Vous avez bientôt une représentation prévue pour votre spectacle ? Voici quelques premiers conseils pour bien préparer son travail avec les régisseurs.

Photo by Paul Green on Unsplash

Connaître la salle

D’abord il faut déterminer les caractéristiques de la salle :

• les dimensions de la scène : quelle est l’espace occupable/visible ?
• la jauge : combien de personnes peuvent être accueillies dans le public ?
• les possibilités techniques : lumières, son, vidéo, etc.

Si vous en avez la possibilité, n’hésitez pas à visiter la salle en amont et à vérifier si le grill lumière à disposition est bien adapté à vos besoins et à rencontrer les équipes techniques.

Etablir et transmettre vos intentions

En amont de toute répétition avec les techniciens ou régisseurs, il vous faudra penser à produire et à envoyer :

• le plan feu
• la conduite son
• la liste des besoins scénographiques

Cela permettra aux régisseurs de s’organiser et de lever des points d’alerte pour ne pas vous retrouver face à un imprévu le jour J ! Réalisez également une feuille de route pour l’équipe technique et une pour l’équipe artistique à bien transmettre à chaque personne en oubliant pas de bien communiquer aux régisseurs les dates, horaires et lieux auxquels ils sont attendus, à imprimer en plusieurs exemplaires ! N’hésitez pas à y ajouter les coordonnées des personnes à joindre en cas de besoin.

Même si vous n’êtes pas au clair sur vos tops sons ou lumières, imprimez plusieurs exemplaires de “préconduite” qui pourront servir de support au régisseur.

Répéter votre déroulé

Si vous en avez la possibilité, demandez un temps juste avant la représentation (sinon plus tôt en amont, lors de votre visite de la salle par exemple) pour répéter votre travail technique et être au clair sur le planning de temps plateau avec les régisseurs. Cela permettra aux régisseurs de mieux caler leurs tops son et lumière et de bien connaître votre spectacle. N’hésitez pas à insister sur les points où vous auriez pu avoir des incompréhensions sur de précédents spectacles.

Vous préparer votre première ? Participez à notre formation « Initiation à la lumière » !

Avez-vous déjà fait appel au mécénat de compétence ? Ce dispositif est très utiles pour les pour les porteurs de projets ! Mathieu Davoust, responsable des partenariats et de la communication chez proarti et intervenant pour les formations de La Fabrique de la Danse.

Photo by Josh Calabrese on Unsplash

En quelques mots, qu’est-ce que le mécénat de compétences ?

Le mécénat de compétence est une forme spécifique de mécénat permettant à une entreprise de soutenir une structure d’intérêt général en lui mettant à disposition des collaborateurs sur leur temps de travail. Comme pour le mécénat numéraire (don financier) ou le mécénat en nature (don de matériel), l’entreprise peut bénéficier d’un avantage fiscal sur son don de compétences. Dans ce cadre, il s’élève à 60% du coût employeur du ou des collaborateurs sur la période de leur mise à disposition sur le projet. Ce qui est très incitatif !

Pourquoi avoir recours au mécénat de compétences et notamment en tant que porteur de projet ?

Dans le cadre des formations que nous animons avec La Fabrique de la Danse, nous insistons souvent sur l’importance du mécénat en nature et du mécénat en compétence. En effet, lorsqu’on pense mécénat, on pense la plupart du temps au mécénat numéraire en oubliant ces deux autres formes ! Alors qu’elles sont toutes aussi utiles pour un projet car, si elles ne font pas entrer d’argent sonnant et trébuchant, elles représentent des économies de dépenses parfois considérables. D’autant que le mécénat de compétence peut venir couvrir des besoins très variés, tant au niveau de la structure (par exemple : expertise comptable, conseils juridiques, création d’un site internet,…) qu’à l’échelle du projet lorsque celui-ci a besoin d’un appui spécifique. Bien que le mécénat de compétence soit encore moins développé que le mécénat numéraire, il est parfois plus intéressant pour les entreprises. Non seulement parce qu’il n’a pas d’impact sur la trésorerie, mais aussi parce qu’il permet de manière évidente d’impliquer les collaborateurs au cœur d’un projet d’intérêt général qui sort de l’ordinaire. Ce qui est bien souvent un des objectifs principaux des entreprises qui font du mécénat ! Pour la compagnie qui reçoit ce don, c’est aussi l’occasion de faire des rencontres humaines passionnantes et de bénéficier d’un éclairage différent sur son projet.

