En cette rentrée, pensons à notre équipe ! Vous devez recruter ? Voici quelques conseils pour réussir votre recrutement !

Photographe : Emmanuelle Stäuble

1. Déjà, pourquoi recruter ?

Dans quels cas recrute-t-on ? Il est intéressant de se situer dans un des trois contextes suivants : quelqu’un part de l’équipe, à la retraite ou autre, il manque une compétence-clé à l’équipe pour avancer, ou alors on vit une période de croissance d’activité. Pourquoi est-ce important ? Car votre contexte va vous éclairer sur l’alternative au recrutement (former, externaliser momentanément, digitaliser, etc) et donc vous convaincre ou non de l’urgence de votre recrutement !

2. Connaître les difficultés du recrutement pour les déjouer !

Pourquoi le recrutement est un enjeu fort pour les petites ou très grandes équipes ? Car il y a quelques obstacles et sachez qu’un des plus courants est de chercher à recruter un mouton à 5 pattes… Vous voyez ce que l’on veut dire ? Ou bien que le recruteur manque de compétence en ressources humaines. En tout cas, ce n’est pas de se tromper, ni de tomber sur quelqu’un de malhonnête ou encore que personne ne veut travailler avec vous… N’ayez crainte ! Attention donc à mesurer votre exigence qui freinera le recrutement des futurs perles de votre équipe !

3. Bien comprendre son besoin en recrutement !

Le besoin de recrutement est-il fondé ? Est-il ponctuel ? Pourquoi souhaitez-vous recruter (cf point 1 !) ? Est-ce un remplacement suite à un départ ? Est-ce une création de poste pour absorber un accroissement de la charge de travail? S’agit-il d’un besoin permanent pour l’activité ? Quel est le volume d’heures ? Les compétences attendues ? La mission ? Et là attention de ne pas mélanger les choux et les carottes : Mission / Activités / Tâches dans la description du poste : la tâche est un travail précis à exécuter alors que la mission est une charge, un ensemble d’actions à mener afin d’atteindre des objectifs. Différentes activités participent à la même mission. Bref, bien structurer son besoin afin d’être clair pour notre futur candidat et surtout l’inspirer par sa mission et pas par les tâches !

4. Connaître les 3 catégories de compétence pour décrire votre candidat idéal !

Alors ? Sauriez-vous nommer les 3 grandes familles de compétences ?

Ce sont les Savoir, les Savoir-faire et les Savoir-être. Le premier relève plus de la connaissance technique par rapport à un domaine, le second de la maîtrise d’une activité métier, et le dernier d’attitude ou comportement professionnels. Quand vous décrivez votre candidat idéal, pensez bien à ces trois catégories, car elles sont toutes importantes. Par exemple : bonnes connaissances juridiques dans la production du spectacle vivant, maîtrise du suivi budgétaire d’une création, et optimisme sont trois compétences respectivement de ces trois familles.

5. Prévoir les grandes étapes de son recrutement en amont !

De la rédaction de la fiche de poste, jusqu’à la sélection du candidat, en passant par des séries plus ou moins longues et variées d’entretiens d’embauche, déterminer vos étapes en pensant bien à prévoir le temps que vous donner pour chacune de ses phases. Pensez à bien intégrer le temps pour les feedbacks au candidat, et surtout bien informer celui-ci du processus de recrutement que vous avez défini. Cela leur permet de mieux se préparer et de passer un meilleur moment avec vous. N’oubliez pas que c’est stressant d’être de l’autre côté du bureau alors soyez humain !

6. Connaître les biais en entretien

Savez-vous que nous, les humains, avons des biais lorsque nous observons quelqu’un ? Les connaître, c’est lutter contre : stéréotype, projection ou encore biais de récence (quand on a tendance à préférer quelqu’un juste parce que c’est le dernier que l’on a vu !)

Alors maintenant à vous de jouer et bon recrutement à vous !

Et pour approfondir le sujet, participez à notre formation « Développer ses compétences managériales et diversifier le modèle économique de sa compagnie » !

Vous le savez, en mai dernier nous devions ouvrir les portes de l’auditorium du Carreau du Temple, pour la 5ème Soirée des Chorégraphes. Même si celle-ci aura finalement lieu en mai 2021 lors d’une semaine rassemblant les spectacles des deux promotions 2020 et 2021, nous vous proposons d’écouter les spectateurs fidèles, pour ne pas dire addicts, qui ne manqueraient cette Soirée sous aucun prétexte !

Interprète : Smaïl Kanouté – Extrait : Les actes du désert, de Smaïl Kanouté – Photo : Emmanuelle Staüble

C’est quoi pour toi une Soirée des Chorégraphes ?

