Vous rêvez de briser les murs de la scène ? De défier les lois de la pesanteur ? De jouer au magicien ? Vous aimez l’étranger, le merveilleux, les illusions d’optique et la lumière ? Allez, arrêtons le suspens …votre curiosité est à son paroxysme ! Voici une sélection de courts-métrages et de clips, par Virginie Kahn, réalisatrice, dont le film La Louve a été primé aux Oniros Film Awards. Virginie Kahn est intervenante pour notre formation « Chorégraphie à l’écran public » et a d’ailleurs récemment créé en partenariat avec La Fabrique de la danse la chaîne Youtube « Jardins d’illusion », collection de courts-métrages réalisés en collaboration avec des chorégraphes.

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Ce film explore la mise en relation de l’espace : ici, une piscine vide et du mouvement.

Dirigée par Gerard Montero

Sink or swim

Le réalisateur Louis-Jack plonge dans l’esprit d’une femme aux prises avec une dépression. Le film s’inspire d’une peinture à l’huile de l’artiste irlandais du Nord Ian Cumberland, dans laquelle il se représente lui-même immergé, entièrement vêtu, dans un bain d’eau.

Dirigée par Louis-Jack / Chorégraphie : Charlotte Edmonds / Interprète : Francesca Hayward

Everything is connected

Ici la danse rencontre l’art pictural. A la Power Station of Art de Shanghaï, bâtiment qui servait autrefois de centrale électrique, les corps se mettent à bouger comme une peinture abstraite et interagissent avec les œuvres d’art suspendues.

Dirigée par Jim Demuth / Chorégraphie : la compagnie Shen Wei Dance Arts

Bandaloop Takes flight in Boston

Poésie des corps suspendus sur la façade d’un building de verre. Quand la danse devient aérienne et joue avec les reflets. Et on se sent léger, léger, léger…

Chorégraphie : Bandaloop

Wide Open

Dans ce clip, la danse et les technologies de motion capture s’adaptent parfaitement à l’écran.

Dirigée par Dom & Nic / Production : John Madsen / Chorégraphie : Wayne McGregor / Interprète : Sonoya Mizuno

Got to keep On

Les battles aussi peuvent être filmées, en voilà la preuve ! Grâce à la façon dont est tournée ce clip, le spectateur peut ressentir l’énergie des danseurs et les pulsations de leurs mouvements.

Dirigée par Michel Gondry et Olivier Gondry / Production : Raffi Adlan

Vous souhaiteriez en apprendre davantage sur la manipulation de caméra ? Savoir collaborer avec un réalisateur dans le cadre de captations et de teasers ? Participez à notre formation « Chorégraphie à l’écran » !

Détente, farniente, crème solaire… Voilà votre nouvel état d’esprit pour les semaines à venir, non ? Profitez d’un moment, entre deux parties de molkky ou de pétanque (chacun son camps), pour parcourir nos offres de formations de la rentrée 2019. Entre nos nouvelles formations et nos classiques, vous trouverez bien chaussure à votre pied ? (ou tong)

Photo : Emmanuelle Stäuble

Vous souhaitez vendre votre spectacle

Sensibilisés par les besoins quotidiens auxquels font face les professionnels de la danse, nous avons mis en place la formation « Vendre son spectacle », le 27 septembre 2019. Afin de vous accompagner tout au long de vos projets de création, nous avons fait le choix d’étirer notre pédagogie jusqu’à la vente de votre spectacle. De l’élaboration de la stratégie de diffusion à la prise de contact de vos prospects, cette formation d’une journée vous permettra de construire votre propre discours de vente de manière efficace.

Vous souhaitez éduquer au geste artistique

La danse est vectrice de développement individuel. C’est parce que nous avons observé les effets positifs qu’a le mouvement dans un cadre d’éducation artistique et culturelle que nous avons développé la formation « Réaliser un projet d’éducation artistique et culturelle autour de son travail chorégraphique ». Pendant deux jours, le 3 et 4 octobre 2019, Orianne Vilmer et Emmanuelle Simon vous transmettent, les savoir-faire et outils pour concevoir, piloter, animer votre projet d’éducation artistique et culturelle. Vous évaluerez ensuite les impacts de ce projet afin qu’il soit construit de manière pérenne et ainsi le faire rayonner.

