votre année de naissance :

Au titre de la retraite complémentaire, les droits sont déterminés de la façon suivante :

Les cotisations de retraite complémentaire versées génèrent des points retraite. Au moment de la liquidation de la retraite, les points retraite acquis sont multipliés par la valeur du point.

Quelles sont les procédures qui doivent être faites par les chorégraphes pour percevoir une retraite ?

En préambule, il faut rappeler que les salariés sont régulièrement informés sur les droits qu’ils acquièrent. A l’age de 35, 40, 45 et 50 ans, tous les actifs reçoivent un RIS (relevé individuel de situation) qui leur permet de vérifier que les périodes travaillées ont bien été prise en compte. Dès 35 ans donc, on peut commencer à anticiper sa retraite. A l’age de 55 et 60 ans, un EIG (estimation indicative globale) leur est envoyée. Ce document leur donne donc une estimation de leurs pensions retraite. Cette dernière information permet aux intéressés de planifier leur demande de liquidation de retraite sachant qu’il y a trois « âges » de la retraite. 62 ans est l’âge légal à partir duquel on peut demander à liquider sa retraite mais une minoration de celle-ci aura lieue si l’individu n’a pas le nombre de trimestres requis selon son année de naissance. 67 ans est l’âge à partir duquel la liquidation de la retraite se fait à taux plein, c’est à dire quel que soit le nombre de trimestres acquis. Enfin, 70 ans est l’âge à partir duquel un employeur peut mettre à la retraite un salarié. La demande de liquidation de ses droits à la retraite se fait via ce site. Il s’agit de la demande unique de retraite en ligne qui permet la demande de liquidation des régimes de base et complémentaire auprès desquels on a pu cotiser. Les démarches doivent être entamées entre 6 et 4 mois avant la date de liquidation souhaitée. Terminons en rappelant qu’après la liquidation des droits à la retraite, il est toujours possible de reprendre une activité, c’est ce qu’on appelle le cumul emploi et retraite.

Nous espérons que ce rapide tour d’horizon des droits et démarches relatifs à la retraite des chorégraphes vous sera utile ! Si des questions demeurent, n’hésitez pas à vous tourner vers les conseillers du Groupe Audiens et à lire les articles ressources disponibles sur le site d’Audiens, rubrique « Documents ». C’est une véritable mine d’or, remplie de fiches pratiques sur ces sujets épineux !

Les autres articles du dossier sur le métier de chorégraphe :

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Quelle est la rémunération d’un chorégraphe ?

Ondine Policand — Wed, 22 May 2019 13:18:49 +0000

Après avoir abordé le métier de chorégraphe d’un point de vue historique ; les qualités et compétences pour en devenir un.e, et la vision de Christine Bastin sur ce qu’est un chorégraphe, ces quelques lignes concernent à présent une question primordiale et parfois épineuse : celle de la rémunération du chorégraphe.

Photo : Liel Anapolsky sur Unsplash

Vivre de son art et de sa passion, c’est quelque chose d’admirable et qui donne envie, cependant cela demande aussi du courage ! Si la société dans son ensemble s’interroge sur les « métiers du spectacle vivant » et sur leur viabilité économique, en les comparant aux autres métiers actuels, nous vous proposons ici, sans être exhaustifs, un petit zoom sur les principales manières de se rémunérer lorsque l’on est chorégraphe et les enjeux pour y parvenir !

L’intermittence du spectacle : une rémunération propre aux artistes du spectacle vivant ?

Vous en avez très certainement entendu parler, au sein de la société française l’intermittence du spectacle fait débat depuis plusieurs années. Ce régime est critiqué et clive énormément. Certains trouvent que l’intermittence avantage trop les artistes, d’autres se battent pour sa pérennisation et son évolution… Petit retour sur la particularité du régime de l’intermittence en lien avec le métier de chorégraphe !

[thrive_lead_lock id=’17464′] « Si tu es chorégraphe alors tu es intermittent du spectacle, non ?! », voici la question qui peut parfois être posée lorsque l’on est chorégraphe mais qui peut parfois être un peu douloureuse. On vous explique pourquoi : l’intermittence du spectacle, ce n’est pas un métier, c’est un régime. Plus précisément, on parle de système de rémunération au cachet (date de représentation), à l’heure ou au service, c’est-à-dire à la répétition, qui permet à un professionnel du spectacle employé pour une durée limitée de bénéficier d’une couverture sociale et d’allocations chômage dans ses périodes d’inactivité à condition d’avoir suffisamment travaillé le reste du temps. Pour les artistes, et de fait pour les chorégraphes, ce sont au total 507 heures de travail qui doivent être cumulées en 12 mois ; ce qui correspond à 43 cachets isolés, et en une année et ce n’est pas rien ! Ce fonctionnement est bien particulier puisqu’il répond à une logique de travail par projet et donc de court terme. C’est ce qu’explique Pierre-Michel Menger dans Les intermittents du spectacle : Sociologie du travail flexible publié en 2015 lorsqu’il indique que « l’intermittence traduit une certaine flexibilité dans le travail et donc une importante précarité. En effet, ce marché du travail parfois défini comme « atypique » fonctionne sur la capacité d’embaucher et de débaucher à foison ». Ainsi, on comprend bien que l’engagement du chorégraphe demeure souvent sans relâche car qu’il doit sans cesse monter, développer ou faire partie de nouveaux projets pour obtenir son intermittence. D’un autre côté, ce travail par projet est aussi une possibilité pour le danseur d’avoir plusieurs employeurs de manière facilitée et cela donne donc une possibilité de travailler pour plusieurs chorégraphes.

La rémunération de ces métiers dépend donc de la stabilité dans le travail du chorégraphe ou plutôt de sa capacité à enchaîner et pérenniser des projets. Cette situation est unique et à part sur le marché du travail français : des organismes sociaux vont prendre en charge la carrière individuelle des artistes, tels que la caisse des congés spectacle (congés payés), les organismes de retraite, l’assurance-chômage et la cotisation à la formation. D’un autre côté, le statut de l’intermittence permet de compenser des périodes d’inactivité de l’artiste chorégraphe due à une absence de dates de représentations, et remédie parfois à une certaine précarité du métier. Ce fonctionnement particulier des métiers artistiques existe aussi en Belgique et au Luxembourg. Cependant, dans d’autres pays comme l’Allemagne par exemple, l’artiste est considéré soit comme un salarié, soit comme un travailleur indépendant. Le système de rémunération propre à la France – et quelques autres pays – est largement utilisé dans le spectacle vivant et demeure la principale manière de se rémunérer lorsqu’on est chorégraphe. Ainsi, l’intermittence est l’un des régimes qui permet au chorégraphe de se rémunérer, mais ce n’est pas le seul.