“C’est comme un brunch : il y a du sucré, du salé, du chaud du froid, et surtout pour tous les goûts ! “ nous décrit de manière étonnante Vincent un abonné présent !
“C’est l’occasion de découvrir des styles radicalement différents, et super engagés. Et d’avoir des nouvelles de la Fabrique de la Danse ! Je n’en ai pas loupé une seule.
« Ne le dites pas mais j’aurais été absent en 2020 pour le mariage de mon frère, donc j’ai l’occasion de pouvoir rester détenteur du grand chelem » en rit, Martin spectateur fidèle de la soirée.
“Pour moi c’est un moment unique et très inspirant, où on voit plein de jeunes chorégraphes exprimer tout leur talent et leur originalité “ décrit Marine qui a redécouvert la danse contemporaine avec les Soirées de La Fabrique de la Danse.
Pour Philippe, la Soirée c’est “un temps fort de La Fabrique de la Danse, une fête, des retrouvailles, un challenge et un aboutissement. C’est comme une revue, on voit défiler beaucoup de choses différentes et variées, qui nous en mettent plein les yeux.
Ce que j’aime c’est voler des instants en plein travaux de créations, même si l’œuvre complète n’est pas finie, la soirée nous offre des points de vues courts sur le travail d’un artiste.”
Pour Nicole ce qui l’intéresse c’est de “voir le résultat du travail de chorégraphe pendant un an et de découvrir des jeunes. Car sinon j’irai toujours voir des chorégraphes connus anciens que je connais bien !”

Quand tu sors de la Soirée des Chorégraphes, comment tu te sens ?

“Je me dis qu’il faudrait que j’aille plus souvent voir de la danse “ réalise Martin.
“ Quand je sors je me sens différente. Souvent ça m’a ému, j’ai besoin de debriefer avec mes amis pour mieux comprendre ou exprimer les choses qui m’ont touchée et pourquoi pas d’autres” dit Marine. Vincent rejoint cette envie d’échange, car lui a la sortie il se sent… bavard ! “Les débriefs sont importants. Qu’est-ce qu’on a aimé ? Qu’est-ce qui nous a ému ? Qu’est-ce qu’on a compris ?”
“Je me sens toujours bien quand je vais voir un spectacle de danse. Ça me rend heureuse, détendue, de voir des mouvements, ce qui sort comme énergie. Ça permet d’oublier beaucoup de choses et de me consacrer à ce que je vois sur scène “ confie Nicole.
“J’ai vécu plein de choses, j’ai eu plein de sensations différentes : émerveillement, choc, des étonnements comme – Mais qu’est-ce que je viens de voir ?-, des étoiles, des interrogations “ ajoute Martin
“Moi je suis toujours satisfait, très heureux, je ne m’ennuie jamais, et j’ai même parfois été frustré parce que c’était trop court. Mon état intérieur est joyeux.” nous explique Philippe qui avoue être amateur éclairé. Il ajoute : “À la soirée je suis toujours émerveillé et touché de voir tous ces gens qui donnent leurs tripes pour faire des trucs et qui y croient, ça me touche beaucoup : chorégraphe ce n’est pas un choix de métier facile- de voir que c’est tellement essentiel pour eux qu’ils ou elles ont besoin de le donner et de le montrer. En termes d’émotions c’est ce qui est le plus fort pour moi“.
Frederic à la sortie a lui l’impression “ d’avoir exploré le futur chorégraphique “.

Pourquoi tu recommanderais à un ami qui ne connaît ni la danse, ni La Fabrique de se rendre à la Soirée ?

“C’est le meilleur moyen de découvrir ce qu’est la danse contemporaine et de l’aimer. Car tu découvres éventail de dix styles et d’univers différents” Martin qui emmène chaque année d’autres copains.
Marine le fait, elle l’a déjà recommandé ! “C’est un super moment même si on connaît pas bien la danse surtout pour l’émotion que cette Soirée dégage. »
“Au pire on peut ne pas tout aimer” précise Frédéric en riant et ajoute “Pour moi il faut y aller car c’est comme le fil d’actualité de la danse”.
“J’ai déjà ramené du monde !” nous affirme Phillippe, “la Soirée donne un large aperçu d’un tas de courants de danse contemporaine, et ça donne des pistes pour exercer son sens critique. On peut dire, même quand on y connait rien, ça j’ai aimé, ça j’ai décollé, ça j’ai rien compris” Se faire une idée de ce qu’on aimerait revoir, voir plus ou pas du tout voir, c’est très intéressant. “Tout est pensé de manière inclusive, qu’on soit expert ou novice“ confirme Vincent.
Nicole s’exclame d’abord : ”Déjà pour soutenir La Fabrique de la Danse et les chorégraphes de l’incubateur ! “ Puis elle ajoute, “pour les gens qui connaissent la danse et qui aiment la danse ça leur permet de voir un petit peu autre chose : ce que les jeunes chorégraphes développent. Souvent je trouve que ça ne bouge pas assez, par rapport à des chorégraphies que j’aimais quand j’étais jeune. Mais la création contemporaine a beaucoup évolué, c’est l’expression d’une réflexion, d’un sentiment que l’on veut illustrer. Je pense que c’est intéressant quand on aime la danse d’aller voir ces propositions.
Et si on ne connaît pas la danse, la Soirée est une façon de découvrir la danse et le métier de chorégraphe par des spectacles qui sont plus accessibles car plus proches de la génération actuelle.”