Vous voulez mêler l’art au numérique

A l’heure où le numérique fait parti intégrante de notre quotidien, comment l’art réagit-il face aux enjeux provoqués par ces évolutions culturelles ? C’est parce que La Fabrique de la Danse est convaincue par la dimension artistique que peuvent offrir les nouvelles technologies pour vos créations, que nous avons développé la formation « Intégrer les nouvelles technologies à sa création ». Pendant deux jours, le 7 et 8 octobre 2019, Jean-Marc Matos, pionnier de la création chorégraphique numérique, vous transmettra des savoir-faire et un langage technique nécessaires à l’élaboration de votre projet artistique.

Vous souhaitez structurer votre projet

Construire sa propre compagnie est une étape importante dans la carrière d’un artiste. Afin que chaque professionnel de la danse puisse optimiser son temps en se concentrant sur son univers artistique, La Fabrique de la Danse a créé la formation « Structurer son projet de compagnie ». Pendant trois jours, du 16 au 18 octobre 2019, vous intégrerez les savoir-faire nécessaires à la gestion et à la direction d’une compagnie. A l’issue de cette formation, les compétences que vous aurez acquises, vous permettront d’évoluer vers un quotidien plus clair et structuré.

Vous souhaitez mettre en lumière votre art

Rêver sa création, poser les mots, la mettre en lumière. S’initier à la lumière, c’est offrir un écrin pour son travail de recherche et d’écriture chorégraphique. Pour que vous puissiez emmener le public jusqu’au bout de vos envies, La Fabrique de la Danse a conçu avec Emmanuelle Stäuble la formation « Initiation à la lumière pour les chorégraphes », qui aura lieu du 23 au 25 octobre 2019. Cette formation de trois jours, animée par l’auteure du TEC : guide Bilingue du régisseur en tournée, vous permettra d’acquérir les connaissances et le langage nécessaires pour penser l’éclairage de votre création et le communiquer à vos équipes techniques.

Vous cherchez à financer votre projet

La Fabrique de la Danse a imaginé pour les porteurs de projets chorégraphiques et artistiques, une formation de trois jours, du 18 au 20 novembre 2019, intitulée « Financer son projet artistique », au plus proche des questions que vous rencontrez sur le terrain. En partenariat avec proarti, cette formation vous propose d’élaborer et de mettre en place tous les outils nécessaires à la recherche de financements de projets artistiques et culturels, articulée autour des appels à projets, des subventions et du mécénat.

Vous souhaitez affiner votre écriture chorégraphique

Savoir qui l’on est, ce que l’on veut et quel artiste l’on est, est une étape primordiale de l’écriture chorégraphique. Partage, accompagnement, développement individuel sont, pour certains, les clés pour réussir à poser ses mots. Pendant 5 jours, du 9 au 13 décembre 2019, Christine Bastin vous accompagne dans un voyage de recherche chorégraphique pour approfondir votre écriture en tant que chorégraphe. La formation « Recherche et création chorégraphique » vous permet de travailler de manière individuelle sur votre écriture et de manière collective, par le partage de votre extrait chorégraphique au sein du groupe.

Découvrez l’ensemble de nos formations !

Rencontre avec Maxime Joret, de la promotion 2019 de l’incubateur.

Crédit : K. Limmany

Quel est ton univers chorégraphique ?

C’est avec ma création en cours, et donc depuis un peu plus d’un an, que je découvre plus clairement quelques traits de mon univers chorégraphique, qui s’avère cumuler les échos de mes différents parcours (théâtre, arts plastiques, psychanalyse, pole dance, danse contemporaine). J’ai ressenti le besoin de m’écarter de la pole dance en raison de son caractère trop gymnique afin d’explorer autrement le mouvement, notamment par la danse contemporaine. Je suis surpris de voir finalement la pole dance ressurgir aussi clairement dans mon travail par certains traits qui lui sont spécifiques. Il y a quelque chose de sensuel, de corps donné à voir, et à la fois quelque chose qui côtoie le corps martyr de l’acrobate, tant cette discipline oscille entre une fascination acrobatique, l’évocation d’un univers érotique et l’ingratitude de cette barre froide qui brûle et marque le corps. L’engagement physique de la chair et de la peau en pole dance rejoint mes affections pour des œuvres plastiques et performatives qui impliquent directement le corps de l’artiste (je pense à Trademarks de Vito Acconci par exemple). J’aime malaxer, caresser, triturer et approcher le corps par sa palette sensorielle – tantôt texture, enveloppe, matière malléable etc. Ce rapport au corps, je cherche à l’animer d’une jubilation qui résonne pour moi autour de cette question de l’au-delà, de la douleur, du plaisir qui l’emporte sur la douleur (très vive sur les agrès aériens). J’aime travailler sur cette relation du plaisir et de la mise à mal qui se côtoient lors de la performance aérienne. Je pourrais dire que je brode autour d’une barre, un univers charnel mû par une jubilation qui ne ferait pas l’économie d’une implication physique douloureuse.