Le chorégraphe et les droits d’auteurs

Au delà de cette intermittence existante pour les artistes du spectacle vivant, le chorégraphe est avant tout l’auteur de ses pièces, et peut donc percevoir des droits d’auteur. C’est tout l’enjeu de la définition que l’on donne du métier de chorégraphe et que nous vous rappelions dans le bref historique de la profession. Hélène Marquié écrit en effet dans son article Du notateur à l’auteur : être chorégraphe au XIXe siècle que « la seconde partie du XVIIIe siècle voit progresser l’idée de propriété intellectuelle et la notion d’auteur en matière artistique. La reconnaissance des auteurs de chorégraphie sera plus difficile à obtenir.(…) Il faut attendre la seconde moitié du XIXe siècle pour que la jurisprudence établisse la possibilité de percevoir un droit d’auteur pour la création d’un mouvement original ». Il devient alors possible pour l’auteur de percevoir des droits de propriété intellectuelle dès lors qu’il a déposé ses œuvres à la SACD. « Le chorégraphe perçoit un cachet lorsqu’il est interprète et est rémunéré en droit d’auteur lorsqu’il effectue une création » pouvons nous lire sur le site de la Société des Auteurs et Compositeurs Dramatiques (SACD). Pour mieux comprendre le droit d’auteur, une fiche rédigée par la SACD est disponible ici. De vraies subtilités non négligeables doivent être mentionnées pour ce qui concerne les chorégraphes. Cet article de Chorégraphes associés est très complet et vous en dit davantage sur la procédure à suivre pour obtenir une rémunération du fait du droit d’auteur. Une chose est sûre, ce mode de rémunération va de paire avec la reconnaissance du statut d’auteur du chorégraphe. Pour plus d’informations, vous pouvez lire notre article au sujet de la SACD et du droit d’auteur.

Une rémunération n’englobant pas la totalité des fonctions du chorégraphes

Mais au-delà d’être un auteur, le chorégraphe est aussi le dirigeant qui porte sa compagnie. Le chorégraphe n’est pas seulement celui qui crée et transmet la chorégraphie aux danseurs, c’est aussi celui qui gère une compagnie. C’est également un porteur de projet qui doit gérer une équipe administrative, technique et artistique. Il porte aussi publiquement son œuvre auprès de partenaires, de diffuseurs et du public et doit donc aussi maîtriser les contraintes économiques du projet. Il est important de rappeler que la création demeure une seule partie de son travail. Ainsi, logiquement, ces différentes casquettes pourraient valoir une rémunération plus large que celle due au titre de son action de créateur artistique. Or la recherche incessante de nouveaux contrats, la rédaction de budgets, la communication autour du projet, sont des éléments qui ne sont généralement pas pris en charge par l’employeur et pour lesquels le chorégraphe n’est pas rémunéré. Ce sont pourtant des temps bien nécessaires qui permettent à sa création d’aboutir et d’être, un jour, présentée au grand public. Par ailleurs, via sa compagnie, il arrive que le chorégraphe, notamment en phase d’émergence, se rémunère en dernier lors de ses répétitions, créations et représentations parce qu’il souhaite, en général, payer avant lui les danseurs qui travaillent pour lui dans ses projets. Pour beaucoup de chorégraphes dirigeant une compagnie émergente, c’est un réel challenge de rémunérer l’ensemble des danseurs et donc de se rémunérer soi-même. Pourtant le chorégraphe étant le porteur du projet, on pourrait ainsi s’interroger sur la perception d’une rémunération prenant en compte ainsi l’ensemble de ses casquettes.

La rémunération du chorégraphe : une anticipation sur les métiers de demain ?

La rémunération du chorégraphe n’est donc finalement pas facile à aborder et à appréhender tant son travail est complet et relève de différents champs : auteur d’une œuvre, répétition de la création, travail au plateau, manager de projet chorégraphique, etc. Si le principal moyen de se rémunérer de manière régulière découle du régime intermittent, certains chorégraphes décident et essaient de demeurer dans des emplois permanents plutôt que dans l’intermittence. Pierre-Henri Menger expliquait déjà en 2003 dans À plusieurs voix sur Portrait de l’artiste en travailleur que les modalités du travail artistique sont « de plus en plus souvent revendiquées comme l’expression la plus avancée des nouveaux modes de production et des nouvelles relations d’emploi engendrés par les mutations récentes du capitalisme ». En effet, pour l’auteur, les qualités requises des artistes sont tout à fait celles exigées par le monde dans lequel nous vivons et ces tendances qui semblent s’accélérer : adaptabilité, créativité, mobilité, flexibilité, goût du risque, audace… Ainsi le chorégraphe en tant qu’artiste et son système de rémunération pourrait tout à fait être avant-gardiste de nos formes d’emplois de demain, même en dehors de l’artistique. Une hypothèse que certains pratiquent déjà et qui permettrait peut être d’éviter certaines idées préconçues sur le métier de chorégraphe et d’intégrer plus facilement les pratiques artistiques à la société… À suivre !

Les autres articles du dossier sur le métier de chorégraphe :

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Quelle formation pour le chorégraphe ?

Lucie Mariotto — Wed, 15 May 2019 15:09:34 +0000

Dans les métiers liés à la performance artistique, de nombreux danseurs et chorégraphes apprennent auprès d’autres danseurs ou chorégraphes. Bien que la pratique soit un passage requis pour travailler sur un enrichissement artistique perpétuel, il existe des formations, reconnues par l’état ou non, délivrant des diplômes ou non, toutes avec des spécificités particulières…

Photo : Gez Xavier Mansfield sur Unsplash

Dans cet article, nous allons prendre le temps de nous arrêter sur la formation du chorégraphe en France et parler des différents aspects du métier d’un point de vue compétences professionnelles. Nous verrons notamment que s’il existe des formations initiales (à l’inverse de continues) reconnues pour apprendre le métier de danseur professionnel, il n’existe pas de formation initiale conduisant au métier de chorégraphe. Sa formation se fait par une somme d’expériences professionnelles et par une montée en compétences sur des sujets liés à son rôle de porteur de projets chorégraphiques et artistiques.