Si je te demande de penser à une image du plateau de ces Soirées des Chorégraphes qui t’as marqué depuis 5 ans, tu me dis ?

« Je me souviens d’un jeu de miroir qui tournait qui m’a tout de suite touchée en début de spectacle. »
« Je me souviens d’une femme très drôle et très théâtrale »
« Je pense toute de suite à Princeville , j’ai rarement vu une personnalité habitant une planète aussi lointaine. »
« Je me souviens d’un duo qui nous a laissé tous tellement suspendu à leur mouvement minimaliste très rapproché.On aurait rêvé que le temps s’arrête pour découvrir les minutes qui suivent leur éclosion »
« Je me souviens d’un duo qui nous a laissé tous tellement suspendu à leur mouvement minimaliste très rapproché.On aurait rêvé que le temps s’arrête pour découvrir les minutes qui suivent leur éclosion »
« J’ai un flash récurrent : j’aime beaucoup les bons mots et le discours de Christine Bastin, à chaque fois elle est attendue pour nous ouvrir aux univers du spectacle ! »
« Je me souviens d’une chorégraphie , et d’un danseur sur scène qui dansait devant une projection vidéo orange et beige. Et alors je m’en souviens parce que sa chorégraphie était super belle. Ça me faisait penser au désert… et au bout d’un certain temps je me suis dit c’est pas possible c’est quelque chose que je connais dans mon métier. Et en fait c’était devant une vidéo de recomposition du soleil par satellite ! Et il dansait devant. C’était très très beau et ça m’a marqué ! Après il se trouve que je connais le chercheur qui a fait la vidéo ! Il travaille à l’université d’Orsay, ou il y a un conservatoire de région qui est sur le site du Campus, et ce chorégraphe a dû être dans ce centre où les chercheurs avaient travaillé avec des danseurs et chorégraphes dans un projet science et Art. »
« Les valises! »
« Un sketch en trio, une sorte de théâtre de Polichinelle »
« Une œuvre finale avec l’intégralité des danseurs qui se mettent à défiler sur de la techno allemande, c’était incroyable »

Et pour nous aider à offrir 21 chorégraphes au grand public sur un plateau en mai 2021, rendez-vous sur la page de notre campagne de crowdfunding

Du déhanché d’Elvis Presley dans une prison aux mouvements iconiques de Beyoncé dans Single Ladies, la danse a toujours été liée à la musique dans de nombreux clips. Alors, dans une humeur estivale, voici une courte sélection de quelques clips dont on se rappelle la musique… tout autant que les mouvements !

Photo : Extrait de Room with a View, Rone

Thriller, Michael Jackson – chorégraphié par Michael Peters et Michael Jackson

Comment parler de danse dans les clips sans aborder Thriller ? Ce clip de plus de 13 minutes, le plus cher de l’histoire de la musique à sa sortie en 1983, a été chorégraphié par Michael Peters et Michael Jackson. Il est conservé à la Bibliothèque du Congrès des États-Unis pour son « importance culturelle, historique ou esthétique ».

Around the World, Daft Punk – chorégraphié par Blanca Li

Quoique atypique dans cette sélection, le clip des Daft Punk n’en est pas moins iconique ! Réalisé par Michel Gondry, le clip veut changer la manière d’introduire de la danse dans les clips, notamment en évitant les plans serrés pour ne pas dénaturer la chorégraphie, selon les mots du réalisateur. Michel Gondry a fait appel à Blanca Li pour la chorégraphie.

Free Yourself, Chemical Brothers

Les corps ont disparu, ce sont des robots qui s’expriment par le mouvement, dans ce clip futuriste. Réalisé par le duo Dom&Nic, ce clip illustre la question suivante : “Pourquoi l’intelligence artificielle aurait-elle une réaction différente en découvrant la musique et la danse pour la toute première fois ?”. Résultat : des androïdes déchaînés sur la musique.