Comment mettre en place ce type de mécénat ?

De la même façon que les autres types de mécénat ! La première chose est de bien vérifier son éligibilité au mécénat. Il faut ensuite bien mettre au clair ses besoins et identifier les différents acteurs qui peuvent être contactés en construisant un outil ad hoc, par exemple un tableau de prospection. Les acteurs du mécénat de compétences sont les entreprises bien sûr, qu’il faudra généralement démarcher de manière directe. Mais aussi les fondations, dont certaines sont spécialisés dans le mécénat de compétences, auprès desquelles il faudra généralement soumettre sa candidature selon des règles précises. Ainsi, après avoir établi son tableau de prospection l’enjeu sera d’adopter une méthode de contact et de présentation de son projet la plus adaptée à son interlocuteur, faisant écho à ses enjeux, son histoire ou ses valeurs. Pour ce qui de la contractualisation, il est très important d’être le plus précis possible dans la convention signée avec le mécène en s’entendant notamment sur une procédure claire et contrôlable de la valorisation du don. Pour cela, il faut veiller à respecter les bonnes pratiques proposées par le Ministère de la culture.

Tous ces aspects juridiques, stratégiques et pratiques pour développer efficacement sa stratégie de mécénat sont abordés lors de la formation « Produire et financer des projets artistiques et chorégraphiques » !

Vous êtes chorégraphe, danseur, artiste du spectacle vivant ou encore musicien ? Vous êtes à la recherche d’une bourse, d’une résidence de création ou d’un moyen de promouvoir vos productions artistiques ? Cette sélection est faite pour vous !

Photo by Andre Hunter on Unsplash

Une plateforme pour les jeunes chorégraphes

Dans le cadre d’Open Space 9, L’Etoile du Nord propose à six équipes artistiques des résidences de recherche chez ses partenaires et une séance de travail au plateau dans le théâtre pour une diffusion en janvier 2021.

• Date limite : 22 février 2020
• Informations ici.

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Programme NOMADES

Afin de soutenir la création artistique et sa diffusion dans des espaces de nature, le réseau Nos Lieux Communs met en œuvre un programme de résidences multi-sites de création in situ pour des artistes professionnels. Le programme garantit un apport financier de coproduction jusqu’à 10.000 €, des accueils en résidence et un accueil en diffusion par au moins 3 structures membres du réseau.

• Date limite : 29 février 2020
• Informations ici.

Une compétition de duos

C’est la troisième édition du concours international de duos de Rotterdam, où les duos pourront gagner un premier prix de 100.000€, l’opportunité de chorégraphier pour différentes compagnies, ou bien des résidences de travail.

• Date limite : 1er mars 2020
• Plus d’infos ici

Un concours de chorégraphie

Choreography 34 est un concours international ayant lieu à Hannover. A la clé, des prix pouvant aller jusqu’à 6.000€ et 5 prix de production.

• Date limite : 15 mars 2020
• Plus d’infos ici

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Vous aimeriez répondre à ces appels à projet mais avez besoin de connaissances supplémentaires en gestion et en production ? Participez à notre prochaine formation « Produire et financer des projets artistiques et chorégraphiques »

Meet Felicia, a choreographer that participated in our 2019’s edition of Business and Creative Lab for Choreographers! 

Artist: Felicia Dotse – Photographer: Emmanuelle Stäuble

Can you introduce yourself and your work as a choreographer?

Hello, I am Félicia a french dancer and young choreographer living in Paris. I have mainly co-created urban choreographies for contests using a mix of hip hop, jazz/contemporary, salsa and waacking.

You decided to attend the international intensive program of La Fabrique de la Danse last year, what were you expecting?

At the moment, I have the idea of creating my own show and my own company. I did not have any knowledge on the side of how to create a choreography. So I was expecting to get some diverse tools for developing my project.

Can you tell us about your experience there with choreographers from other countries?

It was so great, I loved the multi-cultural part of this program. It made my experience richer from other ways of thinking and creating.

A few months later, what did you retain from it and how did it help your projects abroad?

I am still reflecting on how to realise my project and how it will be formed. A lot of details are taking shape little by little. The tools and information have helped me to get a great insight about what to do, where to start and how to structure my project.

Who would you recommend this summer intensive to?

I would definitively recommend this summer intensive to all the choreographers (with or without experience) because it’s given me such a great understanding about how my work is involved in the process.