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Le chorégraphe, souvent danseur

Au départ d’un chorégraphe qui souhaite se développer professionnellement dans ce métier, il y a, dans la majorité des cas, un danseur professionnel de haut niveau qui a travaillé pendant plusieurs années dans la danse. Il existe aujourd’hui des formations initiales diplômantes, mais aussi des formations privées, permettant de recevoir une formation complète et préparant aux exigences du métier de danseur. En voici un panel non exhaustif :

Formations délivrant un diplôme de niveau Bac : le Diplôme National appelé Diplôme d’Études Chorégraphiques est délivré en trois ans par une liste de 43 établissements constituée principalement de Conservatoires à Rayonnement Régional comme par exemple le Conservatoire à rayonnement régional de Boulogne-Billancourt. Ce diplôme est généralement effectué en parallèle d’un enseignement général au lycée en classes à horaires aménagés.
Formations délivrant un diplôme de niveau Supérieur : Le DNSPD (Diplôme National Supérieur Professionnel de Danseur) est délivré par 7 établissements en France : le CNDC à Angers, l’Ecole Supérieure de Danse de Cannes-Mougins Rosella Hightower, le CNSMD à Lyon ou à Paris (Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse), l’Ecole Nationale Supérieur de Danse de Marseille, le Pôle supérieur d’enseignement Artistique de Paris Boulogne-Billancourt, l’Ecole de danse de l’Opéra National de Paris. Cette formation, normalement dispensée en 3 ans (6 semestres), permet d’obtenir un diplôme d’un niveau Bac +3. Elle permet d’acquérir les connaissances et les compétences générales et professionnelles permettant d’exercer le métier de danseur. Il est possible de préparer le diplôme dans 3 disciplines : classique, contemporain et jazz.
Autres formations privées : des écoles privées dispensent également des formations professionnelles complètes permettant de se former au métier de danseur. Nous citerons par exemple le Centre Rick Odums reconnu pour son expertise dans la danse Jazz en France, le RIDC dispensant une formation en danse contemporaine, Le LAAC, école fondée par Clairemarie Osta et Nicolas Leriche, Le Centre Chorégraphique James Carlès situé à Toulouse ou encore la Juste Debout School qui propose une formation professionnelle en danse hip hop sur 3 ans. Nous pouvons également citer la formation P.A.R.T.S en Belgique (la seule formation non française que nous citerons dans cet article) qui permet en 3 ans d’avoir une formation solide de danseur mais qui propose aussi des modules centrés sur le métier de chorégraphe.

Le chorégraphe, un pédagogue ?

Certains danseurs et chorégraphes poursuivent leur formation avec un diplôme permettant de reconnaître leur aptitude à enseigner la danse dans trois disciplines : classique, contemporain et jazz. Ce diplôme est le DE (Diplôme d’État de professeur de danse) et se présente en deux étapes : l’EAT (Examen d’Aptitude Technique) et le DE. Aujourd’hui 30 établissements délivrent le DE, nous noterons par exemple le CN D (Centre National de la Danse) à Paris et à Lyon ou encore le Pôle d’Enseignement Supérieur Musique et Danse de Bordeaux Aquitaine.

Aujourd’hui le DE en danse hip hop n’est pas (encore) délivré. Le Centre de Formation de Danse (CFD) de Cergy propose une formation qualifiante (non diplômante et non certifiante) pour accompagner de futurs professeurs de danse hip hop dans l’exercice de leur métier.

Le chorégraphe, un auteur chercheur

Certains Masters proposent de former aux exigences de la recherche dans le secteur chorégraphique. Ces formations permettent d’obtenir un Bac +5 (grade MASTER) dans le secteur chorégraphique via une formation supérieure dispensée en université. Nous citerons ici le Master exerce issu d’un partenariat entre le CCN de Montpellier et l’université Paul-Valéry de Montpellier et orienté autour de la recherche chorégraphique, et le Master en danse à Paris 8.

D’autres structures centrées sur la recherche chorégraphiques proposent des formations et un accompagnement dans la recherche chorégraphique sans pour autant délivrer de diplômes. Nous pouvons ainsi citer le Programme Recherche et Composition Chorégraphiques de l’Abbaye de Royaumont.

Le chorégraphe, un manager de projets chorégraphiques

En dehors d’une grande maîtrise des techniques de danse et d’une connaissance générale de la culture chorégraphique, le chorégraphe est également amené à devoir faire preuve d’une grande créativité, d’une connaissance aigüe du paysage actuel de diffusion artistique, d’une capacité à manager à la fois des profils artistiques (danseurs, compositeurs, costumier, …) mais aussi des profils plus techniques ou administratifs, d’une aptitude à piloter un budget ou encore à chercher et convaincre des financeurs publics et privé.

Ces compétences multiples, comme nous le soulignions dans notre précédent article « Quelles sont les compétences requises pour être chorégraphe ?« , sont celles d’un manager de projets chorégraphiques et bien que souvent acquises sur le terrain, ou au contact d’autres chorégraphes plus avancés dans leur carrière, des structures proposent d’acquérir ces compétences à travers des formations spécifiques. Aujourd’hui, très peu de structures proposent des formations spécifiques à 360° sur le métier de manager de projets dans le secteur chorégraphiques. La Fabrique de la Danse en fait partie, à travers les formations sur mesure adaptées au besoin spécifique du chorégraphe ou encore à travers son programme long appelé « incubateur de chorégraphes« . Si l’on s’éloigne du secteur chorégraphique, l’IRMA (le Centre d’information et de ressources pour les musiques actuelles) propose également une formation au métier de manager de projets dans le secteur musical.

Le chorégraphe, un créateur solitaire qui peut se faire accompagner une fois formé

En dehors de ce travail qui est de monter en compétences spécifiques, le chorégraphe peut ressentir le besoin de se faire accompagner que ce soit artistiquement ou administrativement. Des structures comme IADU – qui accompagne les jeunes chorégraphes en danse hip hop – l’Etoile du Nord – scène conventionnée danse qui accompagne chaque année des chorégraphes sur le long terme – ou encore Danse Dense – Pôle d’accompagnement pour l’émergence chorégraphique – ont pour mission d’accompagner les chorégraphes en phase d’émergence dans leur développement artistique et dans un travail de structuration et de diffusion à travers des conseils individualisés, des regards extérieurs, une mise à disposition d’espace, parfois des financements et des mises en réseaux.