La Vita Nuova, Christine and the Queens, chorégraphié par Ryan Heffington

Réalisé par Colin Solal Cardo, ce court-métrage de 13 minutes fait passer la chanteuse dans plusieurs univers, avec l’Opéra de Paris pour toile de fond. La chorégraphie est de Ryan Heffington, serial choreographer, puisque c’est lui qui a fait plusieurs clips de Sia, dont Chandelier, mais aussi les clips de Florence and the Machine, Arcade Fire, ou Sigur Ros, mais aussi la publicité Kenzo World.

Room with a View, Rone, chorégraphié par (La)Horde

« J’aurais aimé être danseur parce que c’est un art très intime. Ce sont des gens qui remuent leur corps devant d’autres gens. (…)J’avais envie depuis longtemps de faire quelque chose en rapport avec ce domaine. » disait le musicien Rone dans le magazine Trax. Aucune surprise alors que cette collaboration avec le collectif (La)Horde, qui s’étend au-delà du clip puisque l’album avait été composé pour le ballet Room with a View, avec le Ballet National de Marseille et le Théâtre du Châtelet.

Bon, vous vous apprêtez à mener à bien un projet de spectacle et vous vous demandez comment ne pas exploser en plein vol avec l’accumulation de toutes les choses importantes et techniques auxquelles penser . Voici les 5 questions à se poser avant de vous embarquer dans cette joyeuse machine de la production d’un spectacle…

Artiste : Compagnie Carbone – Photo : Emmanuelle Stäuble

De quelles compétences ai-je besoin pour cette « prod » ?

Une question importante à se poser : est-ce que j’identifie des grandes activités, des grandes étapes où j’aurai besoin d’aide ? Par exemple, si vous n’avez pas du tout d’expérience dans la mise en lumière de votre spectacle, peut-être faut-il anticiper comment obtenir cette compétence. Si votre projet nécessite une scénographie numérique, ou encore si vous souhaitez développer des partenariats avec des établissements privés en lien avec votre thématique de création il vous faudra quelqu’un d’expérience. Chaque projet à ses spécificités et convoque ainsi un paquet de compétences clés pour sa réussite ! À vous de les lister !

Quelle est mon équipe ?

Faites le tour des personnes impliquées ou à impliquer dans votre entourage : danseur.se.s, comédien.ne.s, circassien.ne.s, technicien.ne.s éclairagistes, compositeur.trice.s, videastes, chercheur.se.s, administrateur.rice.s, chargé.e de production, responsable presse, responsable mécénat… Ces personnes apportent-elles toutes les compétences nécessaires à la bonne production du spectacle ? Si oui, vous avez de la chance et il ne reste plus qu’à bien décrire le rôle de chacun. Si non comment combler ce manque ? En vous formant ? En sollicitant cette compétence chez une personne en freelance de manière ponctuel ? En recrutant une personne ? A vous d’écrire votre organisation !

Comment anticiper ?

Le mot d’ordre : projeter ! Non pas une vidéo, même si cela peut faire un merveilleux élément scénique mais plutôt l’avenir Ou plus précisément le temps ! Il est très important de projeter la production d’un spectacle dans un calendrier annuel ou triannuel (selon l’ampleur du projet). On reste dans les grandes lignes ! Pas besoin d’être trop précis pour commencer mais découper la production en grande « phases » qui se suivent selon un ordre logique et poser des jalons pour l’accomplissement de ces étapes.

Quelles instances ?

Ou plutôt quel rythme ? Il faut vous demander à quelle cadence vous souhaitez faire avancer le projet et donc son équipe. Des rendez-vous mensuels pour dynamiser la production ? Ou plutôt un appel hebdomadaire ? Quelles sont les urgences ? Les personnes concernées ? Doivent elles se parler maintenant ? Toutes ensemble ? Par thématique ? C’est le début du pilotage !

Comment suivre tout ça ?

Plus votre équipe est grande (plus de 3 à 4 personnes), plus les outils de communication interne et de repartition des tâches seront primordiaux pour le bon déroulement de votre production : un bon document ou Excel bien imaginé peut convenir ou bien, ils existent des applications selon les goût et les couleurs : Asana, Slack, Trello, etc. Autre nerf de la guerre : le budget. Il est un des outils numéro 1 dans la production depuis le montage du projet jusqu’à son ultime réalisation du spectacle. Même avec le meilleur avion rien ne fonctionne sans pilote ! Alors à vous capitaine !

Vous avez encore envie de vous perfectionner en production ? Rendez-vous à la formation dédiée « Produire et financer son projet » !