Peux-tu nous dire quelques mots sur ta création en cours ?

Le Silence des Organes est une création pour 5 interprètes (dont moi-même), au plateau, que j’ai élaboré à partir du corps qui se fait entendre – littéralement, les articulations et cartilages qui craquent, le souffle de l’effort – et par des manifestations douloureuses. Je m’appuie sur une formule du chirurgien R. Leriche et reprise par le philosophe et médecin G. Canguilhem dans son ouvrage Le normal et le pathologique, « La santé c’est la vie dans le silence des organes ». Je souhaite donner à voir et à entendre un corps qui se manifeste au danseur, en étant « bruyant » – ne prenons-nous pas conscience d’une partie du corps lorsqu’elle nous est douloureuse et nous le fait savoir ? Cette pièce n’est pas une illustration de la douleur mais une convocation de deux dimensions du corps dansant : le corps-à-voir, objet de représentation, et le corps-qui-se-dit, medium parlant, matière qui s’exprime.

Quels ateliers as-tu prévu avec les danseurs de Danse en Seine ?

Je prévois un cycle construit autour des questions de sensorialité, de jubilation, d’implication charnelle et dermique. J’aimerais mettre en place une sorte « d’orgesse », orgie de tendresse. Nous traverserons la transformation du mouvement par la réception de la lumière, le goût, le toucher, l’odorat. J’amènerai les danseurs à étayer leurs qualités de mouvement au travers de ces espaces de délectation qu’ils ont tous, et de construire une relation de groupe soutenue par une exploration multi-sensorielle.

Pourquoi avoir rejoint l’incubateur de chorégraphes ?

J’ai rejoint l’incubateur parce que le chorégraphe, d’autant plus en début de carrière, doit élargir ses connaissances et compétences sur des champs très différents qui me rebutaient forcément un peu. Je suis venu chercher une capacité à approcher avec méthode, ces questions plus administratives, juridiques, comptables etc. Je souhaitais également rencontrer d’autres chorégraphes pour profiter d’une entraide et d’une possibilité de partager nos difficultés respectives car nous traversons tous.tes des problématiques similaires !

Découvrez tous les autres chorégraphes de la promo 2019 !

As we are currently getting ready for the second run of our summer intensive for choreographers in Paris, we are taking a second to look back on what our past trainees are up to now. Today we caught up with Leena Diab from Nazareth.

Photo: Emmanuelle Staüble

Leena Diab was born and raised in Arlington, Texas, USA. She began her dance training at the age of 3 at the Arlington YMCA. By age 6 she started dancing with Metropolitan Classical Ballet Company for 10 years and performed in many shows such as « The Nutcracker », « Creation of the World », « Firebird » and many others. She taught Pre ballet and Jazz at the company for two years as well. In 2008 she moved to Nazareth, Palestine and started working at Alamal Dance Organization while studying for her BA in dance at The Jerusalem Academy of Music and Dance. During these years she took many dance, movement, physical theatre and choreography workshops overseas and continues to look for new ways to gain more knowledge and inspire others through her love of dance.

Do you have any exciting news to share with us?