Les bureaux de production peuvent également constituer une ressource à l’accompagnement du chorégraphe dans son développement. En dehors du fait de pouvoir déléguer les tâches administratives et d’organisation qui sont souvent chronophages, un artiste va chercher à se faire représenter par un bureau de production pour le volet diffusion. C’est l’opportunité pour l’artiste ou la compagnie d’accéder à un réseau de programmateurs et de lieux de diffusion bien plus rapidement qu’en ayant fait ce travail seul.

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Quelles sont les compétences requises pour être chorégraphe ?

Doriane Foix — Fri, 26 Apr 2019 16:30:16 +0000

La semaine dernière, Christine Bastin nous parlait de sa vision du métier de chorégraphe, cette semaine, nous nous intéresserons aux qualités qui semblent requises pour exercer ce métier.

Notre bref historique sur la profession nous a rappelé les multiples “casquettes” que le chorégraphe a eues dans l’Histoire : de notateur du mouvement, à créateur-auteur du mouvement… Au-delà de ces deux aspects du métier, le chorégraphe a toujours eu besoin de compétences diverses et variées pour exercer son art. Déjà au XVIIIe siècle, Jean-Georges Noverre écrivait dans ses célèbres Lettres sur la Danse publiées dès 1760 en français et en allemand que « Le compositeur [de ballet] doit étudier les peintres (…) Le dessin est trop utile aux ballets (…) Le maître de ballet qui ignorera la musique (…) n’en saisira pas l’esprit et le caractère. » Il ajoutait dans la même Lettre : « Le maître de ballet dont les connaissances seront les plus étendues et qui aura le plus de génie et d’imagination, sera celui qui mettra le plus de feu, de vérité, d’esprit et d’intérêt dans ses compositions. »

Par ailleurs, au-delà de ces connaissances pluridisciplinaires qui nourrissent la création, le chorégraphe se dote de plus en plus de compétences qui le rapprochent d’un chef de projets artistiques : management des danseurs, gestion d’un budget, organisation d’un planning de production… Surtout lorsqu’il démarre son activité, le chorégraphe est en effet amené à s’occuper de tâches administratives, à maîtriser la gestion de sa compagnie mais aussi à manager ses équipes artistiques, techniques et administratives. Les chorégraphes sont-ils multi-compétents ?

Des qualités et une sensibilité artistiques évidentes…

Pour être chorégraphe, il est d’abord préférable de disposer d’une grande sensibilité artistique et d’une curiosité d’esprit à d’autres champs artistiques que la culture chorégraphique. Dans la lignée des recommandations de Noverre, il est vrai que le “compositeur de ballets” gagne à avoir une connaissance, même lacunaire, du théâtre, des arts plastiques, de la musique ou encore de l’architecture. Comme tout artiste, le chorégraphe doit en effet être créatif et savoir développer sa créativité. Christine Bastin, chorégraphe et directrice artistique de la Fabrique de la Danse indique quant à elle que: “C’est toujours bien d’avoir une bonne culture chorégraphique, mais aussi d’être sensible aux autres types d’art, a tout ce qui se vit. On a un besoin de nourrir constamment la création.” Cela est d’autant plus vrai que les chorégraphes sont aujourd’hui férus de collaborations interdisciplinaires et puisent parfois leurs inspirations dans les croisements fructueux entre arts plastiques et danse, ou encore entre vidéo et nouvelles technologies et danse.

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Bien souvent, le chorégraphe a une formation initiale de danseur interprète. Il est très rare que le chorégraphe ignore la danse et sa technique avant de se lancer dans l’écriture de ballets. C’est souvent parce qu’il a lui-même expérimenté le mouvement dans son propre corps, qu’il parvient à maîtriser le langage chorégraphique et à mieux communiquer ses exigences à ses danseurs. En tant que compositeur de ballets, les chorégraphes modèlent en effet leurs créations en utilisant pour palette expressive les corps des danseurs, mais aussi les sons, les lumières, la scénographie. Ces rudiments technico-artistiques doivent donc être également connus et maîtrisés des chorégraphes tout comme le peintre sait utiliser, sur sa palette, différentes couleurs, des clair-obscurs, de la peinture à l’huile ou encore des techniques sèches comme le crayon, le fusain, le pastel… À chaque artiste ses outils à maîtriser !

Par ailleurs, nombreux sont les artistes qui comparent la création d’une oeuvre d’art à un accouchement, une véritable éclosion. La patience est ainsi une autre qualité qui aide le chorégraphe pour que la création chorégraphique puisse éclore. Comme le dit le peintre Nicolas de Staël : “Être artiste, ce n’est pas compter, mais vivre comme l’arbre sans presser sa sève, attendre l’été”. En plus de la patience, l’assiduité et la persévérance sont deux qualités bienvenues pour les chorégraphes. Car l’attente de l’élan créatif dans la danse ne se fait pas sans travail, sans répétition, et exigence : il faut aimer passer deux heures sur chaque mouvement s’il le faut ! En ce sens, les mots de Bach, un autre grand compositeur, non pas de danse mais de musique, sont édifiants : “J’ai beaucoup travaillé. Quiconque travaillera comme moi pourra faire ce que j’ai fait. (…) Un travail incessant, une analyse, une réflexion, beaucoup d’écriture, une autocorrection sans fin, c’est mon secret.”

Le chorégraphe, un artiste-entrepreneur

Pour mener à bien son travail, le chorégraphe doit désormais développer des compétences extra-artistiques en parallèle de son travail de recherche et création chorégraphique. Il est un artiste mais aussi un chef de projets culturels, ou encore un “artiste-entrepreneur”.

Comme l’indique Christine Bastin, le contexte de la création chorégraphique a évolué et a fait évoluer avec lui les compétences auparavant attendues du chorégraphe. Il y a quinze ans, la chorégraphe avait avec elle une administratrice de compagnie. Elle aurait donc pu se permettre de répondre que les qualités requises pour un chorégraphe étaient seulement artistiques. Désormais, les chorégraphes, surtout lorsqu’ils débutent, n’ont plus de personnes en charge de l’administration et de la gestion de leur compagnie mais doivent apprendre à le faire eux-mêmes.