Want to see how the Business and Creative Lab for Choreographers can help you? See the details of the program!

Actes if et le Théâtre aux Mains Nues s’associent pour rassembler des “bonnes adresses” pour des lieux de résidences en région parisienne.

Photo : Paroles de suie, Compagnie Incisive

Pour créer, il faut un peu (voire beaucoup) d’espace, et certainement que vous cherchez régulièrement des lieux de résidences… Actes if et le Théâtre aux Mains Nues vous filent un coup de main !

Créé en 1996, le réseau Actes if réunit 31 lieux artistiques et culturels indépendants en Île-de-France. Impliqués dans la création contemporaine, ces lieux défendent la diversité artistique et culturelle et veulent envisager l’expérience artistique en lien avec les différents acteurs et environnements qui l’entoure. Ce réseau permet de défendre la spécificité de ces lieux et de permettre une meilleur coopération entre ces lieux indépendants, tant sur le partage d’outils et de savoir-faire que sur leur processus de co-construction des politiques publiques.

Pour mieux accompagner les artistes et les compagnies, le Théâtre aux Mains Nues, plateforme d’essai du 20e arrondissement dédiée au théâtre de marionnette, et Actes if ont recensé à destination des artistes et des compagnies 38 lieux d’accueil et de résidences à travers les différents départements d’Île-de-France. Ils ne présentent pas l’annuaire comme exhaustif mais bien comme un “outil utile”. Pour chaque lieu répertorié on peut trouver les coordonnées du lieu, la liste des différents locaux disponibles et leurs détails techniques, ainsi que les différents appels à projets de résidence que ce lieu propose tout au long de l’année.

Vous pouvez consulter cet annuaire sur le site de Artcena, centre de ressources pour les professionnels des arts du cirque, de la rue et du théâtre.

Pour en savoir plus sur comment faire un appel à projets, participez à notre formation « Produire et financer des projets chorégraphiques et artistiques » !

Everybody wants to know how to prepare for an efficient day. The first thing to consider, especially when you do different activities, is to pick ahead the time slots for each type of work.

Artist: Lucile Rimbert – Photographer: Romain Sanchez

Creating a schedule

Before anything else we recommend that you choose the three most important tasks you want to achieve to be satisfied with your work at the end of the day: it will give you more visibility on how to create your schedule.

First, place the most important or time-consuming tasks, favouring the morning when it’s usually easier to focus, then insert easier or faster tasks. As the Jar of Rocks analogy explains, if you begin to plan with your small tasks (filling the jar with pebbles), it will be difficult to place the time-consuming tasks (the rocks) because you won’t have the necessary space.

Anticipate real breaks in the course of your workday, for instance by putting alarms, as suggested by the Pomodoro Technique here or here.

Always foresee more time than you think: the transition from one task to another can take more time, you can be interrupted, an urgent email can arrive, and so on.

If an objective or a task seems insurmountable to you or takes too much time, divide it in smaller tasks which will appear more practical and will be easier to place in your schedule. Our brains prefers an instant reward, that’s why we will tackle first quick and easy tasks and postpone tasks that doesn’t belong to this pattern. Dividing a task in clear and precise tasks allows you to put yourself in the best disposition to carry out the work.

Example: Recruit an employee = Create a job description + Write an advertisement + Publish the advertisement + Read the CVs + Interview the candidates + Choose an employee

The to-do list

The to-do list is an essential tool for your organisation. You can write it wherever you prefer: on a notepad, your smartphone, in your bullet journal, via an app, etc. Each person has its own system. The principal point is that the list have to be accessible all the time, because it will allow you to note down each new idea cutting off your reflection, by getting it out of your mind. The name of your task must beclearat a glance: it must not be longer than a sentence (this is not the place for details) and must begin by a verb.

For instance: Newsletter => Write/Proofread/Send/Monitor the March newsletter

Match a delivery date and a time scale to execute your tasks so you can have a more precise idea when you are scheduling. You can also link it to a field or use a colour coding.

Tasks examples:
Send the newsletter of my next show – 20 minutes – 03/02 – Communication
Calculate the costume budget – 2h – 14/02 – Budget
Prepare the meeting with the cultural centre – 1h – 25/01 – Outreach

Stay focused

You can switch off unneeded notifications of your smartphone and computer, or even put them in silent or do not disturb mode to focus on a more complex task. Don’t forget to keep your to-do list close to put down everything that could be a nuisance to your reflexion. Set up in a quiet place with the least distractions and interruptions possible.