In October of 2018, I recently started a choreography project: « BETWEEN TWO WORLDS ». It is a student contemporary dance project/performance, based on intensive workshops which focuses on the process more than the product. The performance features 11 females dancers from Alamal Dance Organization in Nazareth, that were chosen during the audition in August 2018. The piece is choreographed and directed by the two artists /dancers Leena Diab, Nazereth and Ayman Safiah, Kufr Yassif, who both currently teach at the school. The performance is produced and sponsored by Alamal Organization. Our work touches on certain social issues women are facing these days and how they can find the courage to become more confident, stronger and freethinkers in this society or reality that they are living in. Women empowerment acts as a powerful tool against exploitation and harassment. This builds the confidence in their ability to take control of their own lives, develop their own identity and have their own voice in order to realize their full potential and in turn bring about social change. Also we focus on introducing new dance elements and techniques, which help the dancers explore, research and express with no limitation, in expressing anger, fear, confidence, love, acceptance of their own body and others differences. Our approach concentrates on giving the dancers the chance to think outside the box, to listen to their inner self and to use their bodies freely as an instrument to express the human psyche and condition without any limitations. We encourage the dancers to think about the topic assigned and how they can relate to it while thinking about the quality of movement in relation to the idea being expressed. We always approach the students by giving them tasks to allow them to participate in the creation of the project. As we focus on the process more than the product, meaning focusing on the varying techniques while allowing the dancers to explore and articulate what they want to say through movement, we are contributing to their natural growth and understanding of these young dancers in relation to defining their own identity. We believe that experimentation with different ideas within the confines of dance techniques, will better lead students to define and redefine new forms and ways of thinking, feeling and moving.

You followed the intensive program of La Fabrique de la Danse last year, can you tell us more about this experience?

In July of 2018, I was a part of the La Fabrique de la Danse business and choreography lab program. It was a very interesting and fascinating experience for me. Not only did I meet other amazing choreographers, it gave me so many tools to think about. I learned so much about how to run a business and how to have a successful career as a choreographer. One of my biggest challenges in this program was learning to let go and not be afraid to have simplicity in my movement as a choreographer. I also was faced with my fear of public speaking and having to present my work as an artist through words and not just through movement. I believe that this program gave confidence to go back home and start creating new projects. I really feel that I am now ready to take on any challenge that comes my way.

What are your next projects, your next challenge?

New projects? I am really focused right now on my recent project and seeing how I can develop it more and more and maybe after that I will think about creating new projects for the future. You can keep in touch and discover Leena work on Instagram or on Facebook

Are you interesting about this program? Come take part in our intensive « Artistic Business Lab »!

As we are currently getting ready for the second summer of our intensive for choreographers, called Artistic Business Lab, in Paris, we are taking a second to look back on what has become of our choreographers from last year. Today we asked Ioanna what her life is like.

Credit: Miguel Ângelo Afonso

Can you introduce yourself and your work as a choreographer?

My name is Ioanna Toliou. I am from Greece and I am a professional dance teacher. Apart from teaching I am passionate about creation and choreography. The last three years I have been primarily busy with creating pieces for festivals in Athens. My interest in the subject of my pieces is specifically human feeling and body movement in relation to space.

Do you have any news to share?

At this moment I am following a choreography course in Porto, Portugal. It is a 6 months intensive course in interpretation and choreography; and for the next months, my next project will be created and shown in Porto. I hope to see you there!

You attended our summer intensive last year, can you tell us more about the challenges you faced while training and what it brought you?

The Business Lab for Choreographers, as it was called last year, gave me the opportunity to discover myself and my skills and expose myself further. I gained knowledge not only through creating a piece, but also through learning topics that were absolutely unknown for me. The challenge for me was to meet people from all around the world and collaborate while also learning from them and their past knowledge and experience. I had the chance to meet people with a passion in dance, art, and a vision to share their love and insight from different countries. That gave me hope and willing to keep on going to fulfill my goals. Additionally the course was a useful tool to start organizing and establishing my projects and ideas.

What are your next projects, your next challenge?

My next projects will be presenting in Porto and my next challenge is to find permanent partners to establish my own dance company.

Want to discover Ioanna work and keep in touch? You can check her instagram @ioannatol

Are you interesting about this program? Come take part in our intensive « Artistic Business Lab »!

As we are currently getting ready for the second summer of our intensive for choreographers, called Artistic Business Lab, in Paris, we are taking a second to look back on what has become of our choreographers from last year. Today we asked Ioanna what her life is like, now in Greece.

Credit: Miguel Ângelo Afonso

Can you introduce yourself and your work as a choreographer?