Ainsi, le chorégraphe doit ajouter à son arc des compétences dignes d’un chef d’entreprise dont la compagnie serait l’entreprise. En plus d’assumer le rôle de créateur de ballets, le chorégraphe doit apprendre à pérenniser sa structure, structurer son projet, en mesurer la faisabilité économique, savoir comment se rémunérer et rémunérer ses équipes. On est loin du compositeur de ballets du XVIIIe siècle dont parlait Noverre ! Pour autant, il ne faut pas forcément voir cette extension du champ de compétences du chorégraphe d’un mauvais oeil : se prendre en main au plan économique, trouver des financements et maîtriser ses budgets de création garantissent à une pièce sa faisabilité, et lui permet ainsi de tourner. En dirigeant administrativement son projet chorégraphique, le chorégraphe ne travaille pas artistiquement pour rien. Il sera en outre mieux disposé à vendre ensuite son spectacle à des réseaux qualifiés et à gérer ses relations avec des partenaires, d’autant plus s’il n’est pas entouré d’un.e chargé.e de diffusion à ses débuts ! De même, des compétences en communication peuvent être de bonnes cordes à ajouter à son arc de chorégraphe-entrepreneur au départ pour réaliser sites internet, invitations, newsletters, affiches, flyers ou autres et ainsi disposer d’outils pour présenter son travail à des programmateurs notamment.

En plus de la gestion économique de sa compagnie, le chorégraphe doit désormais être compétent en matière de management d’équipe. Rarement seul à travailler à bord du bateau de son projet chorégraphique, il en est pourtant le seul capitaine. Il est le leader du projet artistique, et à ce titre, doit être capable de faire preuve de leadership pour fédérer des compétences autour de sa vision artistique, et véritablement diriger toutes les personnes qui gravitent autour du projet (danseurs, techniciens, éventuellement personnel administratif…) Des qualités relationnelles et en communication sont ainsi appréciables dans cette tâche. Mais pas de panique, le management est aussi un apprentissage et des techniques issues du monde de l’entreprise peuvent aider les chorégraphes à devenir de véritables leaders de leurs projets.

Enfin, pour en finir avec cette liste non exhaustive de qualités utiles pour devenir chorégraphe, les personnes qui ont un goût pour la transmission seront fortement appréciées. En effet, les vertus de la danse et du mouvement méritent d’être connues par le plus grand nombre, ce qui nécessite d’être prêt à se replacer, en tant qu’artiste-créateur, au coeur de la société et avoir un rapport engageant avec elle autour du geste chorégraphique ! Ecoliers, collaborateurs d’une entreprise, personnes en situation de handicap ou encore patients d’un hôpital, prisonniers… autant d’humains que le chorégraphe peut sensibiliser à son art car après tout, l’outil du chorégraphe, le corps, est le plus grand dénominateur commun à toute l’Humanité ! Voilà donc de quoi diversifier encore la profession, à travers un goût prononcé pour la transmission. Ultime qualité du chorégraphe en effet : la générosité et la soif du partage.

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“Un besoin vital, incessant de remettre en ordre un espèce de chaos intérieur” : le métier de chorégraphe selon Christine Bastin

Doriane Foix — Fri, 19 Apr 2019 08:58:37 +0000

Nous vous l’avions annoncé, après un bref tour d’horizon historique sur le métier de chorégraphe, il est maintenant temps de laisser la parole à la chorégraphe et directrice artistique de la Fabrique de la Danse, Christine Bastin pour découvrir son regard sur le métier ! Découvrez à travers cette interview, ce qui fait, selon elle, le propre du métier de chorégraphe.

Extrait : Pietà, de Christine Bastin – Interprètes : Christine Bastin, Dirk Schambacher

Bonjour Christine, toi qui a plus de trente ans de métier de chorégraphe derrière toi, pourrais-tu nous dire quelle serait ta définition du métier de chorégraphe ?

Je n’aurais pas dit d’abord « métier »… parce qu’il n’est pas facile, a priori, de lier le mot art au mot métier. Mais c’est pourtant une avancée fondamentale pour nous, pour nos droits et notre reconnaissance sociale, qu’être chorégraphe soit enfin reconnu comme un métier.
Alors, comment moi, je me définis comme chorégraphe ? J’aime infiniment la danse et cette science infuse contenue dans le corps, qui nous raconte tout ce que l’on ignore de nous, les mystères du monde et la marche de l’univers. Et aussi, et c’est peut-être là que la chorégraphe commence : j’éprouve le besoin vital, incessant de remettre en ordre un espèce de chaos intérieur, un remue-ménage fou qui oscille de la grâce au chaos. J’ai besoin de « dire » tout ça. Et quand une création est terminée, puis jouée sur scène, j’éprouve, pour un petit moment, la sensation d’être comblée, en connexion parfaite avec les autres, le reste du monde… Et puis, ça recommence : quelque chose à nouveau qui surgit. Un désordre, une question… Un besoin à nouveau de “mettre en forme un espèce d’informe qui se dérobe sans cesse” ! Alors je m’isole dans la création, comme une sauvage, avec mes interprètes, et puis quand c’est fait : on émerge, on remonte à la surface, on se reconnecte, on retrouve l’équilibre. Et peut-être qu’on a participé à l’équilibre sensible du monde ?
Ce qui est amusant, c’est de voir comment on va s’y prendre pour préserver la matière en fusion intérieure, tout en lui donnant une forme visible. Comment trouver le juste milieu qui est le lieu de la danse, entre la vibration intérieure et le mouvement extérieur. A ce propos de la précision de l’écriture chorégraphique, j’aime bien les quatre questions qu’ Alwin Nikolaïs nous invite à nous poser : ma danse, elle est dans quel « motion » ? Dans quel « temps » ? Dans quel « espace » ? Et dans quelle « forme » ? Comme je suis très attirée par ce “motion” que je traduis, très subjectivement par moteur intérieur, e-motion, mouvement du dedans, intention… mon travail c’est d’essayer de le cerner au plus près et de sentir de quoi il aura besoin en terme de temps, d’espace et de forme, pour s’épanouir au mieux.

Être chorégraphe selon toi, ça recouvre quelles fonctions ?