The most important thing is to keep in mind that everyone function differently and that you have to try different techniques to find your rhythm and your organisation.

Want to learn more about how to organized your next choreographic project? Join us for our next Business and Creative Lab for Choreographers!

Vous êtes chorégraphe, danseur, artiste du spectacle vivant ou encore musicien ? Vous êtes à la recherche d’une bourse, d’une résidence de création ou d’un moyen de promouvoir vos productions artistiques ? Cette sélection est faite pour vous !

Photo by Andrei Lazarev on Unsplash

Une compétition à Valence

Le Festival 10 Sentidos organise un concours chorégraphique pour sa 9e édition. En présentant des pièces de moins de 15 minutes, les artistes pourront être sélectionnés pour gagner un prix de 2000€.

• Date limite : 27 janvier 2020
• Plus d’infos ici

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Culture à l’hôpital

L’Agence Régionale de Santé et la DRAC IDF renouvellent leur appel à projets du programme Culture et Santé pour soutenir les projets reliant les structures hospitalières aux structures culturelles de proximité.

• Date limite : 31 janvier 2020

• Plus d’infos ici

Résidence à La Villette

Le Théâtre Paris La Villette accueille des porteurs de projet en résidence dans ses locaux.

• Date limite : 3 février 2020
• Plus d’infos ici

Un chorégraphe pour Istres

La ville d’Istres recherche dans le cadre d’une résidence artistique au sein de la Maison de la Danse un artiste chorégraphique de la Région Sud associé à partir du mois de septembre 2020 (pour deux ans). En travaillant auprès des danseurs et publics de Coline et d’Istres l’artiste associé bénéficiera d’une subvention de 20.000€/an, d’un studio de travail et d’un logement lors des semaines de présence.

• Date limite : 15 février 2020
• Plus d’infos ici

Les deux appels à candidatures de La Fabrique de la Danse

Rejoignez l’un des deux programmes longs de La Fabrique de la Danse : l’incubateur de chorégraphes et le parcours Manager de Projets Chorégraphiques et Artistiques.

• Date limite : 13 février 2020
• Plus d’informations ici

Une résidence à Saint-Etienne

Les studios Dyptik lancent leur appel à résidences pour la saison 2020/2021 pour un accueil dans un espace de 450 m2 avec deux studios et hébergement.

• Date limite : 16 février 2020
• Plus d’infos ici

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Rencontre avec Viriginie Kahn, réalisatrice et formatrice pour La Fabrique de la Danse.

Artiste : Marion Parrinello – Extrait : La Louve, de Virginie Kahn

Vous êtes spécialisée dans le tournage de la danse : pourquoi cette envie de travailler avec des chorégraphes ? Qu’est ce qui vous inspire dans la danse ?

J’ai découvert la danse tardivement, vers 17 ans, et cela a été une véritable révélation, un véritable désir de vocation. Mais vu l’âge que j’avais, j’ai vite compris que mon avenir était ailleurs. J’ai donc abandonné cette idée, mais pas la pratique de la danse, ni le désir de continuer à travailler autour de la danse. Avant de réaliser des films avec des chorégraphes, j’ai d’abord été photographe spécialisée dans la danse. Le mouvement me fascine, ainsi que les différentes façon de le restituer. Mais autant la photo a tendance à figer le mouvement ou à le rendre abstrait, autant l’image animée permet de le sublimer. Je suis également particulièrement sensible à la poésie ainsi qu’à la sensualité qui émane des corps en mouvement.

Comment se passe un tournage avec un chorégraphe ? A-t-il des spécificités ?

Je travaille de différentes façon avec les chorégraphes. Cela peut être dans le cadre de captations. Dans ce cas, il s’agît surtout de valoriser le travail chorégraphique tout en restant aussi fidèle que possible à la création d’origine.

Cela peut également être pour des films qui seront projetés sur scène pendant une représentation. C’est un travail pour lequel le chorégraphe est davantage moteur puisque c’est généralement lui qui est à l’origine de cette demande. Ces films-là s’apparentent aux films d’art et sont donc très libres en terme de forme et de narration.