«  Ha ! Mais moi je passe par une boîte de prod’ ! » Vous entendez souvent cette phrase mais vous vous demandez à quoi sert exactement un bureau de production. Cet article est pour vous !

Un bureau de production dans le spectacle vivant, peut prendre différentes positions au sein de votre vie d’artiste et de votre projet de compagnie.

Tout d’abord cette structure peut se nommer bureau de production, agence de production, maison de production, ou encore maison d’artistes, coopérative, accompagnement de projets artistiques, bureau d’accompagnement culture, société de production. Nous les nommerons ci-dessous « bureau ». A ne pas confondre avec des boîtes de production (comme dans le cinéma) et avec un agent d’artiste.

Elles s’organisent sous la forme associative, SARL ou d’une coopérative, et sont toutes des structures qui ont pour missions principales de fournir des prestations d’organisation et production, d’administration et de diffusion à la destination des artistes et de leur compagnie. Derrière le mot production se cache aussi la notion d’accompagnement au financement du projet artistique.

Chaque bureau de production définit ensuite ses missions d’expertise. De plus en plus de bureaux se positionnent ainsi dans le conseil stratégique et le conseil en communication, allant jusqu’à proposer des formations, l’organisation d’événements et des prestations en communication. Voici les différentes missions.

La mission de diffusion

Un bureau de production détient son propre réseau d’artistes et de lieux de diffusion. Ainsi, il se peut se positionner comme apporteur d’affaires en vous proposant des dates de diffusion dans son réseau artistique. En contrepartie, il prend un pourcentage sur le prix de vente de votre pièce. Finalement c’est la mission de diffusion de votre pièce qu’il intègre dans son travail. Un bureau ainsi positionné va sélectionner les compagnies pour la qualité de leur travail artistique et se met à la fois à leur service et au service de ses partenaires de diffusion. En effet, l’agence va fidéliser son réseau en proposant toujours des œuvres d’une exigence artistique fidèle à la ligne du bureau.

Développement et accompagnement d’artistes

Nombreux bureaux de production proposent de prendre en main le développement global du projet artistique et de votre carrière d’artiste. Ainsi des agences peuvent suivre le développement d’artistes et de leur compagnie de manière permanente (tout au long de l’année), ou bien au contraire travailler de manière ponctuelle (prestation à la journée). Vous définissez alors ensemble les missions précises sur lesquelles vous êtes accompagné(e) : gestion de contrat, stratégie de développement, outil de gestion personnalisé… Beaucoup d’outils bureautiques internes ou créés par la structure sont notamment mis à disposition de l’artiste.

Le bureau peut-être spécialisée dans un domaine : musique, cabaret, danse, théâtre, cirque, ou peut allier plusieurs domaines artistiques et gérer les partenaires associés en synergie. En tant que chorégraphe, vous pouvez choisir un bureau dédié à la danse mais ce n’est pas obligatoire.

De même, vous pouvez choisir un bureau implanté dans une région spécifique dans laquelle vous souhaitez déployer votre spectacle et l’action de votre compagnie. Au contraire vous pouvez tout à fait postuler pour des bureaux loin de chez vous, qui axent leur choix sur l’artistique plutôt que la proximité des compagnies.

Quelques exemples :

• Le Trait d’Union agence spécialisé en diffusion dédiée à la danse
• In8circle bureau spécialisé dans le domaine du théâtre, de la danse et du cirque
• A I M production diffusion et accompagnement global de l’artiste
• MITIKI société de production spectacle vivant, image et musique
• PLATO
• La Magnanerie, bureau de production pluridisciplinaire basé à Paris
• Bureau Formart, bureau de production et d’accompagnement d’artistes confirmés et émergents en France et à l’international
• [H]ikari, bureau de production et de diffusion de projets chorégraphiques
• BoomStructur, pôle de recherche et d’accompagnement à la production et la diffusion pour jeunes créateurs en arts de la scène.

Vous voulez comprendre la production de spectacle et son financement ? Participez à notre formation « Produire et financer son projet » !

Vous voulez recruter un stagiaire pour renforcer les ressources de votre compagnie ? Première étape : la fiche de poste. C’est essentiel de donner un cadre et une mission avec un périmètre bien délimité à votre futur stagiaire. C’est ainsi qu’il sera capable d’apprendre, de progresser et de s’épanouir au sein de votre compagnie ! De plus vous allez prévoir d’autant mieux comment il s’intègre, fonctionne et donc sera utile au sein de votre équipe et vous serez heureux de l’aide qu’il peut vous apporter !

Photo by Andrii Podilnyk on Unsplash

Une Fiche de poste : Kesako? 