Pour moi, le chorégraphe, c’est un capitaine qui prépare son bateau, engage son équipage, le forme à sa manière de travailler et décide de sa destination. Le mouvement de la mer représente le vivant, l’instant, le lieu d’éclosions parfois inattendues.
Le chorégraphe écrit la danse ou en définit l’essence en fonction de son esthétique et de son éthique. Il oriente et dirige les improvisations. Il décide du fil rouge, de la dramaturgie de sa pièce. En fait, c’est un métier très complet : on y est auteur, répétiteur, metteur en scène, dramaturge… chorégraphe quoi ! Ce qui n’empêche pas bien sûr les collaborations artistiques où on ne tient pas toutes les rênes . A chacun de repérer de quelle aventure il a envie : co-écrire, collaborer avec des arts voisins, se mettre au service d’un autre créateur, répondre à des commandes spécifiques, etc. En tout cas , il semble que chorégraphe va de pair avec corps, dessin du corps, amour du corps.
D’autre fonctions aussi sont liées à notre métier : être chef de projet, entrepreneur, car on a la responsabilité des équipes administratives, techniques, et artistiques, que l’on réunit. J’ai connu une époque où le chorégraphe se dédiait presque exclusivement à la création. On avait un.e chargé.e de diffusion, d’action culturelle, un administrateur, une chargée de production… Les temps ont changé et aujourd’hui le chorégraphe doit faire une grande partie des tâches administratives lui-même. Il consacre au moins le tiers de son temps à la gestion de sa compagnie (élaboration des budgets, communication, recherche de partenaires, rédaction de dossiers, demande de subventions etc.) C’est pour cela que l’incubateur de chorégraphes de La Fabrique de la Danse existe… pour accompagner le chorégraphe, autant comme entrepreneur que comme artiste. C’est une nécessité vitale aujourd’hui.

Extrait : Affame, de Christine Bastin – Interprètes : Pascal Allio, Pascaline Verrier – Photo : Laurent Philippe

Comment sait-on que l’on veut être chorégraphe ? Quand ?

Très petite, j’ai eu envie de créer… de faire des danses, comme on disait. Je ne me souviens pas d’un « déclic » particulier. Un jour, j’ai mis une robe jaune à mon petit frère et je l’ai obligé à danser sur la table de ping-pong que j’avais transformé en plateau de danse. Déjà la tyrannie du chorégraphe ! En fait, ça remonte à loin et je n’ai jamais exprimé que je voulais être chorégraphe. Je le faisais sans savoir comment ça s’appelait. J’ai eu l’immense chance, entre l’âge de 9 ans et de 25 ans, de danser chez Anne-Marie Debatte à Lille, à Danse Création. Un lieu où danser voulait dire : interpréter, improviser, partager, danser partout, pour tous et créer sans arrêt. Qu’est-ce que j’aimais ça ! Danse Création : ma 2ème maison, ma 2ème famille. Et puis, il y a eu un jour vers 24 ans, où l’amateure passionnée que j’étais, a voulu devenir professionnelle et faire de la danse son métier, la chorégraphie en faisant naturellement partie. J’avais un autre métier, à mi-temps, mais il a pesé bien peu au moment du choix.

A quoi le chorégraphe dédie-t-il son temps ?

C’est une belle question et il y a sûrement autant de réponses que de chorégraphes. Quand je ne suis pas pas en création, je me sens « avide » du monde et de tout ce qu’il nous offre : la beauté, celles des paysages, des gens, l’art, les émotions de la vie, les couleurs, les rencontres… Tant de choses à cueillir… et puis il y a les livres. Ceux qu’on lit seulement pour le plaisir et ceux qui tout d’un coup font « choc » et deviennent « détonateurs » de mouvement, graines de futures créations. En fait, il y a chez moi un mélange : la femme qui vit plein de choses, et dont l’usage du temps est libre, détendu, ouvert, et puis il y a aussi la chorégraphe pour qui le monde est l’occasion de se saisir de tout ce qui va alimenter son propos. Le regard et l’attention sont tout d’un coup beaucoup plus orientés, focalisés, et là, il semble que quelque chose devient un peu « obsessionnel », comme si le temps et l’espace se resserraient autour d’un « noyau brûlant » qu’il devient urgent de faire éclore.
C’est alors que commence l’écriture du projet, le choix des interprètes, des collaborateurs artistiques et techniques, les répétitions etc….. jusqu’à la première ! Où tout se dénoue, s’accomplit, se détend. Et puis un jour, tout recommence ! Vers une nouvelle création. C’est la bascule divine, le va-et-vient du faire et de l’être.
Mais parfois je me demande où est le lieu véritable de création : dans l’instantané de la vie, ou dans la construction maîtrisée d’une pièce” ? Comment il a fait le Premier Créateur ? Un gros coup d’bol ? une pensée aiguë ? juste de l’évolution ? Voilà cette contradiction que l’on a à vivre en création : cerner, contrôler, maîtriser, tout en laissant advenir les failles de lumières par où s’engouffre la surprise du vivant.

Quelle est la nature du travail de “composition de la danse” que réalise le chorégraphe ? Comment la création se passe-t-elle ?