Et enfin, cela peut être dans le cadre de courts-métrages de fiction qui sont de ma propre initiative. Dans ce cas, mon désir est plutôt de raconter une histoire à partir du langage chorégraphique. C’est donc encore un tout autre travail. Dans ce cadre là, je travaille de deux façons différentes, mon propos n’étant pas de faire du film d’art, mais de la fiction : soit je décide de rester très fidèle à la création d’origine mais en l’imaginant dans un cadre différent de la scène, ce qui va demander un travail d’adaptation au chorégraphe mais qui reste généralement assez simple ; soit en utilisant la chorégraphie d’origine comme source d’inspiration d’un univers qui m’est propre. Dans ce cas, j’écris un scénario original, qui diffère du projet chorégraphique. Je suis donc amenée à demander au chorégraphe de retravailler sa partition en fonction de la nouvelle proposition.

La difficulté majeur à mon sens, réside dans le fait qu’il s’agît de créer des films muets qui soient aussi forts que des films avec dialogues. Ce que le corps raconte devient alors primordial.

Quels sont vos projets actuels ?

C’est cette troisième catégorie de films qui m’occupe beaucoup actuellement. La collection de courts-métrages Jardins d’illusion a été créée en partenariat avec La Fabrique de la Danse pour répondre à ce désir : trois courts-métrages sont actuellement diffusés en festivals, et un quatrième est en post-production, et deux autres sont en pré-production. Par ailleurs, je travaille actuellement à l’écriture de mon premier scenario de long métrage de fiction, dans lequel il y aura bien-sûr, quelques scènes dansées !

Viriginie Kahn vous transmettra ses techniques de tournage et son savoir lors de la formation « Chorégraphie à l’écran », en mars prochain !

Let’s meet with Alexandra, who participated at last year’s summer intensive!

Artist: Alexandra Lucia Vidich – Photographer: Emmanuelle Stauble

Can you introduce yourself and your work as a choreographer?

My name is Alexandra Lucia Vidich. Choreography and dancing to me have always been very much the same thing, as from a young age I always made dances in the living room of my parents´ home. It was not till later in dancing school that I learned these were two separate things. I have always been fascinated by public places as I love nature and history and spaces such as parks, rivers, cemeteries, and museums are close to my heart. Beginning in 2005, I began exploring the ideas of immersive and in-situ performance, later I danced for choreographers making this type of work and eight years later in 2013, I made my major choreographic debut with an in-situ work on a river in Philadelphia, USA. Presently, I explore immersivity outside the constraints of a physical site. I work with amateur performers and teach them dance and physical theater to give them tools to create choreographies and scenarios. Together we experiment with the audience and make choreographies to create an intimate experience. Intimacy is my preoccupation as a choreographer – first, it began with the river, how do I make them feel the river, they must be close to it and almost immersed in it, so I used boats as carriers for the audience. Now, I am preoccupied with the idea of close contact, how does the intimacy between the audience and the perfomer change their perspective of a work? In my choreography, I make a world for the audience to enter physically, pyschologically and emotionally.

You decided to attend the intensive program of La Fabrique de la Danse last year, what were you expecting?

I attended the La Fabrique de la Danse course because I had stopped presenting my work actively. One thing led to another but within a lot of successful projects that paid me, I lost my mission for why I created and eventually I did not want to do it anymore. It was great to be paid but I am not a business, I am an artist. I felt no flexibility in my career and that all my funding was tied to one project and no one cared about anything else I may have to say. It was rather frustrating. I experimented with commercial projects, received a contract to do a site commission with a site choreographer who I danced for and mentored me, and then was asked to leave the project. So I stopped presenting performance for about 1 year and took a break, still danced, traveled and did other jobs. I really was seeking support. What really attracted me about the program was the opportunity to receive a new perspective about dance and business apart from the US system I was taught in, and did all of my professional work in. I wanted to learn how European choreographers format their presentations, their budgets, their dossiers, and the approach. Also, at this point the choreographers support organization in Philadelphia, the city I had presented my professional work in had in had now been closed for 3 years for lack of funding. Thus, apart from discussing my goals with creative business people, I lacked a resource for my questions. I am happy to say that through the process of fundraising for this course, I discovered that patrons who followed me on my previous river projects would support me in an endeavor to study. I was grateful for their support and the opportunity to learn that they would follow me to other projects.

Can you tell us about your experience there?

The experience at the intensive was amazing. I really felt the team did a phenomenal job of weaving together a seamless week. They thought of everything from how you would arrive, to who would greet you, to getting there and becoming a group that could support each other immediately. So often our work as choreographers is solo, when we have the chance to thrive in a non-competitive environment it is rare and very cherished.