My name is Ioanna Toliou. I am from Greece and I am a professional dance teacher. Apart from teaching I am passionate about creation and choreography. The last three years I have been primarily busy with creating pieces for festivals in Athens. My interest in the subject of my pieces is specifically human feeling and body movement in relation to space.

Do you have any news to share?

At this moment I am following a choreography course in Porto, Portugal. It is a 6 months intensive course in interpretation and choreography; and for the next months, my next project will be created and shown in Porto. I hope to see you there!

You attended our summer intensive last year, can you tell us more about the challenges you faced while training and what it brought you?

The Business Lab for Choreographers, as it was called last year, gave me the opportunity to discover myself and my skills and expose myself further. I gained knowledge not only through creating a piece, but also through learning topics that were absolutely unknown for me. The challenge for me was to meet people from all around the world and collaborate while also learning from them and their past knowledge and experience. I had the chance to meet people with a passion in dance, art, and a vision to share their love and insight from different countries. That gave me hope and willing to keep on going to fulfill my goals. Additionally the course was a useful tool to start organizing and establishing my projects and ideas.

What are your next projects, your next challenge?

My next projects will be presenting in Porto and my next challenge is to find permanent partners to establish my own dance company.
Want to discover Ioanna work and keep in touch? You can check her instagram @ioannatol

Are you interesting about this program? Learn more below!

As we are currently getting ready for the second run of our summer intensive for choreographers in Paris, we are taking a second to look back on what our past trainees are up to now. Today we caught up with Leena Diab from Nazareth.

Photo: Emmanuelle Staüble

Leena Diab was born and raised in Arlington, Texas, USA. She began her dance training at the age of 3 at the Arlington YMCA. By age 6 she started dancing with Metropolitan Classical Ballet Company for 10 years and performed in many shows such as « The Nutcracker », « Creation of the World », « Firebird » and many others. She taught Pre ballet and Jazz at the company for two years as well. In 2008 she moved to Nazareth, Palestine and started working at Alamal Dance Organization while studying for her BA in dance at The Jerusalem Academy of Music and Dance. During these years she took many dance, movement, physical theatre and choreography workshops overseas and continues to look for new ways to gain more knowledge and inspire others through her love of dance.

Do you have any exciting news to share with us?

In October of 2018, I recently started a choreography project: « BETWEEN TWO WORLDS ». It is a student contemporary dance project/performance, based on intensive workshops which focuses on the process more than the product. The performance features 11 females dancers from Alamal Dance Organization in Nazareth, that were chosen during the audition in August 2018. The piece is choreographed and directed by the two artists /dancers Leena Diab, Nazereth and Ayman Safiah, Kufr Yassif, who both currently teach at the school. The performance is produced and sponsored by Alamal Organization. Our work touches on certain social issues women are facing these days and how they can find the courage to become more confident, stronger and freethinkers in this society or reality that they are living in. Women empowerment acts as a powerful tool against exploitation and harassment. This builds the confidence in their ability to take control of their own lives, develop their own identity and have their own voice in order to realize their full potential and in turn bring about social change. Also we focus on introducing new dance elements and techniques, which help the dancers explore, research and express with no limitation, in expressing anger, fear, confidence, love, acceptance of their own body and others differences. Our approach concentrates on giving the dancers the chance to think outside the box, to listen to their inner self and to use their bodies freely as an instrument to express the human psyche and condition without any limitations. We encourage the dancers to think about the topic assigned and how they can relate to it while thinking about the quality of movement in relation to the idea being expressed. We always approach the students by giving them tasks to allow them to participate in the creation of the project. As we focus on the process more than the product, meaning focusing on the varying techniques while allowing the dancers to explore and articulate what they want to say through movement, we are contributing to their natural growth and understanding of these young dancers in relation to defining their own identity. We believe that experimentation with different ideas within the confines of dance techniques, will better lead students to define and redefine new forms and ways of thinking, feeling and moving.

You followed the intensive program of La Fabrique de la Danse last year, can you tell us more about this experience?

In July of 2018, I was a part of the La Fabrique de la Danse business and choreography lab program. It was a very interesting and fascinating experience for me. Not only did I meet other amazing choreographers, it gave me so many tools to think about. I learned so much about how to run a business and how to have a successful career as a choreographer. One of my biggest challenges in this program was learning to let go and not be afraid to have simplicity in my movement as a choreographer. I also was faced with my fear of public speaking and having to present my work as an artist through words and not just through movement. I believe that this program gave confidence to go back home and start creating new projects. I really feel that I am now ready to take on any challenge that comes my way.