Pour moi, il y a un « avant » et un « pendant ». « L’avant », c’est quand je suis seule, c’est le moment où la création devient une nécessité, et où je me mets à réunir tous mes moteurs de création : livres, pensées, tableaux, musiques, couleurs etc… tout ce qui va être le « repère », le « garde-fou », la « porte étroite », les garants du sujet dans lequel je vais m’engouffrer, pour donner forme à ce que je pressens. Quand le sujet est clair, il est comme un aimant attirant les moteurs d’inspiration qui lui sont nécessaires. Plus le sujet est serré, mieux ça me canalise pour le travail.
Sur ma “table de chorégraphe », il y a des images, des livres, des musiques… dont la réunion me parait parler de ma création à venir. C’est mon jardin de création ; ou plutôt ce sont des graines, dont la floraison à venir reste encore mystérieuse. Car il y a toujours un bond en avant, quand on passe du travail de l’esprit, à celui du corps. Le corps sait tellement plus de choses ! Alors je commence doucement à chercher, sentir, bouger, voir dans quel nouveau corps me plonge la création à venir. C’est vraiment une nouvelle terre.
Le « pendant », c’est quand la création commence avec les interprètes. Quand ils arrivent sur le projet, je leur partage mon univers, ce que je cherche, ce que j’ai lu, ce que j’écoute, ce que j’imagine, quelle image, quel livre, quelle émotion m’inspire… Je leur propose de se laisser imprégner par tout ça, comme je l’ai fait moi-même. Côté écriture chorégraphique : j’aime beaucoup le principe de l’écriture, de l’invention du mouvement, découvrir ce que le mouvement du dedans fait au corps du dehors. C’est donc mon plaisir d’écrire la danse et de la transmettre aux danseurs. Soit c’est écrit à l’avance, soit je continue à écrire pendant la création. L’avancement du sujet et le frottement aux interprètes me faisant creuser les choses.
En ce qui concerne l’écriture des corps, en contact physique (car la danse en contact est aussi très importante pour moi) : le principe de travail est l’improvisation dirigée. Dans Affame, par exemple qui est une création à partir du livre Regain de Jean Giono, j’ai invité les danseurs à travailler sur un rapport de couple à l’image de celui décrit par Jean Giono : pas d’affect, rapport simple, direct, dans la vérité des regards, et dans un sens du temps étiré : le temps de goûter. Nous avons improvisé pendant 3 jours sur cette thématique, jusqu’à ce que l’on se sente dans l’essence du couple de Giono. Une fois tous en phase, l’écriture commence.
Je reprends la main au niveau des choix de gestuelle, de la structure, du rythme et de l’esthétique du duo. J’ai souvent la sensation quand j’écris un duo de contact dans lequel je ne suis pas, de faire de la sculpture mouvante à distance. Et c’est assez génial quand le bon courant circule entre les trois ! j’éprouve aussi cette sensation de sculpture à distance sur certains solos que je travaille maintenant de cette façon… Mon corps devenant plus âgé, je ne peux plus tout expérimenter, mais je visualise, j’imagine des circulations, je suggère des formes, des chemins… Je parle à l’interprète qui me répond par son corps. Et là aussi quand le courant passe bien, quel bonheur. Bonheur aussi de voir que ma création ne dépend pas forcément de l’âge de mon corps ! Et si je ne l’ai pas encore dit : joie immense aussi de voir ma danse transcendée par le corps d’un autre ; C’est le grand cadeau que nous fait l’interprète.

Quelle est la journée type du chorégraphe ?

En création : une journée type pour moi, commence par un temps d’échauffement d’1h minimum. Chacun de nous fait silence, et fait son propre échauffement. Très beau de voir la porosité qui s’installe malgré tout entre nous, dans l’évolution de travail de chacun. Ensuite mes plannings de travail sont variables. Tous les danseurs ne font pas forcément toute la journée. Et tout dépend de l’avancement des parties chorégraphiques et de la création. En général, je travaille seule le matin. Puis l’après midi peut ressembler à ça : une première heure pour transmettre un solo à un tel, une seconde pour avancer sur tel duo ou trio, une troisième heure pour transmettre à tout le groupe, ou pour chercher , et ainsi de suite.
En fait, pendant la création , on a souvent un sentiment d’urgence, on crée, on avance pour boucler la pièce, mais c’est le temps de répétition qui nous manque le plus… En général , il se fait au moment de l’arrivée au plateau. Ce n’était pas le cas auparavant où on avait 4 mois de création et le temps de répéter les choses construites. Maintenant, les temps de création sont tellement plus courts ! Pour l’artiste dont le travail ne peut pas s’adapter à ces réductions de temps, cela devient très dur de préserver la qualité artistique. A nous à veiller à ce que « faire vite » ne devienne pas la norme, et « avoir le temps », l’exception. La journée type d’un chorégraphe aujourd’hui, comporte aussi un travail très important de gestion de sa compagnie. A nous là aussi, à veiller au bon équilibre entre l’artistique et l’administratif. Car c’est l’œuvre artistique qui doit rester l’essentiel pour nous.

Faut-il être nécessairement danseur interprète pour être chorégraphe ?

Non pas forcément. Et il existe des chorégraphes qui ne sont pas interprètes ; mais il faut quand même avoir une forte sensibilité au mouvement. Sinon les interprètes pourraient souffrir d’un chorégraphe qui connaît mal le corps, le mouvement et ses moteurs, et qui ne saurait pas les nourrir, les diriger. Si la danse n’est qu’une vision de l’esprit, sans conscience de son incarnation dans un corps, oui… ça peut coincer.

Le coeur du métier de chorégraphe, est-ce l’écriture ?

Pour moi, oui. J’aime bien que l’univers d’un artiste me saute aux yeux. Par la singularité de sa gestuelle, de son univers, par sa façon de manier le temps, l’espace, par le type de corps qu’il fait apparaître, par son rapport à la musique, à l’espace, par ses modes d’écriture.. C’est sa vision du monde, sa signature éthique et esthétique. Il y a tant de façons de parler du corps, d’inventer le mouvement, de naviguer dans le sensible, l’émotion, l’abstraction, le théâtral, le virtuel…. Autant de diversité d’êtres, autant de diversités d’écriture. Et c’est tellement génial de chercher notre place au milieu de tout ça… de se positionner. Et de participer au mouvement incessant de la création. C’est un vrai cadeau que nous fait cette danse d’aujourd’hui, démarrée au début du siècle dernier : fais ce que tu veux, ce que tu es, ce que tu sens !

Extrait : Mariam, de Christine Bastin – Interprètes : Céline Gayon, Mélodie Joinville – Photo : Laurent Paillier

Les autres articles du dossier sur le métier de chorégraphe :

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Une petite histoire du métier de chorégraphe

Doriane Foix — Wed, 10 Apr 2019 13:14:07 +0000

Au quotidien, vous cherchez des résidences, vous remplissez des appels à projets, vous imaginez votre prochaine création… Cette routine, c’est celle des quelques 3000 chorégraphes en France. Un métier à part entière. Sans le chorégraphe, l’écrivain du mouvement, il n’y aurait pas de chorégraphies, pas de ballets, pas de performances. Convaincue que le geste chorégraphique est créateur de valeurs, La Fabrique de la Danse aide chaque jour les chorégraphes à vivre de leur art et imagine des solutions pour les épauler dans leur travail de création. L’équipe accompagne de nombreux.ses chorégraphes aux esthétiques variées dans le lancement ou la poursuite de leur carrière, grâce à une large offre de formations.