Looking back at the course, I think a lot about how to set up an experience that is as inviting for my audience as La Fabrique created for their choreographers. The attention to details, the foresight to think about how people create social connections that last, what an individual needs to understand in the metro enviroment of Paris they are entering as a foreigner, and what a choreographer would enjoy doing in their free time when not studying. During the course, I came away with strong memories from my time in Christine´s class. Her improvisation prompts were brilliant, she really understands tempo, timing, rhythm to allow the artist to find something new within themselves. It is rare you encounter this. Many choreographers teach but not many are as masterful as Christine. I wished I had kept all my notes but honestly the course just with Christine alone could be a course and in another week the business material. It felt like she could carry more time and that we could go deeper into our explorations with her.

A few months later, what did you retain from it?

I think the largest thing I took away from the business aspects of the course is how you think about yourself. Though, I had been paid for choreographing professionally for 10 years and presenting for 17 years, I still always said I am a dancer and choreographer. I am a dancing choreographer. I am an artistic director. I am an artistic and executive director. The only thing I ever wanted to be is a choreographer, but yet I continued to not give it the attention it demanded by my very title. I think Laure and Lucie made this quite clear in their presentation seminar. Just be a choreographer. Don´t undersell the statement by adding in more to it. It is implied that you dance by the very act of making dances. « Own it »

Who would you recommend this summer intensive to?

Thus, this intensive is for a choreographer ready to own it. At any stage of their career, a choreographer who wants to show up, be present and ready to develop their voice and the tools to make it a professional voice. It is not for a person who wants to be a choreographer but one who already knows they are a choreographer and is ready to go to the next step.

You also want to experience our summer intensive?

Cette année nous développons notre catalogue avec un nouveau parcours et de nouvelles formations. Venez découvrir un catalogue réimaginé pour vous.

Notre nouveau parcours

Vous êtes chorégraphe, artiste ou administrateur du spectacle vivant ? Perfectionnez vos compétences de porteur de projets avec les formations de notre nouveau parcours de Manager de projets chorégraphiques et artistiques.

Penchez-vous sur la conception et le montage de projets, les choix artistiques, le recrutement et le management d’équipes, la production et le financement et la communication et la diffusion : 5 blocs de formations qui vous permettront de travailler sur les différents rôles que peut avoir le porteur de projets, accompagnés par nos formateurs et leurs expériences multiples du spectacle vivant.

Pour animer ces formations, notre équipe pédagogique rassemble des personnalités aux parcours atypiques et hybrides, toutes dévouées à la création chorégraphique depuis plusieurs années. Elle s’appuie également sur un réseau d’experts, professionnels du métier et pédagogues, qui interviennent sur des sujets spécifiques. A leurs côtés vous acquérez de manière efficace les méthodes et outils adaptés aux spécificités du milieu culturel et nécessaires à la bonne réalisation de vos projets.Cette année un nouvel intervenant rejoint notre équipe : Jean-François Munnier, directeur et programmateur danse de l’Etoile du Nord.

Focus sur les outils

Vous souhaitez découvrir des outils pour être opérationnel rapidement dans votre organisation ? Grâce à l’expérience de nos formateurs vous pourrez découvrir en des temps courts des dispositifs concrets pour préparer vos demandes de diffusion et le calcul du budget de votre projet. Et pour mieux s’adapter à vos disponibilités, ces focus auront lieu sur des temps de week-end ou de vacances scolaires.

“C’était pour nous l’occasion de répondre à une forte demande de contenus hors périodes d’activité professionnelle pour des personnes qui portent des projets de création en parallèle de leur travail d’enseignement notamment” détaille Lucie Mariotto, Directrice développement et pédagogique de La Fabrique de la Danse

Coté Scène

Enfin, vous retrouvez les formations artistiques et technico-artistiques déjà présentes au catalogue comme Recherche et création chorégraphique, animée par Christine Bastin et ou encore Initiation à la lumière avec Emmanuelle Stäuble ou Scénographie et danse animée par Philippe Meynard. Retrouvez également nos formations experts : Intégrer les nouvelles technologies à sa création avec Jean-Marc Matos et Chorégraphie à l’écran avec Virginie Kahn. Si vous voulez en savoir plus n’hésitez pas à contacter Lucie Mariotto à formations [at] lafabriquedeladanse.fr.