What are your next projects, your next challenge?

New projects? I am really focused right now on my recent project and seeing how I can develop it more and more and maybe after that I will think about creating new projects for the future. You can keep in touch and discover Leena work on Instagram or on Facebook

Are you interesting about this program? Come take part in our intensive!

Voici pour vous une sélection de festivals qui mettent en avant la danse filmée…

Hang on Carry on / Interprète : Jefta Tanate

URBAN FILM FESTIVAL

Introduit par Rstyle, l’Urban Film Festival est le premier festival à promouvoir des films traitant des sujets tels que la ville et la culture urbaine au travers de la danse, du mouvement, de la street culture. Pendant 6 jours, se succèdent battles de danse, portes ouvertes de cinémas, masterclass et conférences sur le business du hip-hop ou encore le développement des clips de rap par exemple. Cette compétition de courts métrages recouvrent 4 catégories : performance, animation, fiction, documentaire. Grâce à son influence internationale, le festival permet à de nouveaux talents du monde entier de se développer et de faire parler d’eux. En effet, le festival est accueilli dans plusieurs pays, DOM-TOM et régions du monde (France, Haïti, Ukraine, Portugal, Canada, Afrique de l’Est) afin de qualifier les meilleurs talents. Vous pouvez d’ailleurs tenter votre chance, en remplissant le formulaire d’inscription, selon votre localisation.

Lauréat 2017 – Prix coup de coeur

AM I PARIS, de Redha Medjellekh

60secondsdance

60secondsdance, est une compétition internationale de film d’une durée de une minute où la danse est mise en avant. Le festival est créé en 2011 au Danemark, dans le but de faire écho à la journée internationale de la danse, qui aura lieu le lundi 29 avril cette année. Le festival est produit par le Loikka Dance Film Festival, le Dansehallerne, et DansiT, qui sont des partenaires danois, finlandais et norvégiens en rapport avec les 3 pays où se déroule la compétition. Chacun de ses 3 pays a son propre jury mais le public est également sollicité par le biais de votes en ligne afin de décerner le prix du public !

Prix du meilleur film de 60 secondes de Finland, 2015 :

Hang on-Carry on, Chorégraphe : Erik Kaiel / Directeur et producteur : Michiel Vaanhold / Interprète : Kim-Jomi Fischer, Jefta Tanate

ScreenDance Festival Stockholm

Chaque année le festival suédois ScreenDance Festival se déroule à Stockholm, au Dansmuseet, le premier musée au monde à traiter des arts de la scène et des arts visuels. Lors de la projection du festival, les artistes et festivaliers ont également l’occasion de visiter ce lieu iconique ! Le principe du festival est le suivant, chaque année les danseurs du monde entier sont invités à envoyer leurs projets. Il y a 4 catégories dans lesquelles les participants peuvent concourir : la sélection internationale, la sélection suédoise, la sélection des films d’une durée de une minute et la sélection « Gif.Dance ». Depuis cette année, la technologie entre désormais en jeu, car le festival a décidé de présenter deux films en réalité virtuelle. Les deux gagnants de cette compétition remporteront une résidence d’une durée de deux semaines à Tranås, en Suède. Cette année, le film La Louve de Virginie Kahn, intervenante dans notre formation « Chorégraphie à l’écran » a d’ailleurs été sélectionné lors du festival !

La Louve, de Virginie Kahn / Chorégraphie : Marion Parrinello

Body in Focus

La projection internationale de vidéos de danse « Corpo em Foco / Body in Focus » dirigée par Paulo Henrique, chorégraphe multimédia et video designer, ouvrira ses portes lors de la 17ème édition du NORTE Dance festival. Le but de cette projection est d’explorer la relation intime que partage la caméra et la danse lors d’un projet chorégraphique filmé. La projection se fera sous deux catégories : les chorégraphies à l’écran (chorégraphies spécialement créées pour être tournées) et l’expérimentation des nouvelles technologies (créations qui dépassent les limites de la danse et du corps au service de la vidéo et des nouvelles technologies). La date limite de dépôt de dossier est le 20 avril prochain, alors profitez en !