Globalement ça ressemble un petit peu à ça. La fiche va dire QUOI ? QUI ? QUAND ? OÙ ? Et même POURQUOI ?

On retrouve ici encore notre méthode des 5W :  what-who-when-where-why

Tout d’abord déterminez La Mission

Donnez un peu le contexte de la mission : « Compagnie qui existe depuis x temps, qui fonctionne comme cela, et poursuit un but plus général qui est celui ci ». Citez les grandes projets ou activités actuelles concernées par l’offre de stage : « La compagnie crée et diffuse deux pièces actuellement qui sont Projet X, et Projet Y, et mène un grand projet de sensibilisation à la danse auprès de telle ou telle établissement. » Ensuite vous rédigez la mission en tant que telle. Attention à commencer chaque point de la mission par des verbes d’action comme par exemple : « Assister la directrice artistique dans la gestion des planning et des résidences ; contribuer au pilotage administratif et financier de la structure par l’élaboration et le suivi d’outils de gestion ; piloter ; développer, etc

Il peut y avoir 3 à 8 gros points différents en fonction de l’ampleur de la mission et du niveau de détail que vous donnez à ce moment-là.

Identifiez le tuteur, la personne de l’équipe permanente à qui va se référer le stagiaire

En fonction de votre organisation et des personnes permanentes au sein de votre compagnie vous allez devoir choisir un tuteur. En général nous nommons comme tuteur le manager de ce stagiaire. Celui qui encadrera sa mission, qui pourra lui faire des retours au fur et à mesure de ses avancées et qui pourra lui déléguer différentes actions.

Il faut choisir quelqu’un de disponible pour former le stagiaire et qui pourra être au maximum à ses côtés en lien avec ses missions.

Exemple : « Le.la stagiaire Chargé.e de production référera à la Directrice artistique ». Ou encore « Le.la Stagiaire Chargé.e de mécénat reportera à la responsable Mécénat ».

Déterminez le profil du candidat que vous cherchez à recruter !

Et oui ! Cela vous semble peut-être du luxe mais c’est en fait primordial de clarifier les compétences et les acquis attendus chez votre candidat. D’abord ça vous permettra de créer une mission réaliste avec un profil d’étudiant compétent. Ensuite ce sera aussi un bon moyen pour les candidats potentiels de s’identifier ou non à votre offre de stage.

On précise donc :

• Le niveau d’étude requis. Exemple : « Bac+2 / Bac+4, Licence, Master,… » Et vous pouvez même préciser le domaine : « Master en gestion / administration culturelle, etc. »
• Les grandes qualités qui sont particulièrement souhaitées pour le poste. Par exemple : « rigueur, bonnes capacités analytiques, esprit de synthèse et autonomie ; capacités organisationnelles, curiosité et proactivité ; bon relationnel et aisance à l’oral »

Vous pouvez ajouter des savoir-être qui sont proches des valeurs de votre équipe et de votre compagnie : « esprit d’équipe, capacité à s’automotiver et à être proactif ». Vous donnez ainsi par la même occasion un peu l’esprit de travail que le candidat pourra vivre chez vous Si vous pensez à une expérience passée qui serait un plus pour prendre le poste de stage vous pouvez ajouter : « Une première expérience en production et administration sera appréciée » ou encore « Une première expérience au sein du spectacle vivant sera appréciée. » Enfin précisez bien si vous avez des attentes concernant la maîtrise de certains outils bureautique ou autre logiciel très spécifiques : Pack Office (Excel, Powerpoint) ou bien plus spécifique comme PhotoShop, Final Cut ou encore si vous utilisez un logiciel particulier pour le CRM les bases de données vous pouvez le préciser.

Précisez les détails pratiques de l’offre de stage

• La période de stage : il faut que vous disiez la période sur laquelle vous avez besoin de ce stagiaire. Et si celle-ci n’est pas précisément déterminée, exprimez alors la longueur du stage souhaitée : 6 semaines, 2 mois , 4 mois, 6 mois, etc. Par exemple : « 6 mois, à partir de janvier 2020 », « de janvier à juin 2020 » ou encore « dès que possible pour une durée de 6 mois ». Attention : La durée maximale d’un stage en cumulée est de 6 mois ou 924 heures
• Le rythme du stage : Précisez le nombre de jours ou d’heure par semaine, si c’est 5 jours (35 heures) par semaine ou bien 3J par semaine de manière alternée etc.
• La gratification du stage : donnez le montant de la gratification mensuelle que vous proposez. Indiquant par exemple combien le stagiaire va recevoir par mois (ou bien à l’heure). Attention la gratification minimum pour un stage de 2 mois est de 4,35€ de l’heure.
• Le lieu de stage : l’adresse du bureau où il sera accueilli, ou a minima la ville.