Photographe : Romain Sanchez / Artiste : Marie Simon

C’est donc tout naturellement que nous avons souhaité dédier un dossier d’articles à la profession, en vous proposant des focus sur différents thèmes qui concernent le métier de chorégraphe encore trop peu connu. En quoi consiste le métier selon la chorégraphe et directrice artistique de La Fabrique de la Danse Christine Bastin ? Comment est-il rémunéré ou encore quelles seraient les compétences requises … ? Tous ces sujets seront abordés en mêlant à la fois regards et données pratiques pour mieux se repérer sur ce qui fait le propre de ce métier. L’esprit de ce dossier d’articles sera donc un mélange de points de vue subjectifs assumés, et d’éclairages historiques, économiques, parfois même juridiques sur la profession.

Mais avant toute chose, commençons par une brève histoire du métier de chorégraphe pour introduire notre dossier.

Quand le mot « chorégraphe » est-il apparu pour la première fois dans l’Histoire ?

Comme le dit Hélène Marquié dans son édifiant article « Du notateur à l’auteur : être chorégraphe au XIXe siècle« , le mot chorégraphe trouve au XIXe siècle son sens contemporain de « créateur d’oeuvres ayant la danse pour principal langage ». Néanmoins dès le XVIe siècle, des termes dérivés de « chorégraphes » et « chorégraphies » apparaissent, avec des significations différentes que nous leur connaissons aujourd’hui. Par cette interprétation, en 1588, paraît notamment l’Orchésographie de Jehan Tabourot, dit Thoinot Arbeau, chanoine de Langres. Ce dernier élabore dans cet ouvrage un système qui s’inspire de l’alphabet et de la métrique poétique et qui sert à décrire les danses en accompagnant les descriptions de notations musicales. A cette époque, le chorégraphe est donc plutôt un notateur qui permet de décrire, par écrit, la danse.

[thrive_lead_lock id=’17464′]Il en est de même au XVIIe siècle, siècle où comme l’indique la Grande encyclopédie Larousse Ed. 1971-1976 , « les ouvrages sur la danse et les ballets foisonnent : les auteurs décrivent, conseillent, donnent des recettes (Cesare Negri, Le Gratie d’amore, 1602 ; François de Lauze, Apologie de la danse et la parfaite méthode de l’enseigner, 1623 ; Saint-Hubert, la Manière de composer et de faire réussir les ballets, 1641). Maîtres à danser français et italiens apprennent, transmettent, inventent des danses et des ballets. L’épanouissement du ballet à l’époque de Louis XIV amènera certains compositeurs de ballet (chorégraphes au sens moderne) à rechercher un mode de transmission écrit d’une structure chorégraphique. Cependant nous constatons là encore, et ce, jusqu’à la deuxième moitié du XVIIIe siècle, le terme chorégraphe n’a pas encore son sens moderne. Ainsi J.G. Noverre écrit en 1760, dans sa 13ème Lettre sur la danse et les ballets, que « La chorégraphie [dont vous voulez que je vous entretienne] est l’art d’écrire la danse à l’aide de différents signes, comme on écrit la musique à l’aide de figures ou de caractères désignés par la dénomination des notes ». Par extension, si la chorégraphie est l’écriture de la danse, le chorégraphe est à cette époque celui qui écrit ou transcrit les ballets.

A cette époque, ce statut ne confère donc pas de reconnaissance symbolique du droit d’auteur, au chorégraphe. Comme l’indique Hélène Marquié, il faut attendre « la seconde moitié du XIXe siècle pour que la jurisprudence établisse la possibilité de percevoir un droit d’auteur pour la création d’un mouvement original. Le premier jugement retrouvé date du 11 juillet 1862 ; le Tribunal Civil de la Seine condamna Madame Petipa pour avoir, malgré l’interdiction de Jules Perrot, dansé un pas que le chorégraphe avait créé à Saint-Pétersbourg ». Ainsi depuis cette fin du XIXe siècle, les chorégraphes peuvent désormais déposer leurs œuvres à la SACD. Parmi ces premiers chorégraphes-auteurs, Hélène Marquié rappelle à juste titre qu’il n’y avait pas que des hommes, même si les femmes restaient très minoritaires dans la profession. Même si l’Histoire de la Danse ne les a malheureusement pas toutes retenues, Françoise Prévost (1681-1741) était l’une de ces chorégraphes pionnières, toute comme Marie Sallé (1707-1756), Fanny Cerrito (1817-1909) ou encore Marie Taglioni (1804-1884) [NDLR : retrouvez notre article sur les 6 femmes chorégraphes que vous ne connaissez peut-être pas ici !]

Au XXe siècle, l’Histoire de la reconnaissance du métier de chorégraphe comme véritable artiste-auteur, et plus seulement comme notateur, s’est bien sûr poursuivie. Comme l’indique l’encyclopédie Larousse, « Le chorégraphe, technicien de l’écriture de la danse, est donc devenu un notateur, alors que le compositeur de ballet conserve, lui, le titre de chorégraphe. Serge Lifar a suggéré à plusieurs reprises le terme correspondant de « choréauteur », que peu de contemporains emploient ». Quoi qu’il en soit, il faut retenir que malgré les tribulations de l’Histoire, le sens moderne que nous connaissons du métier de chorégraphe est hérité de la fin du XIXe siècle. Le dictionnaire de la langue française d’Émile Littré (1872-1877) donnait la définition suivante du métier de chorégraphe : « compositeur de ballets, de pas de danse. » Aujourd’hui, on peut lire sur le site de la Cpnef : sv (Commission paritaire nationale emploi formation spectacle vivant) que le.la chorégraphe est défini.e comme suit : « Le·la chorégraphe est un·e artiste qui met en forme en un langage chorégraphique une œuvre de l’esprit. Il·elle prépare, dirige et coordonne, directement ou indirectement, le travail de l’équipe qui concourt à l’élaboration et à la présentation d’un spectacle ».

Après ce bref tour d’horizon historique du métier de chorégraphe, le prochain article de notre dossier consacré aux chorégraphes laissera la parole à Christine Bastin, qui nous exposera son point du vue sur une vaste question : en quoi consiste exactement le métier de chorégraphe ?

Les autres articles du dossier sur le métier de chorégraphe :

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