La transposition de la chorégraphie vers l’écran vous intrigue ? Participez à notre formation « Chorégraphie à l’écran » !

Rencontre avec Simon Feltz, de la promotion 2019 de l’incubateur.

Quel est ton univers chorégraphique ?

Je ne sais pas si je peux définir mon univers chorégraphique mais j’ai la sensation que chaque nouveau projet est un univers en soi, tant les intentions et les motivations sont différentes d’une création à l’autre. Je peux seulement dire, que mon désir de créer né de ce que j’observe, de ce qui me révulse ou qui m’enchante. Cela peut paraître un peu bateau, mais cette dimension cathartique est pour moi nécessaire dans la démarche de création. Je tente toujours de me pencher sur ce qui unie le sujet au monde, ou à autrui, sur sa capacité à croître ou à sombrer, et la forme et la matière chorégraphique, elles, ne jaillissent que dans un second temps.

Peux-tu nous dire quelques mots sur ta création en cours ? 

La création sur laquelle je travaille actuellement, est un solo chorégraphique interprété par Clémence Galliard sur une musique originale de Nosfell. Intitulé Abyme, ce travail tente de questionner notre rapport au corps, vécu dans l’image et l’amenuisement de la profondeur discursive au profit de contenus visuels toujours plus léchés, lissés et parfois complètement factices. Mêlant mouvement et texte, cette pièce est une tentative de contrer ce mouvement globale de marchandisation de « soi » qui mène parfois à une conformité morbide et absurde.

Quels ateliers as-tu prévu avec les danseurs de Danse en Seine ?

Pour ces deux jours d’ateliers, j’aimerais travailler autour de différentes cellules chorégraphiques (des sections de mouvements relativement courtes). Juxtaposées les unes aux autres, ces séquences chorégraphiques seront répétées en boucles et s’effriteront au fur et à mesure afin de ne laisser place qu’à un mouvement unique et répétitif. La structure ainsi créée perdra progressivement en complexité et se réduira à un geste compulsif qui aura avalé tous les autres. Je veux donc créer ces petites phrases chorégraphiques en collaboration avec les danseurs de l’atelier qui seront répartis en différents groupes : les séquences seront les mêmes pour chaque groupe, mais seront assemblées dans un ordre différent en fonction du groupe. Il n’y aura donc pas de grand mouvement d’ensemble mais seulement des instants, ou un même geste qui jaillira du commun. A chaque reprise de la boucle chorégraphique, nous tenterons d’effacer un mouvement par séquence de sorte à ce qu’une uniformisation s’opère de boucle en boucle.

Pourquoi avoir rejoint l’incubateur ?

Après avoir quitté la structure pour laquelle j’avais dansé plusieurs années, j’ai décidé de commencer à créer mon propre travail. J’ai malheureusement fait les choses un peu à l’envers… En voulant me mettre à la création au plus vite, je ne me suis pas posé les questions administratives nécessaires à la structuration d’une compagnie comme les demandes de subventions par exemple. Je suis donc arrivé à un moment où il était essentiel de reprendre les choses dans le bon ordre. Après avoir vu l’appel à candidature pour l’incubateur de chorégraphes, je me suis dit qu’un tel programme me serait d’une aide précieuse et qu’il m’apporterait les connaissances qui me faisaient défaut. Bien m’en a pris puisque je me sens beaucoup moins « largué » face à toutes les démarches à faire aujourd’hui. Mai c’est un passage obligé si l’on veut tenter de développer une activité pérenne et continuer à faire ce qui nous tient à cœur.

Découvrez tous les autres chorégraphes de la promo 2019 !

Rencontre avec Louis Barreau, de la promotion 2019 de l’incubateur.

Quel est ton univers chorégraphique ?