Et pour finir ?

Enfin, indiquez ce que vous attendez du candidat pour postuler comme par exemple : le CV une Lettre de motivation.

Pour faciliter la projection des candidat·es, il peut aussi être important de clarifier le calendrier du recrutement : jusqu’à quelle date peuvent-ils·elles postuler, à quel moment auront lieu les entretiens, et quand une réponse sera donnée. Cette temporalisation renforce la transparence et la qualité de la relation dès le départ.

Il n’y a plus qu’à ! Bon courage dans vos recrutements et n’oubliez pas de signer une convention de stage une fois votre heureux.se candidat.e sélectionné.e  

En savoir plus sur le recrutement et la meilleure manière de développer votre compagnie ? Participez à notre formation « Recruter et manager des équipes administratives et techniques, des interprètes et artistes »

La Fabrique de la Danse a participé au dernier court métrage de la 3e Scène de l’Opéra de Paris, réalisé par Jhon Rachid et Antoine Barillot !

Intitulé Le Fantôme, le film revisite le célèbre mythe du fantôme de l’Opéra sur un ton décalé à la manière d’un conte urbain, et traite avec humour la dualité entre l’univers des banlieues et de l’opéra, sans jamais se prendre au sérieux.

La Fabrique de la Danse a chorégraphié toutes les scènes de danse et dirigé les artistes Alexia Giordano, Jean-Baptiste Maunier et Jhon Rachid pour leurs scènes de danse. A découvrir sur le site de la 3e scène de l’Opéra de Paris ici !

• 2 nuits dans l’opéra
• 7 danseurs,
• 3 acteurs en mouvement,
• 1 chorégraphie de Christine Bastin

Merci infiniment à nos artistes et interprètes : Tess Blanchard, Anna Chirescu, Eva Assayas, Elsa Lyczko, Thomas Ballevre, Simon Feltz et Yoann Hourcade pour leur engagement physique et leur patience dans ces deux folles nuits de tournage !

Dotée d’un large réseau d’artistes, La Fabrique de la Danse conçoit et réalise des événements en mouvement pour les entreprises et les institutions, en créant des performances chorégraphiques innovantes pour la scène, la vidéo et les lieux insolites. Visitez la page Agence conseil en création et événement pour en savoir plus.

Il y a quelques semaines, La Fabrique de la Danse mettait en mouvement le public des trophées ESTP au Féminin : revivez cette soirée avec nous !

Video : Tournage ESTP

Mettre en mouvement et encourager la diversité

Pour la 4ème cérémonie de remise des trophées, le groupement ESTP au Féminin a fait confiance à la Fabrique de la Danse afin de concevoir et réaliser un happening chorégraphique à la hauteur des festivités.

Les femmes ingénieurs issues de l’Ecole Spéciale des Travaux Publics, du Bâtiment et de l’Industrie, exercent dans des activités allant du bâtiment à l’énergie, en passant par la finance et l’industrie. Elles ont récompensé à cette occasion 6 candidates parmi les 84 participants, mettant en valeur le travail des femmes du secteur et encourageant la diversité.

La cérémonie s’est déroulée dans l’auditorium de la SMA, Paris 15, où plus de 350 participants sont venus assister à la remise des prix, avec l’appui de sponsors comme Bouygues Construction, Eiffage, Enedis, Vinci et bien d’autres.

Soutenir les actions pour la mise en valeur des femmes dans le monde professionnel fait partie des missions portées par la Fabrique de la Danse, qui s’est enthousiasmée de mettre en mouvement le public de l’auditorium, guidé depuis sa place par les gestes et la parole de la chorégraphe Christine Bastin, directrice artistique de la Fabrique de la Danse.

Une performance participative inspirante et fédératrice au coeur de l’événement

La mise en mouvement des spectateurs crée un moment de partage et d’émotion unique, dans un format original et fédérateur qui s’inscrit dans l’objectif global de l’événement créateur de lien. Marquant les esprits, la performance chorégraphique agit comme source d’inspiration pour des actions nouvelles en faveur de la diversité et de la reconnaissance du travail des femmes.

Dotée d’un large réseau d’artistes, La Fabrique de la Danse traduit en danse la stratégie événementielle des entreprises et des institutions, en réalisant des performances chorégraphiques innovantes sur scène, pour la vidéo et dans des lieux insolites. Visitez la page Agence conseil en création et événement pour en savoir plus.

Ce mois-ci, propulsez votre projet de création en cours avec cette sélection d’appel à projets. À regarder sans plus attendre !

Photo : Adi Goldstein sur Unsplash

Danse Dense fait son Appel !