La relation entre la composition chorégraphique et la composition musicale est au cœur de mon travail. J’aime penser que mon métier de chorégraphe consiste, essentiellement et avant tout, à organiser structurellement, dans l’espace et le temps, le corps, la relation et le mouvement. J’aime l’idée que le mouvement soit expressif en tant que tel, tout comme la composition. En ce sens, je cherche à mettre en place des sortes de situations spatiales structurées dans lesquelles quelque chose se passe et se raconte en soi et pour soi. En d’autres termes, je ne cherche pas à parler à travers l’écriture de la danse, puisque je considère que la danse parle d’elle-même : pour moi, un bras qui s’étire sur le côté ou vers le haut, c’est déjà quelque chose de très important qui se dit, c’est déjà le corps qui parle de lui-même. Les mouvements et circulations naturels sont très inspirants pour moi : les vols d’oiseaux dans le ciel, les bancs de poissons dans la mer, le vent dans les arbres, les répétitions et déclinaisons des vagues, les transformations de la lumière du jour et de la nuit, des couleurs du ciel, des formes des nuages… Néanmoins, je ne cherche pas à représenter ces mouvements naturels dans mon travail, mais j’aime imaginer que la structure compositionnelle que je cherche à construire, au-delà du fait qu’elle soit très détaillée et organisée, soit influencée ou éclairée par les mouvements organiques et naturels qui sont partout, autour de nous. Je pars toujours d’une partition musicale (ou d’un autre type de « partition » le cas échéant comme une image, un texte, une peinture, un paysage…), et après l’avoir analysée, j’en extrais des lignes de composition que je mets au travail avec les danseurs en studio. Les danseurs, à travers la créativité de leur geste, deviennent pour moi comme des médiums traversés par le mouvement, qui à la fois incarnent cette structure, mais qui, dans le même temps, cherchent à travers leur propre danse et leur propre corps comment créer et vivre leurs espaces de liberté.

Peux-tu nous dire quelques mots sur ta création en cours ?

Nous venons de faire la première de ma dernière création, MONTAGNE DORÉE, les 7 et 8 février derniers, dans le cadre du festival Faits d’hiver organisé par micadanses-ADDP, au Théâtre de la Cité Internationale, à Paris. MONTAGNE DORÉE, est un duo de danseurs à l’unisson du début à la fin de la pièce, accompagné en live par un pianiste jouant les Variations Goldberg de J.S. Bach. Dans la pièce, il n’y a ni montagne ni dorures, il y a trois corps qui avancent ensemble comme dans une longue marche vers le haut, rythmée par 30 danses à la fois singulières et reliées les unes aux autres. Au fil de la pièce, la traversée se transforme en une performance, performance du corps et de l’esprit, une ascension à trois vers des liens à chaque instant plus précis, plus attentifs, plus conscients. Les variations sont la montagne qu’il faut arpenter pour se rapprocher, peut-être, de ce qu’il y a de lumineux et de doré dans la relation.

Quels ateliers as-tu prévu avec les danseurs de Danse en Seine ?

Pendant le stage, j’ai construit une courte forme chorégraphique sur la Passacaille de la Suite n°7 en sol mineur HWV 432 de G.F. Haendel, auprès des 7 danseurs de Danse en Seine. Comme je le fais habituellement dans mes créations, j’ai préalablement analysé la partition pour établir une sorte de méthodologie de composition que nous allons explorer et vivre avec les danseurs. Souvent, la méthodologie se décline, se transforme, s’adapte avec la force créative du danseur, et cela est toujours très beau pour moi. Cette courte forme sera présentée pour la Soirée des Chorégraphes en juin. Puisque nous avons très peu de temps pour la construire, j’aime l’idée de l’imaginer comme une sorte d’exercice de composition à vivre tous ensemble. Comme tout exercice, nous le vivrons comme un entraînement : entraînement de pratique dansée pour les danseurs, entraînement de composition pour moi. Et comme pour tout exercice, nous allons jusque-là où nous pourrons aller, tout simplement ! Lors de la Soirée des Chorégraphes, nous partagerons en quelque sorte les résultats et aboutissements de cet exercice avec les spectateurs présents…

Pourquoi avoir rejoint l’incubateur de chorégraphes ?

Après 4 années de compagnie et 4 créations, j’avais envie de faire le point sur la structuration de ma compagnie, de prendre du recul pour regarder toutes les choses construites depuis le début, et acquérir de nouveaux outils pour être toujours plus juste dans les étapes à venir. La formation était aussi une manière pour moi de rencontrer d’autres chorégraphes à différentes étapes de structuration de leur propre projet, et de constater qu’aucun d’entre nous n’est seul dans ce qu’il vit, qu’il en soit au tout début ou à un stade plus avancé.

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