Vous êtes une compagnie professionnelle de danse contemporaine. Vous avez créé au moins une pièce chorégraphique, et au maximum quatre pièces. Et vous travaillez sur une nouvelle création et souhaitez présenter une étape de travail avant la création, devant des professionnels et du tout public. Danse Dense propose une visibilité de votre travail en cours lors d’une des 3 présentations organisées entre novembre 2019 et juin 2020 dans des lieux partenaires.
Il y a 3 à 4 compagnie présentant chacune 30 minutes et Danse Dense prend en charge une participation forfaitaire par compagnie de 2 cachets de répétition par personne au plateau.

• Date limite de dépôt : 17 mai 2019 (le dossier artistique de la création, le dossier de la compagnie, et 2 vidéos en ligne (avec mot de passe si besoin) du travail en cours (captation studio) et d’une pièce antérieure)
• Fiche de présentation complétée au format indiqué ici
• Plus de détails ici
• Fiche candidature ici

Aide à l’écriture 2020 au Phare CCN du Havre !

Le Phare attribue chaque année cinq accueils studio d’un montant de 9000€ et deux aides à l’écriture d’un montant de 4000€. À ces apports financiers s’ajoutent un temps de mise à disposition d’un studio de répétition, de logements et le cas échéant un accueil technique.

• Date limite de dépôt : 31 mars 2019
• Dossier : 1 dossier sur la compagnie et la création objet de votre demande, 1 budget prévisionnel, 1 calendrier de répétition, de création et éventuellement d’exploitation, les liens internet vers les captations vidéo de vos dernières créations, les calendriers de tournées 2017/2018 et 2018/2019
• Contact : contact@lephare-ccn.fr,  à l’attention d’Emmanuelle

Voyez la danse sous 2 Angles!

Une résidence de création proposée et soutenue financièrement par 2angles ! Situé dans des anciens ateliers de teinturerie au cœur du centre ville de Flers, dans l’Orne, 2angles est un espace de 400 m2 réunissant trois salles d’exposition, des ateliers d’artistes, un espace de documentation, une cuisine, des bureaux et des chambres. L’association dispose également d’un plateau de répétition et d’un appartement mis à disposition par la ville de Flers pour ses programmes de résidences. 2angles propose une résidence de création au compagnie de danse contemporaine ayant une affinité pour les arts visuels. Le jury offrira 10 à 20 jours de résidence avec un soutien technique, administratif et financier comprenant une bourse de 6000 € et l’hébergement et les repas jusqu’à 6 personnes. Leurs critères de sélection ? Avoir un projet de création en cours présentant un caractère innovant artistiquement, prévoir une démarche d’ouverture vers les publics  en prévoyant, avoir une Sensibilité une affinité ou même une curiosité pour les arts visuels.

• Date limite de dépôt : 13 avril
• Envoie à l’adresse suivante : relaisculturel.2angles@gmail.com
• Dossier : dossier de création de votre projet (démarche artistique, créations antérieures, curriculum vitae des artistes et interprètes…), fiche de renseignements, un budget prévisionnel du projet de création, le calendrier de vos diffusions au cours des 2 dernières années, et des visuels photo , teaser, et vidéos.
• Contacts : Jérôme Letinturier, directeur : jeromeletinturier@2angles.org et Ophélie Sicot, médiatrice et chargée du développement des publics : mediation@2angles.org

Pour développer davantage de connaissances et de compétences sur le financement de ces projets, participez à notre formation « Financer son projet » !

Contrairement aux idées reçues, la créativité n’est pas une qualité innée, mais une compétence que chacun d’entre nous peut développer. Pour son premier événement MoveUp RH, La Fabrique de la Danse convie quatre invités aux expertises complémentaires, qui vous permettront de découvrir de nouvelles approches pour développer la créativité de vos collaborateurs :

• Anaëlle Camarda, chercheuse en psychologie cognitive et neurosciences, spécialiste des processus neuro-cognitifs impliqués lors de générations d’idées créatives ;
• Christine Bastin, chorégraphe de renommée internationale et chevalier des Arts et des Lettres, qui partagera son processus créatif et ses outils pour nourrir la créativité de ses danseurs ;
• Vincent Barat, associé fondateur d’Akoya Consulting,  cabinet de conseil en stratégie dédié aux RH et Sandra Danan, chef de projet chez General Electric Healthcare, qui témoigneront de l’impact de la mise en mouvement  sur la créativité de leurs équipes.

Rejoignez-nous au Carreau du Temple le mardi 3 juillet à partir de 8h pour découvrir et expérimenter de nouvelles pratiques ! Cette rencontre se terminera par un échange informel autour d’un petit-déjeuner.